Delos (Dylos, Δήλος). isola sacra della grecia

C'è un'isola nel Mar Egeo chiamata Delos, che i Greci considerarono a lungo un luogo sacro. Secondo la mitologia greca, Zeus peccò con la dea Latona e lei rimase incinta di due gemelli da lui. Dopo aver appreso di ciò, la moglie legale di Zeus, Era, lanciò una maledizione su Latona e vagò a lungo per tutta la Grecia in cerca di un riparo, ma non riuscì a trovarlo. Zeus trovò una via d'uscita dalla loro situazione attuale e organizzò un rifugio per la sua amata: un'isola galleggiante attaccata al fondo del mare con due colonne di diamanti. Poseidone aiutò la dea, indicandole la via e, trasformandosi in lupa, arrivò qui, dove diede alla luce i suoi figli: Artemide e Apollo. E poiché quest'isola insignificante ha dato rifugio a Latona, lei gli ha promesso che qui sarebbero stati eretti bellissimi templi e lo stesso Delos sarebbe stato venerato.

Sebbene questa sia una leggenda, tuttavia, riflette la vera immagine di ciò che è accaduto in questo luogo. Gli archeologi hanno trovato qui le rovine di molti preziosi monumenti di architettura e cultura: i templi di Apollo, Dioniso, Tritone, Era, Artemide. Case di Dioniso (dal nome del mosaico sul pavimento) e dei delfini, Agorà di Teofrasto, Portico di Antigone, Sala delle Colonne e la famosa strada dei leoni, la meglio conservata (su nove statue di marmo, cinque sono sopravvissute).

Ora nessuno vive su quest'isola e lui stesso è un grande museo a cielo aperto.

Studi culturali e storia dell'arte

Le statue di dei e adoranti sono opere di toreutica e fusione in bronzo. In effetti, va fatta una distinzione molto importante: se negli insiemi decorativi greci in frontoni e fregi la pietra domina senza limiti, allora il concetto di una statua rotonda separata per i greci era molto più strettamente connesso al metallo che alla pietra.

Scultura greca del primo periodo arcaico. Statue di divinità e adoranti, opere di toreutica e fusione in bronzo. Statua femminile di Auxera, Artemide dell'isola di Delo.

La principale differenza tra la scultura greca e la scultura egiziana era che se per gli egiziani il concetto di scultura era inequivocabilmente "scolpire nella pietra", allora nella scultura greca la "fusione di metallo" giocava un ruolo minore, e forse anche maggiore. La morte della maggior parte degli originali greci in bronzo, così come l'abbondanza di successive copie in marmo, distorce in larga misura per noi il quadro generale dell'arte plastica greca, dando un'eccessiva preponderanza ai campioni di marmo. In effetti, va fatta una distinzione molto importante: se negli insiemi decorativi greci, nei frontoni e nei fregi, la pietra domina senza limiti, allora il concetto di statua rotonda separata per i greci era molto più strettamente connesso al metallo che alla pietra.

Fonti letterarie greche nominano due scultori dell'isola di Samos, Theodore e Roika, che lavorarono a cavallo tra il VII e il VI secolo, come gli inventori della fusione del bronzo.

Combinando due tecniche antiche - fusione in cera e forgiatura in metallo su telaio in legno, hanno avuto l'idea di una nuova tecnica monumentale di fusione in bronzo: utilizzare un modello in legno composto da parti.

scuola cretese

scultore semi-mitico Dedalo

Alcuni dei reperti cretesi ci danno un'idea del concetto plastico, se non dello stesso Dedalo, allora dei primi scultori greci a lui ispirati. Le statue sono realizzate in pietra calcarea grezza, ma nella tecnica della lavorazione della pietra predomina angoli acuti e linee rette sono evidenti le tracce di un coltello e di una sega, strumenti specifici della scultura lignea. due torsi ( da Eleutherna e Aigiorgitika), ad esempio, raffigurano uomini con una complessa acconciatura di riccioli arricciati; questi torsi appartenevano probabilmente a figure sedute e massiccio, pesante , come le forme obese. Meglio conservata statua di donna seduta dal santuario di Prinia. Sulla testa di una donna c'è qualcosa come una corona o un kokoshnik, i suoi capelli sono intrecciati in tante trecce corte; è vestita con un peplo strettamente cinto, sul quale è gettato sulle spalle un corto mantello; l'immagine di una sfinge tra due file di coccarde è ricamata sul fondo della veste.

Appartiene allo stesso circolo cretese dei Daedalidi Figurina femminile di calcare Auxerre un.

È possibile che sia a Creta che si debbano cercare le fonti primarie di un altro tipo preferito di scultura arcaica di una figura in piedi di un giovane nudo. Uno dei più antichi esemplari di questo tipo è il Kriofor dell'Antiquarium di Berlino, una statuetta in bronzo di un giovane che tiene sulle spalle un ariete. La statuetta di "Kriofor" appartiene probabilmente all'inizio del VII secolo, poiché manca il motivo della gamba sinistra protesa in avanti, portato in Grecia dall'Egitto e divenuto obbligatorio per le statue nude del periodo arcaico. In generale, i resti delle tradizioni minoiche sono più pronunciati nella statuetta di "Kriofor" rispetto alle influenze orientali. Queste sopravvivenze minoiche includono, ad esempio, il grembiule, la vita strettamente legata con una cintura, e soprattutto il movimento delle braccia con i gomiti nettamente scostati. Ma, allo stesso tempo, "Cryophorus" è anche caratterizzato da tratti puramente greci che cercheremmo invano nella scultura egizia o minoica: l'interesse per la struttura del corpo umano, per le articolazioni, il desiderio di sentire le ossa nel gambe e nel petto.

Una delle prime sculture in marmo, trovata nel grande centro religioso dei greci Delos, la statua di Artemide, è piena di grande potere di influenza. L'immagine è semplice e allo stesso tempo monumentale e solenne. La simmetria appare in ogni cosa: i capelli sono divisi in quattro file di riccioli a sinistra ea destra, strettamente premuti sul corpo della mano. Con la massima concisione delle forme, il maestro ottiene l'impressione della calma imperiosità di una divinità.

Artemide di Delo, intorno al 650 a.C

Figurina femminile conosciuta come "Lady Auxer"

Circa 630 a.C. e.

Calcare

Altezza 75 cm

Identificazione e provenienza esatta di questa statuina, scoperto nel 1907 durante gli scavi dell'Aukser Museum, rimane un mistero. Tuttavia, lei è un grande esempio Stile "dedalico", in cui in VII secolo in Grecia iniziò a eseguire statue di pietra. viso a forma di U, capelli, nascosto in riccioli pesanti, l'orientamento rigorosamente frontale è caratteristico di questo stile, prende il nome dall'ingegnere Dedalo, a cui nell'antichità venivano attribuite le statue più antiche

Questa storia inizia diversi millenni fa, sull'orlo della verità e della finzione...

Mitologia

Quando l'amorevole Zeus si impossessò della figlia di Kay, Leto, la gelosa Hera, venuta a conoscenza della gravidanza di Leto, proibì a tutti gli esseri viventi di concederle ricovero per il parto. E solo sull'isola di Delos, vicino a un laghetto, Leto diede alla luce due gemelli: Artemide e Apollo. Da questo, Delos ha versato una luce dorata, i prati sono fioriti, i cigni hanno cominciato a cantare. Lo stesso Zeus osservò la nascita dei bambini dalla cima del monte Kythnos.

