Scultura buddista classica. Messaggio unico sui complessi di templi sulla scultura buddista

Religione che ha fissato le sue posizioni nei testi, il buddismo (ad eccezione del buddismo zen, che è favorevole alla pittura, cioè all'espressione individuale diretta della visione del mondo che essa consente) ha una rigorosa tradizione iconografica; varie tecniche scultoree hanno seguito questa iconografia nel corso dei secoli.

Secondo la teologia buddista, il Buddha stesso ( Butsu), o Futuro Buddha ( Nyorai), è determinato dalle caratteristiche indicate in giapponese dai concetti dal sanscrito: Siaka(Shakyamuni), Rusiano(Vairochana), Amida(Amitabha), Yakushi(Bhasaya-guru). Il Buddha è raffigurato come un giovane sacerdote, i suoi capelli ricci acconciati e legati in un nodo; una figura disadorna, drappeggiata solo in una semplice veste monastica fluente. Le sue orecchie, troppo allungate, sono appesantite dai gioielli che indossava quando era principe e viveva nel lusso alla corte del padre. Diverse opere del buddismo esoterico (Mikkyo) lo raffigurano coronato da un diadema, con abiti tempestati di gioielli, ma ci sono poche immagini del genere del Buddha.

Tipi iconografici di immagini scultoree di bodhisattva Miroku(Maitreya), monju(Manjushri), Fugen(Samantabhadra) e Kokuzo(Akashagarbha) (elenchiamo quelli che sono più comuni) sono più diversi. Possono essere raffigurati in un diadema, che adornano i capelli sollevati, con una cintura, un ciondolo o un pettorale legati in modo lasco sopra l'abbigliamento. (Yoraku) completano il loro aspetto.

Guardiani celesti - Bontin(Brahma), Taishakuten(Indra), Bishamonten(Vishravana), Kitizeten(Mahasri), Kongorikisi(Vajrapani) - assumono un aspetto diverso: sono re o cortigiani, soldati o giganti, muscoli potenti simboleggiano la loro forza, opere espressive dell'arte giapponese sono state ispirate dalle loro numerose immagini.

Le immagini di alcuni Buddha e Bodhisattva appartenenti alle sette del Buddismo Esoterico esprimono una rabbia violenta. Più comune Fudo Myoo(Alcalà), Gosanze Myoo(Trailokyavijaya), Aizen Myo(Raga).

Tutte queste divinità sono raffigurate in pose energiche, ma fanno lo stesso gesto rituale della mano. (saggio). Questo movimento corrisponde all'espressione dei loro volti. Entrambi rivelano l'idea che dovrebbero esprimere. Le immagini più venerate sono circondate da un alone e l'abilità con cui è stato eseguito, nel tempo, ha trasformato gli elementi di questo alone - angeli, fiori e fiamme - in una mera decorazione decorativa. Il carattere dell'immagine diventa sempre più raffinato e decorativo. La statua era solitamente collocata su un piedistallo a forma di gigantesco fiore di loto, una simbolica pianta acquatica: la radiosa purezza dei petali e delle radici immerse nel limo del fondo.

Le creature celesti - divinità su una nuvola, una delle quali suona un flauto, l'altra tende un loto - sono incluse in un gruppo di cinquantadue altorilievi in ​​legno che adornano l'interno di Hoodo a Byodoin a Uji. Costituiscono la scorta celeste di Amida Nyorai dello scultore Zete. Originariamente disegnato e decorato con fili d'oro ( kirikane), queste graziose sculture rappresentano l'arte sincera e allegra dell'era Fujiwara.

Ai nostri giorni sono apparsi nuovi materiali, che hanno spinto gli artisti a tornare alla scultura religiosa. Ma nel corso di sette secoli l'arte plastica buddista, si può sostenere, è cambiata poco: il canone del Buddha di Kamakura (1252) è anche il canone del Buddha di Myoguro, che risale al 1802 (questa statua è conservato al Museo Cernushi).

La scultura giapponese dell'era di Kamakura riflette questo periodo di amarezza e instabilità, mostra manifestazioni di realismo, al confine con il barocco, in un certo senso, questo è il momento dell'ascesa e della caduta dell'arte plastica. La scultura di quest'epoca è un riflesso del suo tempo. La capacità di sentire profondamente, caratteristica degli artisti del XIII secolo, la loro propensione al dramma e alla compassione era segnata da una sincera fede amidista. Questa volta non era adatta alle immagini di divinità serene e sicure di sé, piuttosto era richiesta l'espressione del dolore trattenuto di persone sensibili e molto vulnerabili. L'edificazione di queste sculture era destinata a molti credenti umili, scarsamente istruiti, estranei alle gioie estetiche che erano disponibili solo ai cortigiani, quindi al popolo avrebbero dovuto piacere le immagini degli dei e dei santi. A tal fine, gli scultori non disdegnarono alcun effetto, fino alla pomposità. Affinché le immagini apparissero “più vive”, gli occhi delle statue erano intarsiati di cristallo di rocca. (Gyokukan). In quei tempi epici si formò anche un culto di eroi: nobili nobili, che, grazie alla loro illustre energia, crearono la storia e, di conseguenza, compaiono le loro immagini. Una delle più belle, senza dubbio, è la statua di Uesugi Shigefusa, i cui discendenti sono sempre stati tra i più influenti consiglieri dello shogun.

I principi di base della scultura di quest'epoca sono stati espressi nell'opera di Kokei (XII secolo). Lo scultore fu associato al tempio Kasuga di Nara, fondò una scuola nel centro dell'antica Yamato, vicina nello spirito alla scuola dei grandi riformatori nel lontano Kanto.