Secondo la leggenda, questa grande concentrazione poteri superiori, caricò Delos per sempre di energia positiva. Anticamente, il mito della nascita di divinità gemelle rendeva sacra l'isola e successivamente a nessun mortale era permesso partorire o morire qui. Totale mondo conosciuto a quel tempo onorava la santità e conosceva l'unicità di Delos. Qui furono costruiti: il santuario e l'altare di Apollo, il santuario e il tempio di Artemide, nonché il tempio di Letoon.

I greci rispettavano Delos più di ogni altro luogo e lo consideravano sacro.

Delos è un'isola unica, perché da nessuna parte al mondo esiste un luogo in cui l'intera isola sia utilizzata esclusivamente come sito archeologico: si tratta di reliquie monumentali dei periodi classico, arcaico ed ellenistico.
I santuari dell'isola collegavano gli Ioni, gli Ateniesi fecero di Delos il centro dell'unione navale attica, dopo le loro vittorie sui Persiani, il tesoro della marina fu custodito nel santuario di Apollo. Il tiranno Policrate dell'isola greca di Samo rese grandi onori a Delo, scegliendola come centro religioso del suo stato.

Delo divenne crescere da v in. AVANTI CRISTO. - iniziarono a essere costruite case e fattorie intorno ai santuari, e dopo la presa di Delos da parte dei Romani nel 166 a.C., l'isola era conosciuta come il luogo più ricco mondo antico. Ricchi mercanti, banchieri, gente famosa quella volta, si stabilì sull'isola. Hanno attratto a Delo un gran numero di costruttori, artigiani, scultori che costruirono per loro case lussuose, decorate con affreschi, pavimenti a mosaico e statue. La piccola isola divenne presto il più grande centro commerciale ed economico dei romani e del mondo intero.

Delos fu distrutta e devastata due volte: nell'88 d.C. re del Ponto Mithridad, che era in guerra con Roma, e Delos era una provincia romana e il più grande porto romano, e nel 69 d.C. Il pirata cilicio Atenodoro. Da allora l'isola è caduta in rovina ed è stata gradualmente abbandonata.

Da uno stretto molto piccolo, Delos è separata dall'isolotto di Rinia (Ρήνεια), dove, oltre ai templi e agli edifici della città, c'era la più grande necropoli. Qui le donne Dilos partorivano e seppellivano i morti, poiché era proibito partorire e seppellire sulla stessa Delo.

L'intera isola di Delos è un museo a cielo aperto:

• ecco la famosa "via dei Leoni" con nove leoni in marmo
• Santuario di Apollo
• Tempio di Artemide
• sala, Arcade di Antigene
• Agorà di Delo

Il Museo Archeologico di Delos è oggi considerato uno dei musei più importanti della Grecia.
Vale la pena sapere che il sito archeologico rimane chiuso il lunedì.

Il costo della visita al sito archeologico di Delos - 12 euro

Delos ora può essere definita disabitata, con solo circa 15 persone che vivono qui, oltre a lavoratori archeologici.

Delos ha splendide coste rocciose ed è oggi utilizzata come pascolo. Le baie sono adatte per l'ormeggio di yacht e barche da pesca, le spiagge sono adatte per il nuoto.

Puoi navigare a Delos sul tuo yacht o in barca dall'isola di Mykonos.

Delos e la vicina Rinia sono sotto la protezione del Ministero della Cultura, sull'isola è vietato l'alloggio per i turisti e l'arresto notturno delle navi.

Come raggiungere l'isola di Delo:

Delos si trova vicino all'isola di Mykonos (6 NM). Si esibiscono piccole barche voli regolari dal porto di Mykonos all'isola sacra.

Prezzo del biglietto Mykonos - Delos (andata e ritorno) - 20,00 €

Prezzo del biglietto per bambini dai 6 ai 12 anni - 10,00 €

Ingresso gratuito - bambini sotto i sei anni

I biglietti vengono venduti ogni giorno al porticciolo, vicino alla chiesa di Agios Nikolaos e sulla spiaggia della città di Mykonos

Martedì - Domenica: orario di partenza: 9:00 - 10:00 - 11:30 - 17:00
orario di ritorno: 12:15 - 13:30 - 15:00 - 20:00

porta telefono o. Mykonos +30 22890 22218

numero di telefono dei siti archeologici e del museo di Delos +30 22890 22259

Solo pochi chilometri quadrati nella zona.
La storia dell'isola è composta da due parti: mitologica e cronologica.
Secondo gli antichi miti greci, Delos è il luogo di nascita di due abitanti dell'Olimpo, tra cui Apollo, il dio della luce, che personificava il Sole e patrocinava le arti e le muse, il figlio di Zeus e la sua amata Leto.
L'estate arrivò a Delo contro la sua volontà, inseguita dalla gelosa moglie di Zeus, l'Eroe. Non raggiungendo Leto, Era si arrabbiò e le lanciò una maledizione, proibendole di calpestare un terreno solido (nella comprensione dei greci - la terraferma). E Delos era allora un'isola galleggiante, ed è stata trasportata sui mari. Dopo aver appreso della maledizione, Zeus ordinò al dio dell'elemento acqua Poseidone di creare un'isola in modo che Summer si rifugiasse su di essa e fosse sollevata dal fardello. Con un colpo di tridente, Poseidone sollevò l'isola sulla superficie del mare: da qui il suo nome - Delos (invisibile). Vicino al Lago Sacro, Leto diede alla luce Apollo e Artemide. Quando apparve Apollo, l'intera isola di Delos fu inondata da flussi di luce solare. Poi nacque sua sorella gemella Artemide, l'eternamente giovane dea della caccia e della fertilità, la patrona di tutta la vita sulla Terra, la dea della luna.
Anticamente l'isola aveva un nome diverso: Ortigia, la gente vi abitava dal III millennio a.C. e.
All'inizio del X sec. AVANTI CRISTO e. gli Ioni vennero da lui. L'isola ha attratto le persone con la sua bellezza e solitudine, ea partire dal VII secolo. AVANTI CRISTO e. si è trasformato in luogo di culto per le persone unite in un'unione di isole: l'anfizione di Delo, il cui centro era il tempio di Apollo che si ergeva sul pendio del monte Kinth.
Nel VI sec. AVANTI CRISTO e. il potere sull'isola apparteneva già agli Ateniesi. Hanno eseguito un complesso rituale di purificazione sacra dell'isola, trasformandola in un grande santuario. Nel 478 a.C. e., approfittando del fatto che il culto dell'isola si è diffuso ad altre isole del Mar Egeo, gli Ateniesi fanno un'abile mossa politica: creano l'unione marittima di Delo (o Primo Ateniese) sotto gli auspici degli dei a guardia l'isola, subordinando la maggioranza degli Ateniesi isole greche e guadagnando il dominio in mare.
Nel 315 a.C. e. l'isola di Delos fu conquistata dalla Macedonia. Gli invasori ebbero l'accortezza di concedere all'isola una parziale indipendenza, senza dimenticare di tassarla. Iniziò così un nuovo periodo di prosperità e prosperità.
Nel II sec. AVANTI CRISTO e. L'antica Grecia è sotto l'influenza di Roma. Dopo la vittoria di Roma sui Greci nella battaglia di Corinto nel 146 a.C. e. I romani conquistano Delo. Mantengono il culto degli dei sull'isola, e prospera ancora.
Il tramonto di Delo fu improvviso. Nell'89 a.C. e. iniziò la prima guerra mitridatica tra la Repubblica Romana e il regno del Ponto di Mitridate VI Eupatore (132-63 aC). Nell'87 a.C. e. Il comandante del Ponto Menofane catturò Delos, bruciò tutto ciò che bruciava, distrusse templi e case e uccise 20.000 abitanti o li vendette come schiavi. Questa era una vendetta per il sostegno di Delos a Roma.
Gli abitanti dell'isola tornarono in gruppi alle loro ceneri native, restaurarono case e luoghi di culto agli dei. Tutto si è rivelato vano: nel 69 a.C. e. I pirati dell'Egeo sbarcarono sull'isola e la saccheggiarono completamente. Nello stesso I sec. AVANTI CRISTO e. nuove rotte commerciali apparvero lungo il Mar Egeo e Delos perse il suo significato. Questa si è rivelata l'ultima goccia e l'isola è caduta in rovina.
Per volere degli dei o semplicemente per effetto dell'attività tettonica, l'isola di Delos finì proprio al centro del Mar Egeo, e chi la possedeva controllava le principali rotte marittime del Mediterraneo orientale.
Le rovine di numerosi edifici sull'isola di Delos confermano chiaramente il fatto che gli antichi greci non consideravano sacrilegio unire un santuario e uno scambio in un unico edificio.
Per duemila anni l'isola di Delo è rimasta pressoché disabitata, frequentata solo da contrabbandieri e antiquari in cerca di bottino. È stato utilizzato anche come cava, per molti secoli portando le pietre dagli edifici di Delo alle isole vicine.
Solo dal 1877 iniziarono scavi regolari sull'isola e gli archeologi francesi scoprirono un sito del tempio circondato da grandi stabilimenti commerciali e un'area residenziale, oltre a un gran numero di iscrizioni e monumenti di architettura e arte. Grazie agli sforzi di questi specialisti, oggi possiamo giudicare l'antico splendore di Delos.
La cosa più sorprendente è che la città più ricca a quel tempo di Delo, con il suo grande porto e il mercato degli schiavi, non aveva fortificazioni: era custodita solo dalla santità del luogo, fino a quando crebbe una generazione di coloro in cui questo luogo non suscitava più sacro timore.
La nave, avvicinandosi a Delo, si trovò in un porto che si estendeva per quasi un chilometro, con due fari, un “pettine” di frangiflutti e un lungo molo.
Solo intorno al santuario di Apollo c'era un muro, e anche allora non era alto. Vi conduceva dal porto un'ampia strada, con colonnati allineati su entrambi i lati. Ma erano di dimensioni inferiori al colonnato più maestoso, schierato con una facciata sul mare e costruito dal re macedone Filippo V (238-179 a.C.).
L'edificio principale del sito sacro è il Tempio di Apollo. A lato ci sono altri due templi, di dimensioni più piccole: il Tempio degli Ateniesi e il Tempio di Calcare. Sempre a lato si trova il santuario e il tempio di Artemide: come hanno scoperto gli archeologi, fu eretto sulla base di santuari ancora più antichi. A nord-est del tempio, altri cinque piccoli templi si trovano in un arco. Gli archeologi suggeriscono che si tratta di tesori in cui venivano conservate le offerte agli dei.
Ad est del Tempio di Apollo sorge un edificio molto singolare, chiamato Portico dei Tori. Questo edificio è più lungo di tutti gli altri, quasi 70 M. Si può solo intuire il suo scopo, ma probabilmente serviva per eseguire danze rituali: nelle tradizioni degli antichi greci era necessario invitare molti artisti per questo.
Non meno lungo sembra il colonnato a due ali costruito dal re macedone Antigono Gonat (319-239 aC).
Nel VI sec. AVANTI CRISTO e. gli abitanti dell'isola di Naxos donarono al santuario una colossale statua marmorea di Apollo. Un enorme piedistallo di questo monumento con un'iscrizione dedicatoria è sopravvissuto fino ad oggi, e accanto ad esso ci sono due grandi frammenti della statua stessa.
D'altra parte, sono state conservate diverse statue di leoni in marmo di Naxos, probabilmente anche un dono degli abitanti di Naxos. Delle nove statue, sei sono sopravvissute: cinque sono state ritrovate durante gli scavi e restituite ai piedistalli, la sesta è stata portata a Venezia nel XVII secolo. Le statue si allineavano a nord del santuario, formando la terrazza dei Leoni.
Nel II sec. AVANTI CRISTO e., nel periodo di massimo splendore del commercio, a Delos iniziarono a costruire l'agorà - fattorie commerciali, combinando un tempio, uno scambio e una locanda. Si tratta di edifici molto grandi e imponenti, a giudicare dalle fondazioni rinvenute di due di essi.
Tra il santuario e il porto fu costruita una basilica unica con 44 colonne. Sono stati trovati anche i resti di edifici obbligatori per l'antica città greca: uno stadio, una palestra (palestra), un anfiteatro.
I mercanti stranieri che visitavano costantemente Delos costruirono i loro templi sull'isola: l'antica dea egizia Iside, il santuario degli dei siriani, Kabirion, dedicato al culto misterioso degli dei samotraci.
Delos è inclusa nella lista del patrimonio mondiale dell'UNESCO.

Informazione Generale

Numeri

Clima e meteo

Economia

attrazioni

Culto

Rovine del Tempio di Hera (fine VI - inizio V secolo a.C.), Tempio degli Ateniesi (420 a.C.), Tempio di Apollo (fine V - inizio III secolo a.C.), Templi di Zeus Kinfiosa e Atena Kinthia (III secolo a.C.) , basilica (210 a.C. circa), il tempio di Artemide (II sec. a.C.), il santuario delle divinità siriache ed egizie (II sec. 128 a.C.).

architettonico

Le rovine della Strada dei Leoni (Terrazze dei Leoni, VII secolo a.C.), i portici di Naxos (VII secolo a.C.), il piedistallo scultoreo di Apollo (VI secolo d.C.), la fontana minoica (VI secolo a.C.) , il portico dei Tori (315 aC circa), il portico di Filippo V di Macedonia (200 aC circa), la Sala delle Colonne (metà III secolo aC). teatro (III sec. aC), portici dei Corni (metà III sec. aC), edifici residenziali (case del Tridente, dei Delfini, sul Colle, Dioniso e Maschere, III - inizio I sec. ), l'agorà di Teofrasto (Beirut poseidoniasti, fine del II secolo a.C.) e Italica (II secolo a.C.), edifici commerciali e centri commerciali (II secolo a.C.).

Altro

Pianura del Lago Sacro (prosciugato).

Fatti curiosi

"Artemide" dell'isola di Delos (VII secolo aC), portata in dono alla dea da una certa Nikandra (come risulta dall'iscrizione sulla statua), è un blocco di pietra pressoché indiviso con forme del corpo poco delineate. La testa è dritta, i capelli ricadono simmetricamente sulle spalle, le braccia sono abbassate lungo il corpo, i piedi sembrano attaccati meccanicamente alla massa bitorzoluta delle lunghe vesti. L'origine di una tale statua da un primitivo antico Xoan è fuori dubbio, e ciò che è nuovo qui è solo un certo desiderio per la corretta proporzionalità della figura umana.

Era di Samo. Marmo. Intorno al 560 a.C e. Parigi. Louvre.

Che in questo caso sia impossibile parlare solo dell'incapacità di ritrarre la figura umana o della mancanza di abilità, si vede chiaramente nell'esempio della statua di "Hera" dall'isola di Samos (prima metà del VI secolo a.C.), realizzato circa cento anni dopo il precedente. L'artista che ha creato questa statua è . vari tessuti molto ben trasmessi: abiti superiori pesanti e inferiori sottili, accuratamente raffigurati le pieghe, impostano senza dubbio correttamente le proporzioni di questa figura femminile. Tuttavia, la statua ricorda un tronco d'albero piuttosto che un corpo umano vivente; sembra più limitato e più morto della più convenzionale delle statue egiziane. Rispetto all'arte del periodo omerico, c'è, ovviamente, molto di nuovo qui, e soprattutto, la proporzione e il volume rigorosi e chiari della figura. Ma tale arte non pone ancora compiti veramente realistici: il compito dell'artista era creare una statua solenne e congelata, un oggetto di culto, un'immagine sacra e misteriosa di una divinità.