Il tempio Kasuga-jinja, o Kasuga-taisha, a Nara fu fondato nel 768. Ma potrebbe aver avuto origine prima, poco dopo l'istituzione della capitale a Nara. Fujiwara no Fuhito (659–720) ordinò che fosse costruito in onore del dio protettore della sua famiglia. Palazzo principale ( honden) restaurato nel 1863, quattro tempietti identici - piccoli padiglioni quadrangolari, dotati di una scala rettilinea, che è protetta da un cornicione di un ampio tetto. L'ensemble è uno dei tipi caratteristici di santuari shintoisti che sono diventati comuni dall'era Heian. Un pittoresco vicolo conduce al Santuario di Fujiwara, fiancheggiato da innumerevoli lanterne donate nel corso dei secoli da devoti credenti.

Unkei, figlio di Kokei, che lavorò dal 1175 al 1218, è giustamente considerato lo scultore giapponese più famoso. La forza, la portata, l'umanità dell'arte dell'era Nara divennero i tratti distintivi di questo artista, accresciuti dall'energia nervosa alimentata dalle impressioni dell'arte plastica dell'era Song. Nel modo creativo dei figli di Unkei - Tankei, Koben e Kosho - apparvero le caratteristiche del manierismo, il naturalismo è evidente nel loro lavoro: la plasticità del corpo, l'espressione facciale, il drappeggio volante delle vesti dei santi, deviando dal canone - tutto ciò fu fatto magistralmente, e le statue stupirono i pellegrini.

Il restauro di Todaiji, che subì le guerre del XII secolo, influenzò significativamente lo sviluppo della scultura giapponese e ne cambiò la direzione principale. Sotto la guida del Sommo Sacerdote Shunjobō Hogen, il tempio fu ricostruito in uno stile di architettura della Cina meridionale noto come tenjiki-e(stile indiano). Per restaurare l'arte della scultura, Hogen, che aveva già visitato la Cina tre volte, come si suol dire, sceglie Kaikei, uno studente di Kokei. Ha anche portato dalla Cina l'artista Chen Hochin, che introduce lo stile Song ai giapponesi. A poco a poco, il nuovo laboratorio di Todaiji si è trasformato nel fermento che ha dato origine alla perla della scultura giapponese: l'arte di Kamakura. Il tempio restaurato a Todaiji era una struttura grandiosa e le persone che lo crearono non erano inferiori ai loro predecessori per abilità e abilità artistica: diversi esempi sopravvissuti del tempo precedente servivano da modello per i giovani scultori, quindi il processo creativo non era facile, e la ricerca di qualcosa di nuovo era costante.

La scultura si sviluppò rapidamente durante l'era Heian, durante il periodo di massimo splendore della cultura Fujiwara. Gli artigiani lavoravano con successo a corte e nelle case nobiliari. Hanno scolpito immagini squisite e piacevoli dal legno tenero, che hanno soddisfatto i potenti di questo mondo. La setta buddista Tendai ha mantenuto un'estetica di fascino. Questa tendenza si intensificò con la diffusione dell'Amidismo, uno dei cui postulati affermava che il simbolo del paradiso, dove si incontrano le anime rette, sulla terra può essere la contemplazione della bellezza.

L'eccezionale ingegnosità dei maestri ha sviluppato tecniche scultoree. Le statue erano costituite da frammenti: l'intera statua è stata assemblata da pezzi separati tagliati della dimensione richiesta ( yosegi). Questo metodo, che semplifica il compito di creare una statua e di restaurarlo, fu perfezionato dal maestro Zete, che poco prima della sua morte (1057) realizzò una meravigliosa statua di Amida Nyorai in Byodoin a Uji (1052), la cui doratura opaca illumina il Padiglione della Fenice (Hoodo).

Figlio di uno scultore (era anche sacerdote buddista) Kosho, Jocho godeva del patrocinio speciale di Fujiwara no Mitinaga (966-1027), proprio colui che era destinato a condurre la sua famiglia alle vette del potere. Tale supporto significativo ha permesso a Jocho di fondare il notevole Workshop della Settima Strada a Kyoto. (Shijo busso). Presto il suo allievo Hosei (morto nel 1091) e il figlio di quest'ultimo Ensei (morto nel 1134) fondarono un laboratorio in Third Street. (Sanjo busso); entrambi i laboratori erano ampiamente conosciuti e prosperavano. Il successo di Zete testimoniò un importante cambiamento nella posizione sociale degli scultori: ricevettero il diritto di lavorare nella propria bottega e di educare gli studenti. Jocho divenne il primo della sua corporazione ad essere ammesso alla dignità spirituale, che gli forniva sia autorità che ricchezza materiale. Il nuovo status gli guadagnò rapidamente una grande popolarità, poiché nell'era Heian i monasteri si svilupparono grazie ai sussidi e al patrocinio dei mecenati. Così, dopo che Jote si avvicinò abbastanza naturalmente all'Hojoji eretto da Fujiwara no Mitinaga, questo esempio dato dal vertice della società fu seguito da molti. Grazie alla religione, la scultura acquisì il favore dei laici, che le permise di allontanarsi dalla troppa dipendenza dai prototipi cinesi.

Gli scultori hanno utilizzato modelli cinesi con un certo ritardo in un momento in cui la corte giapponese era in competizione con la corte cinese. La maturità dell'era Tang corrispondeva alla maturità delle ere Tempyo e Heian. Da quando la corte si stabilì a Heian, la scultura è fiorita grazie alle numerose commissioni che provenivano da monasteri esistenti e alla costruzione di nuovi. Nuovi monasteri furono fondati in valli protette dalla lontananza e dalle foreste. Il bisogno era grande, le statue dovevano riflettere nuovi sentimenti religiosi.

In questo caso, il materiale deve essere non solo durevole, ma anche economico. Pertanto, la scultura del periodo Heian era prevalentemente in legno. Questa nobile materia in un paese densamente ricoperto di foreste, esprimeva in modo originale il talento dei popoli della foresta, che sostituivano la primitiva ascia dei loro antenati con l'efficiente scalpello delle grandi civiltà dell'età dei metalli. Statue in legno di sandalo ( danzo), che i monaci pellegrini portarono dalla Cina, portarono alla moda un materiale gradevole e naturale: il legno, che abbondava nell'arcipelago. Infine, la qualità degli utensili da taglio giapponesi ha permesso di ottenere precisione nell'intaglio del legno. In effetti, già nell'era di Nara, i laboratori Daiyanji e Tosodaiji riproducevano forme squisite di prodotti simili fatti di lacca o argilla in legno. Le statue prima dell'era Kamakura erano scolpite da un unico pezzo di legno ( ichiboku). Per realizzarli è stata necessaria l'applicazione della forza, è stata prestata particolare attenzione all'arredamento, i dettagli della statua sono stati accuratamente elaborati, poi abilmente ricoperti con altri materiali ( hompa-shiki). Nell'era Heian, gli artisti si allontanarono dallo stile realistico in contrasto con le maestose opere dei maestri dell'era Nara, che seguivano rigorosamente la tradizione.

Nara

L'era di Nara fu l'età d'oro della scultura giapponese. Senza dubbio non l'ha mai saputo grande varietà materiali. Le tecniche più utilizzate durante il periodo di massimo splendore di Nara - lacca e argilla - provenivano dalla Cina Tang.

La tecnica dell'argilla è nota da molto tempo in India e in Asia centrale, da lì è arrivata in Cina. Per prima cosa è stato realizzato un modello in legno, questa struttura grezza è stata ricoperta di paglia di riso (era necessario per trattenere meglio i nuovi strati di argilla), su cui è stata posata la massa argillosa. La massa che veniva utilizzata per i primi strati era grossolana: la paglia veniva premiscelata con terra e cenere, quindi veniva nuovamente ricoperta con argilla migliore mista a fibra di carta. L'ultimo strato sottile è costituito da argilla finemente macinata con polvere di mica. La statua è stata poi dipinta o ricoperta di lamina d'oro. Al posto di questa tecnica, diffusa nell'VIII secolo, si iniziò ad utilizzare la tecnica della lacca.

La tecnica della laccatura è tipica dell'Estremo Oriente. Consisteva nell'applicazione di strati di lacca: o la lacca veniva applicata in sequenza o su strati di tessuto (dakkatsu kanshitsu) o subito su base in legno (mokushin-kanshitsu).

Nel primo caso, un tessuto viene applicato in successione ripetutamente su un modello cavo in argilla grezza, ogni strato del quale viene trattato con vernice fino a quando non acquisisce la forma desiderata. Le parti in plastica sono state lavorate con una miscela di polvere di vernice e segatura, sono stati utilizzati telai in metallo. Dopo l'essiccazione, lo stampo in terracotta veniva rotto e talvolta veniva inserita all'interno una cornice di legno per dare stabilità all'intera struttura. La tecnica utilizzata per creare una statua in lacca su una base di legno è leggermente diversa dall'argilla: il modello originale in legno è ricoperto da più mani di lacca.

Entrambe le tecniche usavano spesso lacca multicolore, a volte mescolata con polvere o pigmento d'oro o d'argento. Le statue cave laccate a secco sono state trattate con particolare attenzione poiché erano sottili e facili da trasportare durante le processioni cerimoniali. La finezza che la tecnica della lacca ha permesso di ottenere ha trasformato la lacca in un mezzo utilizzato principalmente per i ritratti scultorei. Famosa (e anche la più antica conosciuta) è l'immagine del sacerdote Ganjin, che fondò il tempio di Toshodaiji nel 759. Un'altra opera altrettanto famosa è Asura a Kofukiji, una delle "Otto guardie di Shakyamuni" ( Hachibushu) - lo scultore lo dipinse con tre volti e sei braccia. Grazie alla tecnica della lacca, la statua esprime un'espressione gentile che ricorda più un angelo custode che un guerriero. Le maschere teatrali Gigaku trasmettono, nel loro sorriso caricaturale, l'ispirazione creativa degli artisti che ci hanno lavorato.

Insieme a queste statue umanizzate e migliorate, sono note monumentali immagini in bronzo, la cui fama dura da un intero secolo. La padronanza della tecnica di lega di rame e stagno, usata dai giapponesi, si sviluppò rapidamente, a giudicare dall'enorme Buddha di bronzo eretto a Todaiji nel 752. La statua, alta diciassette metri, fu fusa in più passaggi lungo tagli orizzontali ( igarakuri), quindi questi frammenti sono stati inseriti l'uno nell'altro, quindi è stata sovrapposta la doratura. Questa tecnica è stata utilizzata esclusivamente per creare Buddha giganti chiamati joroku("sedici") perché erano alti sedici piedi quando ritratti a figura intera e alti otto piedi quando erano seduti, un'altezza ideale che corrispondeva all'altezza di Shakyamuni. Statue di medie dimensioni sono state fuse usando la tecnica a la tire perdue (cornuto) secondo il metodo comunemente usato fin dall'era Asuka.