Nella statua della “Dea con melagrana” (VI sec. aC), a differenza della statua di “Hera”, si conserva una testa, priva di espressione viva, come tutta la statua. Ciò non fa che rendere più evidente la natura condizionale generale di questo tipo di scultura religiosa, molto simile all'arte simile dell'Antico Oriente. Ma le pieghe dei vestiti, le linee curve simmetriche che vanno dall'alto verso il basso, la generale raffinatezza della silhouette ei colori eleganti conferiscono alla statua, nonostante tutti i suoi manierismi, un peculiare senso di festa.

Lo spirito “orientale”, orientalizzante, si distingueva per le figure sedute dei regnanti (arconti), poste lungo la strada per antico tempio Apollo (Didymeion) vicino a Mileto (in Ionia). Queste statue schematiche, geometricamente semplificate, simili a blocchi di pietra con linee tracciate a secco di pieghe dei vestiti, furono realizzate molto tardi, a metà del VI secolo. AVANTI CRISTO. Le immagini dei sovrani (il nome di uno di loro - Khares - è conservato nell'iscrizione sulla statua) sono interpretate come solenni immagini di culto. Si può immaginare che tutta l'arte della Grecia sarebbe potuta diventare così se in essa non avesse vinto la progressiva tendenza umanistica e democratica dello sviluppo artistico.

Le statue realizzate dagli artisti di questa direzione conservatrice e condizionale erano spesso di dimensioni colossali, imitando anche in questo senso l'Antico Oriente. Tale era, ad esempio, la statua in bronzo non conservata di Apollo ad Amikla (VI secolo a.C.), nota da descrizioni e immagini su monete e che raggiungeva circa 13 m di altezza. A giudicare dalla descrizione di Pausania, questo Apollo sembrava una colonna di rame con la testa e le mani attaccate.

Sarebbe però del tutto sbagliato credere che una visione astratta del mondo dominasse la scultura arcaica e che prevalesse una solennità morta e condizionata. Insieme a tendenze estranee al realismo che ostacolavano lo sviluppo vivente dell'arte, c'erano tendenze nella scultura monumentale arcaica che erano più praticabili e più avanzate, e il futuro si è rivelato dietro di loro.

Particolarmente tipiche del periodo arcaico erano le statue erette e nude di eroi, o, più tardi, di guerrieri, i cosiddetti kouros.

Il tipo di kouros si sviluppò durante il VII e l'inizio del VI secolo. AVANTI CRISTO. originariamente, a quanto pare, nella penisola del Peloponneso. Il suo aspetto fu di grande importanza progressiva per l'ulteriore sviluppo della scultura greca. L'immagine stessa di un kuros - un eroe o guerriero forte e coraggioso - era associata allo sviluppo della coscienza civica di una persona; significava un grande passo avanti rispetto ai vecchi ideali artistici. Dapprima legate al culto degli eroi, queste statue di kuros del VI sec. AVANTI CRISTO. iniziarono ad essere associati a immagini ancora più vitali di guerrieri ideali: iniziarono a servire come lapidi per i guerrieri e furono poste in onore dei vincitori delle competizioni olimpiche e di altro tipo, che a loro volta cambiarono il loro significato originale di festeggiamenti in onore del defunto.

Questa nomina a eroe, insieme agli dei, anche di un uomo - atleta e guerriero - ha mostrato che l'arte greca arcaica, esaltando i cittadini migliori, più forti e più coraggiosi, ha iniziato a fissare i compiti dell'educazione sociale delle persone, affermando gli ideali etici avanzati del suo tempo. Sebbene non vi fosse alcun carattere individuale, ritratto e nessuna esperienza specifica nei kouros, sentivano chiaramente lo spirito generale di severa mascolinità e l'energia raccolta, che avvicinava la struttura di queste statue al contenuto ideologico della prima architettura dorica.

Lo sviluppo generale del tipo kouros va nella direzione di una sempre maggiore fedeltà alle proporzioni, superando elementi di semplificazione geometrica e schematismo, e allontanandosi dall'ornamento decorativo condizionato nell'interpretazione dei dettagli. Tuttavia, fino alla fine del VI sec. AVANTI CRISTO. la struttura frontale e immobile di queste statue è stata preservata, come se le spegnesse dallo spazio reale, dalla vita reale. Questa profonda contraddizione del tipo stesso di statua del kouros - tra il loro contenuto sociale e la tradizionale convenzionalità della forma - non poteva essere risolta dall'arte arcaica. Ciò ha richiesto cambiamenti e cambiamenti radicali nella coscienza umana che si sono verificati dopo le riforme di Clistene e la fine delle guerre greco-persiane. Le caratteristiche della prima interpretazione dorica del tipo kouros sono espresse molto chiaramente nel gruppo scultoreo di Polimede di Argo, dedicato agli eroi leggendari: Cleobis e Biton. Di questo gruppo è sopravvissuta solo una statua intera, l'altra è caduta in frammenti. Polimede, che operò ad Argo nel Peloponneso, è uno dei primi nomi storicamente attendibili di maestri dell'arte greca; visse nella prima metà del VI secolo. AVANTI CRISTO.

Per "Cleobis" (o Bpton, poiché non si sa quale di loro sia raffigurato nella statua superstite), la struttura del corpo umano è sottolineata in modo netto e piuttosto approssimativo; è impostato rigorosamente frontalmente e quasi simmetrico, tranne per il fatto che la sua gamba sinistra è tesa in avanti, raffigurando convenzionalmente il movimento della figura. In questa rappresentazione di un combattente oplita fisicamente sviluppato e ben preparato, le sue qualità spirituali (mascolinità, forza d'animo, determinazione, ecc.) sono mostrate nella forma più primitiva e indefinita.

Un altro esempio di statua primitiva di kouros è il kouros del Metropolitan Museum of Art di New York, più slanciato, ma non meno schematico nella forma (ciò vale soprattutto per l'esecuzione geometrizzata e ornamentale dei dettagli del testa).

Entro la metà del VI sec. AVANTI CRISTO. Kouros iniziò a diventare più vivo e umano, i muscoli del corpo iniziarono a modellarsi meglio, le proporzioni divennero più corrette. Il desiderio di dare espressività al volto della statua ha portato ad aggiungere lo schema del cosiddetto “sorriso arcaico”, molto spesso ripetuto nella scultura arcaica. Questo sorriso aveva un carattere del tutto convenzionale, ma comunque, a quanto pare, doveva esprimere lo stato di quella allegria e fiducia in se stessi che permeava l'intera struttura figurativa della statua. È vero, spesso questo "sorriso arcaico", eccessivamente enfatizzato e interpretato in modo ornamentale, conferisce al kouros un aspetto alquanto educato (come, ad esempio, nel cosiddetto "Apollo di Tenea", realizzato nella prima metà del VI secolo a.C.) .

121 un. Il cosiddetto Apollo Ptoios dal santuario di Apollo Ptoios vicino a Tebe. 6° sec. AVANTI CRISTO e. Marmo. Atene. Museo Nazionale.

Il cosiddetto "Apollo Ptoios" (dalla Beozia) è un buon esempio di kouros tardo arcaico. Una modellazione più accurata della forma, la nobiltà delle proporzioni e un vero senso della struttura del corpo umano conferiscono a questa statua una vitalità incomparabilmente maggiore; la sua austera semplicità è molto più in linea con l'immagine di un eroe che non l'esagerata forza fisica del precedente kouros. Lo schema tradizionale di una composizione frontale e fissa appare qui ancora più ingiustificato.

C'è un'indubbia vicinanza all'arte nelle statue di kuros e in altre opere di monumentale scultura arcaica. antico Egitto, che era noto in Grecia e poteva servire da esempio per gli artisti greci fino a quando i nuovi compiti ideologici della democrazia greca non superarono finalmente le tradizioni e le influenze dell'arte dell'Antico Oriente.

Le tendenze vincolanti della soluzione condizionale e astratta dell'immagine umana nell'arte greca arcaica si manifestavano particolarmente chiaramente in quelle opere scultoree in cui era necessario rappresentare il movimento.

Arherm. Statua di Nike volante dall'isola di Delos. Marmo. Prima metà del VI sec. AVANTI CRISTO e. Atene. Museo Nazionale.

Tali opere includevano una statua della dea della vittoria - Nike - dall'isola di Delos, realizzata nella prima metà del VI secolo. AVANTI CRISTO. Maestro ionico (Chios) Archerm. Questa statua si ergeva su un'alta colonna; la figura si stagliava contro il cielo ed era progettata per un solo punto di vista: davanti. Nike era raffigurata mentre volava; la statua è giunta fino a noi gravemente danneggiata, ma il suo aspetto originario si può intuire dal frammento superstite. Il movimento è stato rappresentato in modo completamente simbolico: la parte superiore del corpo è data di fronte, così come le ali curve e sollevate e le gambe piegate alle ginocchia - di profilo, senza alcun collegamento con il busto immobile. Riccioli ornamentali di capelli, un sorriso arcaico condizionale e una colorazione brillante hanno completato l'impressione decorativa ornata complessiva di questa statua. Tuttavia, né lo schema della "corsa in ginocchio" (come gli archeologi chiamavano questo metodo ingenuo di rappresentare il movimento), né la piattezza generale e il disegno dell'intera figura trasmettevano un movimento reale.

Più spesso che nella scultura rotonda, ma per la maggior parte, il movimento era anche convenzionalmente rappresentato nei rilievi arcaici del VII secolo. e la prima metà del VI sec. AVANTI CRISTO.

Medusa. Rilievo del frontone del Tempio di Artemide sull'isola di Corfù. Calcare. Intorno al 590 a.C e. Corfù. Museo.

Ad esempio, il rilievo sul frontone del Tempio di Artemide sull'isola di Corfù (prima metà del VI secolo aC) aveva un tale carattere, molto piatto e primitivo. Al centro di questo frontone c'era una grande figura della gorgone volante Medusa con due pantere posizionate simmetricamente ai suoi lati; agli angoli del frontone era raffigurata la battaglia di Zeus con il gigante e Gaia seduta. Così, questo frontone non era dedicato a un singolo evento, ma univa varie (e date, peraltro, su scale molto diverse) figure, collegate solo da un comune disegno decorativo. La "corsa in ginocchio" di Medusa raffigurava il suo volo nello stesso schema della "Nike" di Archerm.

Perseo uccide Medusa. Metope del Tempio C di Selinunte. VII-VI secolo AVANTI CRISTO e. Calcare. Palermo. Museo Nazionale.

Ci sono stati tentativi di superare il modo puramente esteriore, decorativo, di unire le figure e di mostrare la loro reciproca connessione attraverso l'unità di azione. Tali tentativi sono visibili nelle metope a rilievo di uno dei numerosi templi di Selinunte (isola di Sicilia), il cosiddetto tempio "C" (prima metà del VI secolo aC). Insieme ai rilievi realizzati in modo decorativo completamente piatto ("Il ratto d'Europa"), tra le metope di questo tempio ci sono quelli in cui le figure sono voluminose e le loro azioni hanno visibilità, sebbene espresse in modo molto ingenuo. Nel rilievo "Perseo che uccide Medusa", Perseo, ammonito da Atena, raggiunge la Medusa in fuga e le taglia la testa con una spada. Tuttavia, Perseo, Atena e Medusa, contrariamente ai requisiti naturali della situazione della trama, sono rivolti verso lo spettatore, solo le loro gambe sono di profilo (e la "corsa" di Medusa è rappresentata nel solito modo). I volti di tutte e tre le figure sono esattamente gli stessi. Sia in questa metope che nell'altra, dove è raffigurato Ercole che trasporta nani-cecrope, le figure sono disposte rigorosamente in verticale, le gambe e le braccia sono nettamente piegate ad angolo retto, come se ripetessero gli angoli della metope.

Questa ricezione condizionale dell'immagine del movimento è durata a lungo. Anche a metà del VI sec. AVANTI CRISTO. trova applicazione con straordinaria coerenza nella metope di uno dei tesori di Delfi, dove sono raffigurati i Dioscuri che rapiscono tori. Il monotono ripetersi di figure che si susseguono e gruppi altrettanto identici di tori che camminano “al passo” trasforma questo rilievo quasi in un motivo ornamentale che adorna una struttura architettonica.

Dalla seconda metà del VI sec. AVANTI CRISTO. nella scultura arcaica (anche in rilievo), le ricerche realistiche cominciarono ad apparire più chiaramente e distintamente. Contraddicevano chiaramente quegli schemi condizionali, decorativi e ornamentali, che erano così numerosi nel primo arcaico. Il loro aspetto testimoniava l'avvicinarsi di profondi cambiamenti nella vita pubblica e nella cultura artistica della Grecia.

La scuola attica divenne la più avanzata delle scuole d'arte greche del tardo arcaico. Atene, la città principale dell'Attica, già nel tardo periodo arcaico ricevette l'importanza del più grande centro artistico, dove accorrevano maestri da tutta la Grecia.

Le opere della scuola attica di questo periodo si distinguono per un profondo senso di plasticità e volume del corpo umano; i motivi del movimento nell'arte arcaica attica sono molto più reali che in dorico. I migliori e più avanzati scultori della Ionia trovarono applicazione per le loro ricerche ad Atene, e non nella loro patria. La combinazione delle conquiste delle scuole doriche e ioniche basate sullo sviluppo della tradizione attica locale è un tratto caratteristico dell'arte dell'Attica.

Atene era libera dallo sviluppo unilaterale di altre politiche, prevalentemente agricole o prevalentemente commerciali, e il processo di formazione di una politica di proprietà degli schiavi ebbe luogo qui nella forma più coerente e organica. Di particolare importanza qui era il demos, che già molto presto era diventato un formidabile nemico per l'aristocrazia. Nella storia di Atene, tutti i tratti caratteristici della democrazia schiavista della polis e della sua cultura sono stati espressi in modo più completo.

Pertanto, alla fine del VI sec. AVANTI CRISTO. l'arte dell'attica diventa la più progressiva; sulla base delle sue ricerche realistiche si formano i presupposti più fruttuosi per il passaggio all'arte dei classici.

C'è una grande differenza tra la scultura attica della prima metà del VI sec. AVANTI CRISTO. e la scultura della seconda metà del secolo testimonia il rapido sviluppo dell'arte di Atene nel periodo arcaico. Rinvenuti sull'Acropoli ateniese, frammenti del frontone del primo tempio di Atena (Hekatompedon), costruito nella prima metà del secolo, parlano della natura ancora molto convenzionale e primitiva della scultura attica di quel tempo. Questi frammenti, relativi alla scena della battaglia tra Zeus e il fantastico mostro a tre teste Tifone, sono interessanti, in particolare, perché la colorazione è molto ben conservata su di essi. L'artista arcaico non era imbarazzato dalla barba blu brillante di Tifone e dal colore rosso del suo viso, o dalla combinazione di capelli verdi, gialli e rossi che coprivano l'enorme coda di serpente del mostro (a proposito, riempiva molto bene l'angolo inferiore del triangolo del frontone).