La pietra era relativamente poco utilizzata in Giappone perché Risorse naturali erano scarsi. L'influenza della monumentale scultura in pietra cinese e coreana è stata fortemente sentita lì, ma si è riflessa nell'uso di altri materiali. La pietra è rimasta per secoli associata ai giardini, all'architettura dei paesaggi; era più spesso percepito come un oggetto indipendente che come un materiale per la scultura.

I maestri degli anni Tempyo (729–749) crearono un'arte grandiosa utilizzando una varietà di materiali. L'arte rifletteva le idee del buddismo, che fiorì nella capitale del Giappone. Le proporzioni monumentali, le pieghe profonde del drappeggio pesante e fluido, aderente al corpo alla maniera adottata nel continente, testimoniano la maestria dell'arte plastica giapponese.

Hakuho

La scultura dell'era di Nara fu caratterizzata dal fiorire del realismo, dell'interpretazione espressiva dell'immagine, persino dell'espressività: dimostrò la maturità dell'arte, sostituendo l'arte di Hakuho, che si distingueva per la timidezza e l'indispensabile idealismo della giovinezza. L'arte del periodo Hakuho rifletteva l'inizio del periodo di massimo splendore del paese, iniziando a comprenderne l'essenza. Il Giappone si aprì allora alle influenze continentali e, grazie alla mediazione della Cina, aderì ai criteri estetici dell'arte indiana dell'era Gupta. Anche dopo l'indebolimento della dinastia sotto la pressione degli Eftaliti (455), questa estetica continuò a influenzare l'arte asiatica: calma, con lineamenti regolari, seni lussureggianti, fianchi arrotondati, alta statura, gambe lunghe e aggraziate, un corpo nascosto da pieghe fluenti di indumenti adiacenti. La triade di un piccolo tempio portatile di Lady Tachibana, madre dell'imperatrice Komyo (701-760), conservata a Horyuji, risplende di nobile e austera bellezza. L'ensemble è caratterizzato dall'armonia e dal volo di tutte le sue linee. Questo tempietto è, come il meraviglioso Tamamushi, in cui sono stati conservati i primi capolavori della pittura giapponese, una specie di reliquiario posto su un piedistallo e coronato da un tetto ( sumiza). L'acqua di sorgente (motivi geometrici che rappresentano acqua ondeggiante e piante acquatiche) irriga gli steli contorti di tre fiori di loto che sostengono il Buddha Amida ei suoi due bodhisattva. Un alone circonda la testa di Amida e lo sfondo è ornato di angeli. Le linee plastiche dell'insieme gli conferiscono vivacità e un sorriso radioso trattenuto caratterizza i periodi arcaici di tutte le civiltà.

Asuka

La scultura giapponese, che per tutto il suo sviluppo è rimasta strettamente associata alla religione, è nata insieme al buddismo sotto l'egida del notevole reggente Shoto-ku, nell'era di A suka. Come la religione arrivata in Giappone dalla Cina e dalla Corea, l'arte giapponese è stata influenzata dall'arte cinese e coreana e dalle sue teorie. La statua più antica di cui la storia (o leggenda) ha conservato la memoria è il Buddha gigante, la creazione di Kuratsukuribe no Tasuna, destinato a Sakatadera, un tempio eretto in memoria dell'imperatore Yomei (586-587), fu questo imperatore che fu il primo a rivolgersi ufficialmente al buddismo. L'autore delle antiche sculture giapponesi attualmente conosciute è il talentuoso scultore Tori, figlio di Tasun, anch'egli discendente di un immigrato cinese. Tori era infatti il ​​nipote di Shiba Tachito, che era emigrato dal regno cinese di Liang meridionale ed era arrivato in Giappone nel 522 per predicare le virtù del buddismo. La famiglia Shiba Tachito era anche conosciuta come Kuratsukuribe e il padre di Tori lo rese famoso.

Per ordine dell'imperatrice Suiko nel 605, Tori creò due gigantesche immagini del Buddha: una statua in bronzo dorato e ricami, che gli diedero l'opportunità di salire nella gerarchia al terzo grado di corte. L'unica opera di Tori che ci è pervenuta è l'istruttiva Triade Shakyamuni, conservata nel Monastero di Horyuji a Nara. Un ampio alone lanceolato circonda il Buddha ei suoi bodhisattva, che sono circondati da un alone di fiamma. L'iscrizione sul retro chiarisce che l'opera si riferisce all'anno 623 ed è stata creata per favorire la rinascita in paradiso poco prima del defunto principe Shotoku. Asceso su un alto trono di legno, che ricorda il piedistallo di tempietti o reliquiari moderni, Shakyamuni siede sul suo piedistallo, drappeggiato con voluminose pieghe a cascata. La posizione frontale dei personaggi, l'ovale allungato del viso, gli occhi grandi e spalancati a mandorla, un sorriso calmo e misterioso, le braccia lunghe - tutto è soggetto allo stesso canone che contraddistingue le sculture dei famosi monasteri Yungan o Longmen in Cina durante il periodo delle Sei Dinastie. Buddha è fatto nella tecnica un pneumatico perduto, i dettagli della superficie sono lucidati. I bodhisattva sono stati espressi separatamente. Il lavoro di Tori è andato perduto, ma lo stile da lui creato è stato conservato in sculture successive, come il Kannon Bosatsu del tempio Yumedono a Horyuji. Il meraviglioso Kudara Kannon presenta un netto contrasto con l'arte di Tori. Se le caratteristiche principali rimangono le stesse della Triade, si sente ancora il nuovo spirito dell'era della dinastia Sui. Scolpito in legno di canfora e ricoperto di lamina d'oro, il Kudara Kannon, collocato a Yumedono nel 739, conteneva senza dubbio alcune caratteristiche arcaiche. Tuttavia, le proporzioni allungate del corpo, la leggera inclinazione della figura in avanti, il fascino femminile e l'eleganza dell'acconciatura e dell'abbigliamento conferiscono a quest'opera un fascino umano. Gli dei vivevano già tra il popolo.