Nella seconda metà del VI sec. AVANTI CRISTO. i tratti più significativi della scuola attica cominciarono ad emergere in maniera abbastanza chiara. A questo punto, la vita artistica di Atene era diventata molto intensa, il che si spiegava con l'ascesa del potere economico e della cultura dell'Attica.

Una delle composizioni del frontone del secondo Hekatompedon ad Atene, che fu ricostruita dal vecchio, Pisistrato, intorno al 530 a.C., raffigurava la battaglia degli dei con i giganti e differiva nettamente dalla decorazione scultorea del tempio precedente. In esso, l'intaglio planare è stato finalmente sostituito da un'immagine plastica e tridimensionale delle figure dei personaggi. L'attenzione principale del maestro è stata attratta dall'espressività dei movimenti dei corpi in lotta. Il contrasto tra il carattere ornamentale della precedente scultura attica e le caratteristiche vitalmente concrete di queste nuove opere scultoree attiche ha qui trovato la sua vivida espressione.

Tra i frammenti delle sculture frontonali del secondo Hekatompedon, il gruppo raffigurante Atena, che immerge a terra il gigante Enkeladus, è particolarmente espressivo. Il dispiegamento di figure su un piano, in qualche modo artificiale e deliberato, così come l'interpretazione ornamentale dei capelli di Atena, ci ricorda che questa scultura non ha ancora infranto la struttura dell'arte arcaica. Ma di fronte ad Atena c'è già una proporzione e una spiritualità così chiare che l'arte greca non conosceva prima.

Testa di Atena dal frontone del secondo Hekatompedon del gruppo raffigurante la lotta di Atena con il gigante. Marmo. Seconda metà del VI sec. AVANTI CRISTO e. Atene. Museo dell'Acropoli.

Moschophoros (un uomo che porta un vitello) dall'Acropoli di Atene. Marmo. Intorno al 570 a.C e. Atene. Museo dell'Acropoli.

Una delle più alte conquiste dell'arte arcaica di Atene alla fine del VI secolo. AVANTI CRISTO. sono state rinvenute sull'Acropoli bellissime statue di fanciulle (kor) in abiti eleganti. Queste statue furono create non solo dagli artisti di Atene, ma anche da scultori ionici in visita che si unirono al lavoro comune per decorare la città cresciuta e prospera. Tra questi, la "Ragazza in Peplos" e celebre statua ragazze, solitamente chiamate semplicemente "Kora dall'Acropoli".

Ragazza in peplo. Frammento. Marmo. 540-530 d.C AVANTI CRISTO e. Atene. Museo dell'Acropoli.

Una corteccia dall'Acropoli di Atene. Marmo. Fine VI sec. AVANTI CRISTO e. Atene. Museo dell'Acropoli.

Nel primo, il viso è particolarmente buono, ravvivato da un sorriso limpido, come se fosse leggermente sorpreso. Il secondo, che ha ben conservato il colorito originario, si distingue per la fedeltà e l'armonia delle proporzioni, la sottigliezza e la grazia di un volto sorridente, seppur immobile. La tradizionale frontalità e rigidità della posa si combinano qui con una trasmissione vitale e veritiera dell'intero aspetto della ragazza. Pieghe accuratamente rifinite di vestiti e ciocche di capelli, come se scorressero e corressero in un ritmo misurato e allo stesso tempo vario, conferiscono a questa statua una struttura festosa e gioiosa, insolitamente affermativa della vita. Tra tutte le opere scultoree che ci sono pervenute dal periodo arcaico, queste kora dell'Acropoli recano la più prefigurazione dell'arte classica. Allo stesso tempo, sembrano riassumere i risultati dello sviluppo del linguaggio artistico dell'arcaico. Lo schematismo ingenuo dell'arte della Grecia omerica era molto indietro, ma la libertà plastica dell'arte dei classici era ancora irraggiungibile. L'idea del valore di una persona si è rivelata in gran parte indirettamente - nel carattere festoso dell'insieme, nella graziosa sagoma della figura piena di un sentimento acuto.

Sono presenti anche elementi viventi in immagini in rilievo su lapidi o stele attiche risalenti alla fine del VI e all'inizio del V secolo. AVANTI CRISTO. Quindi la stele di Aristion dà un'immagine severa e calma di un cittadino-guerriero. Aristion è raffigurato di profilo, con una lancia in mano. Il rilievo è molto piatto, ma un sottile senso della correlazione dei piani e un'indubbia conoscenza della struttura del corpo umano hanno permesso al maestro di raggiungere una materialità e una tridimensionalità dell'immagine abbastanza chiare.

I maestri avanzati del tardo arcaico in molte altre città-stato della Grecia seguirono generalmente un percorso vicino alle conquiste della scuola attica e, forse, a volte sotto l'influenza diretta dell'arte di Atene. Così molto vicino ai principi della scuola attica fu trovato in Beozia ed eseguito alla fine del VI o all'inizio del V secolo. AVANTI CRISTO. Alxenor, scultore con p. Naxos, lapide raffigurante un uomo avvolto in un lungo mantello (himation), in piedi a gambe incrociate e appoggiato a un bastone; un cane gli salta ai piedi, cercando di attirare l'attenzione del padrone. La sensazione di spiritualità e l'espressività vitale del movimento umano avvicinano questa cosa all'arte dei primi classici. Ma allo stesso tempo, qualche schematismo nella modellazione della forma e imprecisioni nel trasferimento della prospettiva, così come la collisione di una nuova comprensione realistica della composizione con la convenzionalità nell'interpretazione della forma, indicano che la linea che separa l'arte arcaica da quella classica l'arte non è stata ancora attraversata.

Hermes e le Cariti. Frammento di rilievo dell'isola di Taso. Marmo. 470-460 d.C AVANTI CRISTO e. Parigi. Louvre.

Fino a che punto il vivace sviluppo dell'arte attica alla fine del VI sec. AVANTI CRISTO. mostra chiaramente il bellissimo rilievo di "Hermes and the Charites", con tutti i suoi tratti arcaici chiaramente percepiti, pieni di movimento e sentimento insolitamente naturali e veritieri.

Sotto l'indubbia influenza dell'arte attica, nelle città del Peloponneso settentrionale sorsero esperimenti con un'interpretazione più vivace delle tradizionali statue del kouros. Conservando tutta la monumentale severità e frontalità della statua e allo stesso tempo cercando di darle un po' di movimento, questi maestri peloponnesiaci iniziarono a mettere da parte e piegare una gamba del kouros, piegare il braccio all'altezza del gomito e utilizzare altre tecniche simili che davano la figura tranquillamente in piedi un po' di animazione. Un'idea di queste ricerche è data da una statua in bronzo di un giovane, realizzata intorno al 500 a.C., il cosiddetto "Apollo da Piombino", riproducente una statua perduta dello scultore Kanah, relativamente ancora di poco diversa dalla vecchio tipo di kouros e allo stesso tempo commovente con la sua innegabile veridicità vivente. Come nella "Acropoli kora", siamo qui alle soglie dell'arte classica.

L'arte dei classici greci (Inizio del V - metà del IV secolo a.C.)

Dai primi decenni del V sec. AVANTI CRISTO. iniziò il periodo classico di sviluppo della cultura greca e dell'arte greca. Per l'antica Grecia, questo fu il periodo di massima fioritura del dramma, dell'eloquenza politica, dell'architettura, della scultura, della pittura monumentale e della pittura vascolare. Altamente perfetta, costantemente realistica e piena di un profondo senso di bellezza, l'arte dei classici greci ha determinato una nuova e più importante tappa nello sviluppo di tutta l'arte mondiale.

L'arte dei classici è l'arte della città-stato greca del fiorente periodo del suo sviluppo, associata alla vittoria della democrazia ad Atene e ad altre politiche greche. Riforme di Clistene alla fine del VI secolo. AVANTI CRISTO. approvato ad Atene la vittoria finale del demos sull'aristocrazia - Eupatrides; come risultato di queste riforme, il potere dell'aristocrazia fu spezzato e furono gettate le basi per il rapido e luminoso sviluppo della democrazia ateniese proprietaria di schiavi.

All'inizio del V sec. AVANTI CRISTO. C'erano due città-stato dell'antica Grecia più opposte nel loro modo: Atene e Sparta. Ad Atene, i principi della democrazia schiavista, basata principalmente sul fiorire dell'artigianato e del commercio marittimo, si espressero nel modo più completo. Nell'agricoltura, arretrata a modo suo sviluppo della comunità Sparta, la politica militarmente più forte in Grecia, sviluppò un sistema politico conservatore-aristocratico che garantiva il dominio di un gruppo affiatato di guerrieri schiavisti - gli Spartani - sulla massa di schiavi agricoli privati ​​del diritto di voto - gli iloti.

Attica (Antica Grecia).

La rivalità e la lotta di Atene e Sparta determinarono il percorso futuro sviluppo storico Grecia. Ma per la storia dell'arte Sparta è rimasta del tutto infruttuosa, non nominando un solo artista tra i ranghi dei maestri che hanno creato l'arte dei classici greci.

Nel primo quarto del V sec. AVANTI CRISTO. La Grecia fu invasa dalle orde dello stato persiano. La vittoria delle milizie popolari delle politiche unite, che difesero la loro indipendenza dal formidabile conquistatore, accelerò notevolmente la crescita della coscienza pubblica degli Elleni. Questa è stata la vittoria della democrazia libera e consapevole sul dispotismo orientale. Milziade - il capo degli Ateniesi e dei loro alleati nella battaglia di Maratona (490 a.C.) - espresse perfettamente nel suo discorso prima della battaglia lo spirito morale di cui era intriso ogni ateniese, sottolineando che dipende solo da loro "o indossa Atene il giogo della schiavitù, o per rafforzare la libertà. Le vittorie decisive sui persiani - in mare a Salamina (480) ea terra, a Platea (479) - rafforzarono la consapevolezza della forza e del significato della società greca, contribuirono a stabilire i principi di base della sua visione del mondo e della sua cultura. Allo stesso tempo, la vittoria sui persiani favorì l'ulteriore fioritura economica delle politiche, in particolare di Atene.

Il centro per lo sviluppo della cultura ellenica classica era principalmente l'Attica, il Peloponneso settentrionale, le isole del Mar Egeo e in parte le colonie greche in Sicilia e nell'Italia meridionale, la cosiddetta Grande Grecia. Le città dell'Asia Minore (Mileto e altre), sebbene si fossero riprese dalla sconfitta inflitta dai Persiani, non poterono più svolgere il ruolo di primo piano economico e vita culturale Grecia.

Durante le guerre greco-persiane iniziò il primo periodo di sviluppo dell'arte classica: i primi classici, che durarono circa quattro decenni (490-450 a.C.). Gli artisti di quel tempo trovarono nuovi mezzi artistici per creare un'arte monumentale che incarnasse nelle sue immagini gli ideali etici ed estetici della vittoriosa democrazia proprietaria di schiavi. L'immagine di una persona in tutta la ricchezza e la libertà delle sue azioni, la ricerca di immagini tipiche generalizzate, la costruzione di una composizione di gruppo realistica, una nuova comprensione della sintesi tra scultura e architettura, un appello decisivo a scene della vita quotidiana reale (specialmente nella pittura vascolare) divennero le caratteristiche principali e più importanti di questo periodo nello sviluppo dell'arte greca classica. Nel secondo quarto del V sec. AVANTI CRISTO. (cioè nel 475-450 a.C.), le tradizioni arcaiche che ostacolavano lo sviluppo dell'arte realistica (nella scultura e nella pittura) furono finalmente superate, ei principi dei classici ricevettero la loro piena espressione nelle opere di maestri come l'ignoto autori dei frontoni olimpici e soprattutto il famoso scultore ateniese Mirone. Myron, il più anziano tra i grandi maestri dei classici, completò il periodo delle ricerche creative dei primi classici, preparando l'arte greca per un'ascesa ancora maggiore negli anni successivi - ai classici maturi, o alti.

Il tempo della massima fioritura dell'antica arte greca - nell '"era di Pericle" - durò all'incirca gli stessi quattro decenni - dal 450 al 410 a.C. Le creazioni artistiche dell'alto periodo classico si distinguevano per l'eroica maestà, la monumentalità e l'armonia delle immagini umane e allo stesso tempo per la facilità, la naturalezza e la semplicità della vita. In questi anni hanno lavorato i grandi maestri dell'arte greca: gli scultori Fidia e Poliklet, gli architetti Iktin e Kallikrat. Le opere di questo periodo nel campo dell'architettura, della scultura, della pittura vascolare e della pittura monumentale sono eccellenti esempi del fascino artistico che l'arte può raggiungere, ispirata dalla fede nella perfezione dell'uomo, incarnando le aspirazioni sociali avanzate della sua epoca e fedele a i principi del realismo.

Alla fine del V sec. AVANTI CRISTO. il crescente utilizzo del lavoro schiavo iniziò a influire negativamente sulla prosperità del lavoro libero, provocando il graduale impoverimento dei normali cittadini liberi. La divisione della Grecia in politiche indipendenti e concorrenti iniziò a rallentare l'ulteriore sviluppo della società degli schiavi. Le lunghe e difficili guerre del Peloponneso (431 - 404 aC) tra le due alleanze di città, guidate da Atene e Sparta, accelerarono la crisi economica e politica delle politiche. L'arte dei classici verso la fine del V - inizio IV secolo. AVANTI CRISTO. è entrato nella sua ultima, terza fase di sviluppo.

Durante questo periodo dei tardi classici, l'arte si sviluppò nelle condizioni della crisi della politica di proprietà degli schiavi greca. In una certa misura, ha perso il suo carattere eroico, civico, la chiara armonia delle sue immagini monumentali. Allo stesso tempo, nell'arte dei grandi maestri dei tardi classici, sono stati sviluppati nuovi compiti per rivelare nelle immagini del mondo dell'arte le esperienze interiori di una persona o l'attività umana tempestosa e irrequieta. La loro arte è diventata più drammatica e lirica, più psicologicamente profonda.

Conquista macedone nella seconda metà del IV sec. AVANTI CRISTO. porre fine all'esistenza indipendente delle città-stato greche. Non ha distrutto le tradizioni dei classici greci, ma in generale, da quel momento, lo sviluppo dell'arte ha preso altre strade.

L'arte dei primi classici (La cosiddetta "calma rigorosa" 490 - 450 a.C.)

L'era eroica delle guerre greco-persiane e gli anni immediatamente successivi furono un periodo di rapida crescita delle politiche di proprietà degli schiavi. Nella lotta contro i persiani, hanno dimostrato la loro vitalità e forza, e successivamente sono entrati nel tempo del loro potere più alto. Un periodo di vasta costruzione di pubblico strutture architettoniche, la creazione di sculture e affreschi monumentali, che affermavano la forza e il significato delle città-stato greche, la dignità, la grandezza e la bellezza dell'uomo. C'è stata una svolta decisiva nello sviluppo dell'arte.