Questa statua è scolpita da un unico pezzo di legno di canfora, ad eccezione del vaso, che il Buddha tiene nella mano sinistra, e del prezioso braccialetto, che è indossato nella mano destra. Su di esso sono state conservate tracce di dorature, lacche e pitture policrome. Il diadema, come il pettorale e il braccialetto, è realizzato in bronzo dorato ed è simile ai gioielli coreani provenienti dalle sepolture dell'era dei Grandi Tumuli (III-IV secolo), in cui sono stati conservati ottimi esempi. Nella statua, di proporzioni allungate, si esprime notevolmente la plasticità del corpo; la parte superiore del corpo è leggermente inclinata in avanti, coperta da una dolce ondata di abiti drappeggiati. Kudara Kannon è così chiamato perché, secondo la leggenda, fu creato in Corea da un artista di Baekje (Kudara in giapponese), e testimonia l'evoluzione della scultura rispetto allo stile sacro di Tori. Trasuda lo spirito della cultura cinese dell'era Sui.

Questa tenerezza, illuminata dalla luce, si manifestava ancora più apertamente nelle statue di Maitreya conservate a Chuguji a Horyuji oa Koryuji a Kyoto. Le statue scolpite da un unico blocco di legno, compreso un alone, riproducono la posa (Hanka Shiyui o Khanka si-e), che, sotto l'influenza della Corea, era allora di gran moda: Maitreya medita, seduto su un trono, le gambe incrociate, la mano destra appoggiata sulla guancia. Sotto i vestiti nello stile del "drappeggio bagnato" alla maniera indiana, si indovinano le forme del corpo stilizzate. Maitreya, coronato da un doppio chignon o berretto coreano, emana una tenerezza che sarebbe diventata il segno distintivo della pittura piuttosto che della scultura nei secoli successivi. In un secolo, il Giappone ha dominato tutta la scienza!

Il buddismo come movimento religioso e filosofico è diventato una fonte di ispirazione per molti artisti, musicisti e scultori di tutto il mondo. Tra le creazioni più belle degli aderenti al buddismo ci sono le statue raffiguranti il ​​Buddha, collocate in templi, monasteri e luoghi sacri. Ricordiamo le 10 sculture più interessanti, insolite e sorprendenti raffiguranti qualcuno che ha raggiunto l'illuminazione.

Nella città di Hyderabad, nello stato indiano dell'Andhra Pradesh, ci sono molti santuari diversi e posti meravigliosi. Uno di questi è il famoso lago di origine artificiale. Al centro c'è un'isola con una statua di Buddha. Il suo peso supera le 320 tonnellate e la sua altezza arriva fino a 17 metri! Nel 1992, durante l'installazione della statua, qualcosa è andato storto e si è ribaltata, schiacciando con il suo peso 8 operai.

Un'enorme statua del Buddha, che porta l'epiteto Big, si trova sull'isola di Lantau a Hong Kong. Il Buddha è stato fuso in bronzo nel 1993 e da allora ha adornato l'area antistante il Monastero di Po Ling, a simboleggiare il legame tra natura e uomo, religione e vita quotidiana. La statua è una replica di Tian Tan, il Tempio del Cielo a Pechino. Seduto su un fiore di loto, il Buddha ha un'altezza di 34 metri e un peso di circa 250 tonnellate. È calmo, la sua mano destra è alzata e la sua sinistra è sul ginocchio. È interessante notare che tutti i Buddha del mondo sono rivolti a sud, questo è rivolto a nord. È anche la più grande statua di Buddha seduto in Asia.

Moniwa è una città nella parte centrale del Myanmar, non la più popolare tra i turisti che vengono in questo paese. Tuttavia, nasconde molti bei tesori: meravigliosi templi, stupa e statue. Su una catena di colline a est della città si trovano due insolite statue di Buddha. È interessante notare che sono vuoti all'interno e chiunque può entrarci. Una statua è un Buddha sdraiato lungo circa 90 metri. È stato costruito nel 1991. Al suo interno sono conservate altre immagini del Buddha e dei suoi discepoli, che illustrano eventi importanti per la formazione della religione. Accanto a lui si erge il Buddha, alto 132 metri. Questo è uno dei più statue alte Buddha nel mondo. Sembra un faro perché è adornato da una veste dorata che brilla al sole.

Ayutthaya è l'antica capitale dello stato precedente (Siam). Ora sul sito della città un tempo grande si trovano le rovine di palazzi, monasteri e templi. Il parco storico della città è uno degli oggetti Patrimonio mondiale UNESCO. Uno degli oggetti più fotografati e popolari qui è la testa del Buddha, impigliata nelle radici di un albero antico. Si trova sulle rovine del tempio Wat Mahathat. Il corpo è stato perso da tempo e il viso esprime gioia o beatitudine.

Il Tempio di Gal Vihara, situato nel centro nord dell'isola, ospita una delle più straordinarie statue di Buddha. Il nome Gal Vihara appartiene a una massiccia roccia nella zona storica di Polonnaruwa. Ci sono 4 Buddha scolpiti nella pietra qui - tutti sono nascosti nelle caverne e sono in pose diverse. Uno, reclinabile, ha una lunghezza di 14 metri. L'altro, in piedi, è alto 7 metri. Un tempo ogni statua era conservata dalle mura dei templi, oggi distrutte. Le sculture risalgono al XII secolo e furono scoperte per la prima volta dagli europei nel 1820.

La statua di 120 metri del Buddha Ushiku Daibutsu si trova nella città di Daibutsu. Si trova su una piattaforma di 10 metri a forma di grande loto. Sulla piattaforma è punto di vista a cui si arriva con l'ascensore. La statua raffigurante il Buddha Amitabha è stata costruita nel 1995. Si ritiene che questo sia il più grande Buddha indipendente.

Il Tempio del Buddha sdraiato è uno dei dieci luoghi da non perdere a Bangkok. Questa è una delle chiese più grandi e antiche della capitale. Ospita anche la statua più grande del Buddha sdraiato e la più un gran numero di immagini di Buddha nel paese. La statua dorata è lunga 46 metri e alta 15 metri. Simboleggia il Buddha che è andato al nirvana. I suoi occhi e le sue gambe sono incisi con madreperla.

Per chi si reca per la prima volta in Cina, questo Paese, almeno, sembra essere una sorta di caleidoscopio di impressioni, che colpisce per il contrasto tra il vicinato della modernità e storia antica questo bordo. Tuttavia, se il tuo un itinerario turistico attraverserai la parte dell'isola della Cina, in particolare attraverso Hong Kong, quindi vedrai sicuramente un punto di riferimento dell'isola di Lantau come la statua del Buddha, che è considerato il più grandioso tra i monumenti simili a questa immagine di culto di una divinità buddista situata in Cina .

Statua di Buddha su un fiore di loto

Innanzitutto, va notato che statua di Buddha situata nell'isola di Lantau, sorge al di sopra del territorio adiacente di circa ottanta metri. Quindi, per raggiungere questo monumento, è necessario superare un'intera cascata di gradini, il cui numero totale è di 268, che, secondo numerosi turisti, è abbastanza problematico da superare d'un fiato. Tuttavia, se hai superato questo test con dignità, avrai una grande opportunità per apprezzare tutta la grandezza di questo grandioso monumento. Infatti, per questo non basta dire che la sua altezza supera i trentaquattro metri, e il peso del bronzo puro speso per la sua fabbricazione non è né più né meno, ma duecentocinquanta tonnellate.

E alcune altre caratteristiche di questo monumento

Allo stesso tempo, quelli di noi che hanno almeno un po' di familiarità con la produzione di fonderia cadono in un certo sconcerto per il fatto stesso che una tale scultura sia stata fusa da una tale quantità di metallo. E non meno sorprendente, quello attuale provoca un altro momento associato a questo monumento buddista, ovvero come i cinesi operosi siano stati in grado di elevare questo colosso a tale altezza. Quindi, non invano, molti Monumenti asiatici, dedicato a questa divinità buddista, semplicemente pallido davanti alla sua statua, situata sull'isola di Lantau.

Tuttavia, questa maestosa composizione ha anche le sue differenze significative rispetto all'immagine canonica di un Buddha seduto, che, di regola, si affaccia sul lato sud del mondo con la sua faccia. E il Buddha, situato sull'isola di Lantau, volge il suo sguardo in una direzione completamente diversa, opposta, ovvero a nord, dove si trova la non meno maestosa capitale del Celeste Impero, Pechino. Ciò che gli autori di questo monumento volevano dire con questa differenza dal canone tradizionale dell'immagine del Buddha è piuttosto difficile da dire, ma il fatto che un punto di riferimento così unico sia stato riempito da questo annulla tutte le obiezioni dei veri ammiratori di questa religione .

Come arrivare là

Semplifica notevolmente il problema di come arrivare a questa statua del Buddha, la piccola circostanza che l'isola di Lantau è stata una delle più principali località questa regione. E se sei già arrivato a Hong Kong con un comodo aereo di linea o hai navigato su una nave da crociera ancora più lussuosa, arrivare a Lantau non è affatto un problema.

Molto spesso, il Buddha è raffigurato in posa dhyanasana(posizione di meditazione, posizione del loto) o in posizione eretta, in una semplice veste monastica e con i lobi allungati (segno della famiglia reale, che allo stesso tempo indica l'udito totale del Maestro). Sul collo - tre strisce appena percettibili (simbolo trikaya). I capelli di Buddha sono piegati a forma di tubercolo/nodo ( ushnisha) a seconda di come lo indossavano i monaci dell'epoca, in futuro questo dettaglio acquisirà un significato indipendente, a simboleggiare l'Illuminismo. Nel mezzo delle sopracciglia è raffigurato urna, un simbolo di visione spirituale interiore. Intorno alla testa mandorla.

Le prime immagini scultoree antropomorfe del Buddha sorsero in India nel I-II secolo. n. e. Tuttavia, la tradizione buddista collega il loro aspetto con eventi accaduti durante la sua vita. Una serie di dettagli citati nei testi sono direttamente correlati all'iconografia emergente e, più in generale, alla comprensione di quale sia esattamente l'immagine del Buddha per i suoi seguaci. Le leggende sulle prime immagini della vita del Buddha Shakyamuni sono in qualche modo collegate all'apparizione o alla creazione di statue su richiesta di ricchi mecenati. Il ricercatore indiano W. P. Shah ha anche notato che i casi descritti nei sutra in cui il Buddha ha invitato i suoi seguaci a non installare le sue immagini come oggetto di culto indicano indirettamente che tali tentativi sono stati effettivamente compiuti durante la sua vita.

Si dice che l'arte della scultura buddista sia iniziata con un ricco mecenate del buddismo e un mercante, Anathapindika, che una volta invitò il Buddha ei suoi monaci a consumare il pasto pomeridiano. Quando il Buddha rifiutò l'invito, chiese al Maestro di erigere una statua di metalli preziosi perfetta in ogni dettaglio: divenne nota come il "Prezioso Maestro". In un'altra versione di questa leggenda, si dice che quando il Beato partì per il paradiso di Trayastrimsa, il re di Varanasi fece un'immagine del Buddha in legno di sandalo per le sue preghiere private. Quando il Buddha discese di nuovo nel regno umano dal regno degli dei, la statua fece sei passi in segno di saluto. Allora il Beato le ordinò: “Vai in Cina per santificare questo Paese!” - e la statua, conosciuta come il "Signore del legno di sandalo", volò in aria verso la Cina. Questa leggenda e l'immagine del Buddha ad essa associata, che ora si trova in Buriazia nel datsan Egituysky, sono state completamente studiate nel libro di A. A. Terentyev. Le leggende di statue volanti non sono generalmente rare nell'area buddista. Va notato che tutte le statue buddiste alquanto antiche hanno una storia mitologica, riferendosi o ai leggendari artigiani che le hanno realizzate o al loro miracoloso aspetto di sé. Secondo la tradizione buddista, sono molte le statue che risiedono nell'"oceano esterno", ovvero il regno degli dei, che poi si manifestano sulla Terra.

Facciamo attenzione a un numero punti importanti seguendo le leggende di cui sopra. Nell'ultima trama mitologica, infatti, il Buddha spiritualizza la materia inerte della scultura, che porta la scultura oltre i limiti della materialità grossolana, trasforma la massa plastica, la ristruttura, realizzando le sue potenzialità per essere proporzionata al Tathagata (ecco perché il la scultura fa dei passi verso di essa). Inoltre, attribuisce alla statua una funzione sacra: “Vai in Cina per santificare questo Paese!” - cioè rimani lì come me, santifica questo spazio con me. La statua rivela la “non differenziazione” della natura del Beato e la natura della scultura, ma anche la “non identità”, poiché la scultura buddista non ha mai agito come oggetto di idolatria. Inoltre, la comparsa dell'iconografia del "Buddha ambulante", comune nel sud Asia orientale, è anche legato alle citate leggende.

Secondo l'ipotesi di C.-B. B. Badmazhapova, numerose leggende associate alla creazione delle prime immagini pittoriche, hanno influenzato anche il carattere di disegnare pieghe nelle statue di un Buddha in piedi o seduto nelle scuole di Gandhara e Mathura (pieghe, "come increspature sull'acqua" ). Un altro momento unificante delle storie, comprese quelle relative alle prime immagini pittoresche, è che gli artisti non sono stati in grado di raffigurare il Maestro a causa del suo splendore. Il nodo semantico comune di queste trame mitologiche è il fenomeno luminoso della natura di Buddha, che è stato direttamente incarnato in un dipinto. Così, secondo il Divyavadana, il re Rudrayana, o Udayana, inviò artisti dal Beato a dipingere il suo ritratto, ma i loro tentativi furono vani e lo stesso Buddha trasferì la sua somiglianza sulla tela. Il trattato di Lobsan-Danbi-Chaltskhana contiene una leggenda di un contesto semantico simile sull'immagine del Buddha, "sorgente dai raggi". È collegato all'episodio in cui il Buddha stesso disegnò la sua immagine con un raggio. Successivamente fu riprodotto in pittura da artisti e, secondo Ts.-B. B. Badmazhapov, può essere associato alla formazione dell'iconografia attorno all'alone del Buddha (mandorla). Un'altra storia racconta di uno studente del Tathagata, che non riusciva a cogliere la misura (proporzioni divine) del Maestro, e ancora una volta la ragione di ciò era lo splendore che emanava da lui. Shakyamuni, in una versione della leggenda, ordinò allo studente di disegnare la sua ombra, in un'altra si fermò sulla riva del fiume in modo che gli studenti potessero catturare il suo riflesso nell'acqua. Quest'ultimo si riferisce solo all'apparizione di immagini delle pieghe centrali della veste del Buddha, "come increspature sull'acqua".

Il tempo della comparsa delle prime immagini del Buddha - l'inizio del millennio per il sangha buddista - è stato segnato da controversie religiose (c'è stata una divisione delle scuole buddiste nella cattedrale del Kashmir sotto l'imperatore Kanishka (I-II secolo) e allo stesso tempo dall'ampia diffusione del buddismo tra le masse, dalla sua democratizzazione.

Indubbiamente, questo tempo ha richiesto la comparsa di una specifica immagine visiva del Maestro come esempio del raggiungimento dello stato di Buddha nel corpo umano, come indicazione della connessione tra il Maestro e lo studente.

Ad oggi, la scienza non ha costituito una base di prove per l'origine simultanea o sequenziale di immagini scultoree e pittoriche antropomorfe del Buddha. Ma per quanto ci permettono di giudicare i monumenti d'arte oggi conosciuti, l'antichità indiana ha tuttavia risposto più attivamente alla base scultorea e plastica dell'immagine. L'apparizione di immagini scultoree del Buddha ha segnato la creazione di una diversa forma plastica tridimensionale di riflessione dell'Assoluto, piuttosto che uno stupa. E sebbene in futuro lo stupa e la scultura coesisteranno parallelamente nella storia della cultura, è necessario sottolineare il peculiare trasferimento di significati dallo stupa alla scultura nello spazio. tempio rupestre. Una semantica simile dello stupa e della scultura come il corpo del Buddha può essere chiaramente vista nella crescita del principio pittorico nella struttura dello sguis che si trova in chaityagrihas (l'immagine del Buddha nella struttura dello stupa nella grotta di Ajanta n. 19 e Grotta di Ellora n. 10). Successivamente, lo stupa si affermerà come oggetto separato di complessi prevalentemente monastici e la scultura assumerà una posizione dominante in un tempio buddista.

Mortaio

tipi
1) Stupa buddista di pietra. Tibet.

2) Stupa nella pagoda giapponese.

Le caratteristiche della forma dello stupa in diverse parti dell'India erano determinate dalle tradizioni locali,
ma in pianta deve essere necessariamente tonda con base tonda o quadrata.
Nel sistema del simbolismo buddista, lo stupa era visto come un modello verticale dell'universo.
(un quadrato è un simbolo di ordine e stabilità, un cerchio è un simbolo di movimento e sviluppo).

prototipo struttura architettonica il tipo di stupa potrebbe essere una collina sepolcrale in pietra a pianta rotonda, che aveva una recinzione circolare con un cancello, o una capanna indiana a forma di alveare con un palo all'interno, che sosteneva il soffitto allo zenit. In epoca vedica, tali capanne erano comuni nell'India settentrionale. Lo stesso Buddha, alla domanda sulla forma della sua futura tomba, come se invece di rispondere, piegasse più volte il suo mantello, sul quale issò, capovolgendo, la sua ciotola rotonda per la raccolta delle elemosine.

Quali figure geometriche giacciono alla base dello stupa?

Cosa simboleggia ciascuno di loro?

Qual era il prototipo dello stupa? (Trova illustrazioni di queste strutture, mostra una somiglianza visiva).

GRANDE STUPA
3° secolo a.C – I secolo d.C. a Sanchi, Madhya Pradesh.

La base dello stupa è un tamburo di pietra con un robusto recinto attorno al bordo e una doppia scala. Simbolismo La base dello stupa simboleggia la terra, il mondo del dio Mara, personificando la morte e le varie tentazioni a cui una persona è soggetta nel mondo.

Sopra il plinto si erge un maestoso emisfero formato da strati di mattoni grezzi, rivestiti da blocchi di arenaria rossa. Simbolismo L'emisfero di pietra, secondo l'antico schema cosmologico, è il secondo livello dell'Universo, il mondo degli dei e dei semidei, significa il nirvana del Buddha e di se stesso, affermando l'esistenza fisica del maestro. Inoltre, è anche un modello del Monte Meru, un tradizionale oggetto di culto buddista.

Al centro dell'emisfero dello stupa c'è una camera cubica con un'urna reliquiaria. Simbolismo Questa immagine livello superiore Un universo in cui si muovono solo gli esseri che hanno raggiunto l'Illuminazione.

Lo stupa ha un asse verticale a forma di albero dalla base verso l'alto, che si completa con una piramide di ombrelli. Simbolismo Il polo centrale simboleggia l'asse dell'Universo, l'Albero del Mondo, la vittoria sull'ignoranza e la morte. Ombrelli, attributi del potere reale e protezione dalle azioni malvagie, nel buddismo significano i gradini dell'ascesa al nirvana.

Elenca i 4 attributi principali del Grande Stupa a Sanchi. Descrivi uno di loro?

Trova una foto di uno stupa in Nepal (Swayambanath). Condurre un'analisi comparativa: qual è lo stupa comune in Nepal con lo Stupa a Sanchi?

Quali sono le differenze?

Quali elementi di Swayambanath indicano caratteristiche dogmatiche?

Scultura.
Grande Buddha

L'altezza della statua è di 34 metri, il peso è di 250 tonnellate, il che ha reso il Big Buddha la statua di Buddha in bronzo più alta fino al 2007. Per raggiungere la statua, i visitatori devono salire una scalinata di 268 gradini, anche se c'è anche un piccolo tornante autostrada che conduce al Buddha. Il Grande Buddha è rivolto a nord, il che è unico poiché tutte le grandi statue di Buddha sono rivolte a sud.

Il buddismo ha introdotto nell'arte idee sociali molto definite; queste sono le idee di non impegno del male e della violenza, che nell'arte hanno acquisito un carattere concreto-figurativo. Ad esempio, fin dall'antichità esiste un'immagine scultorea tradizionale del Buddha dalle mille braccia: il Buddha siede su un fiore di loto, attorno alla sua testa e alle spalle, come un'aureola, vengono sollevate mille mani (il numero, ovviamente , è arbitrario), nei palmi aperti di cui sono raffigurati, rispettivamente, mille occhi. Il significato sociale di questa immagine religiosa è il seguente: il Buddha ha mille occhi per vedere tutte le ingiustizie commesse sulla terra, e mille mani per tendere una mano a tutti coloro che soffrono, per scongiurare loro il dolore e la sfortuna .

Qual è il significato sociale del "neutralismo" del buddismo?