Per qualche tempo tratti di arcaica convenzionalità si fecero ancora sentire sia nella pittura vascolare che soprattutto nella scultura. Ma questi erano ormai solo i resti di una tradizione arcaica, che svaniva rapidamente nel passato. Tutta l'arte greca del primo terzo del V sec. AVANTI CRISTO. era permeato da un'intensa ricerca di metodi di rappresentazione realistica di una persona, prima di tutto la trasmissione veritiera del movimento, nonché la creazione di una composizione di gruppo naturale libera dai principi della simmetria decorativa. Nella pittura vascolare, e poi nella scultura e nella pittura monumentale, ha vinto il realismo. La gamma di temi e trame si è decisamente ampliata. La sintesi di scultura e architettura cominciò ad essere intesa come libera comunità e complementarietà di arti uguali e intrinsecamente preziose.

La natura monumentale e pubblica dell'architettura dei classici greci, la sua stretta connessione con la vita di un collettivo di liberi cittadini, con i culti statali degli dei, personificando l'unità della politica, trovarono la loro vivida e forte espressione già nel periodo dei primi classici.

Il ruolo principale in questo momento era svolto dall'ordine dorico. Le caratteristiche avanzate dell'architettura greca del precedente periodo arcaico sono state ora ampiamente e liberamente sviluppate. Profonda corrispondenza dell'intera struttura figurativa dell'ordine dorico allo spirito dell'eroismo civile del V secolo. AVANTI CRISTO. soprattutto ha contribuito a rivelare tutte le possibilità artistiche insite in esso.

Il perittero divenne il tipo di edificio dominante nell'architettura monumentale greca. Il tipo classico di peripter e l'intero sistema delle sue proporzioni sono stati sviluppati durante questi anni.

In termini di proporzioni, i templi sono diventati meno allungati, più solidi, hanno superato la sproporzione e la pesantezza delle proporzioni architettoniche arcaiche. Nei grandi templi, l'interno - naos - era solitamente diviso in tre parti da due file longitudinali di colonne. Nei tempietti gli architetti rinunciarono alle colonne interne che sostenevano il tetto del naos. È scomparso l'uso di colonnati con un numero dispari di colonne sulle facciate terminali, che interferivano con l'ubicazione dell'ingresso al tempio al centro della facciata. Il rapporto usuale tra il numero di colonne delle facciate anteriore e laterale era di 6 a 13 o di 8 a 17; il numero di colonne sul lato era pari al doppio del numero di colonne sulla facciata di fondo più una colonna.

Pianta del Tempio di Poseidone a Paestum.

Nelle profondità della parte centrale del naos, incorniciata da colonnati interni, proprio di fronte all'ingresso, si trovava una statua di una divinità. La disposizione del tempio ha ricevuto un'armonia logicamente chiara e una solennità monumentale. Un sistema di disposizione e correlazione rigorosamente studiato di tutti gli elementi della costruzione del tempio ha portato alla creazione di un'immagine maestosa, chiara e semplice.

Gli architetti dei primi classici sentivano sottilmente la connessione tra il sistema di proporzioni delle forme architettoniche e la scala assoluta dell'edificio e le sue dimensioni relative alla persona e al paesaggio circostante. Lo sviluppo di un sistema permanente di parti d'ordine e della loro forma è avvenuto contemporaneamente a una costruzione sempre più libera e diversificata dei loro rapporti proporzionali. Piccoli cambiamenti nelle proporzioni hanno causato corrispondenti cambiamenti nell'equilibrio delle parti portate e portanti. Modificando il rapporto delle proporzioni di tutte le parti dell'edificio, gli architetti hanno modificato l'intero carattere della sua espressività figurativa. Pertanto, ogni tempio del periodo classico combinava i principi di una soluzione canonica elaborata da secoli di esperienza con momenti specifici di questo particolare tempio. Ciò gli conferiva un'identità individuale e ne faceva un'opera d'arte unica, risolvendo anche il problema di rapportare il tempio all'ambiente e determinandone il carattere stesso, a volte possente e maestoso, a volte leggero e aggraziato.

Questa caratteristica dell'architettura greca è caratteristica dell'intero sistema dell'antica coscienza artistica greca. Così, ad esempio, la tragedia greca si è sviluppata anche nelle forme tradizionali e rigorose dei canoni teatrali. Allo stesso tempo, con lo stesso drammaturgo, ad esempio Eschilo o Sofocle, in ogni dramma, secondo la natura del conflitto rappresentato e con la struttura figurativa di questo dramma, il rapporto tra prologo, epilogo, parti corali, la costruzione del discorso poetico dei personaggi principali, ecc., è cambiata in modo significativo.

Un monumento di transizione dal tardo arcaico ai primi classici fu costruito intorno al 490 a.C. Tempio di Atena Aphaia sull'isola di Egina. Le sue dimensioni sono piccole. Il rapporto tra le colonne è di 6 a 12. Le colonne sono snelle in proporzione, ma la trabeazione è ancora proibitivamente pesante. Il tempio era costruito in pietra calcarea e ricoperto di intonaco dipinto. I frontoni erano decorati con gruppi scultorei in marmo (ora situati nella Gliptoteca di Monaco). La posizione del tempio sulla sommità di un alto pendio costiero mostra bene come gli architetti greci siano stati in grado di collegare la rigida architettura dorica con lo spazio naturale circostante.

Anche il tempio "E" di Selinunte (Sicilia) ebbe carattere transitorio. Differiva dal tempio dell'isola di Egina per le sue proporzioni eccessivamente allungate (il rapporto tra le colonne è di 6 a 15). Le sue colonne sono tozze e spesso disposte; la trabeazione è molto alta, la sua altezza è quasi pari alla metà dell'altezza della colonna. In generale, con il suo potere pesante, ricorda i templi del VI secolo. aC, sebbene l'elaborazione dei dettagli, la divisione delle forme si distinguano già per maggiore chiarezza e rigore di esecuzione.

Le caratteristiche tipiche più complete dell'architettura dei primi classici erano incarnate nel tempio di Poseidone a Paestum (Grande Grecia) e nel tempio di Zeus ad Olimpia (Peloponneso).

Tempio di Poseidone a Paestum (Italia meridionale). Secondo quarto del V sec. AVANTI CRISTO e.

Tempio di Poseidone a Paestum. Vista interna.

Tempio di Poseidone a Paestum, costruito nel secondo quarto del V sec. aC, ben conservato. Pieno di rigorosa imponenza, potente e alquanto pesante, si erge su una base a tre stadi. Lo stilobate basso, i gradini bassi ma larghi sottolineano l'impressione di una forza calma ed equilibrata. Le colonne (rapporto 6 a 14; vedi disegno con la pianta del tempio di Poseidone a Paestum) sono relativamente massicce; una forte entasi crea una sensazione di tensione elastica della colonna, come se con uno sforzo si sollevasse il soffitto. L'intero colonnato si protende sullo sfondo di uno spazio ombreggiato; profonde ombre orizzontali da pallottoliere molto sporgenti cadono sulle colonne, sottolineando la linea di collisione delle parti portanti e portanti. Tutti gli elementi principali della composizione architettonica sono espressi in modo nitido, i dettagli architettonici rivelano solo le principali relazioni del sistema architettonico, e questo aumenta anche l'impressione di potere concentrato.

Il tempio è stato progettato per la percezione da diverse distanze. Da lontano, il tempio con le sue colonne relativamente basse sembra un po' più piccolo che in realtà, e allo stesso tempo molto compatto e austero nella forma. Da vicino, le grandi dimensioni delle colonne rispetto a una persona diventano chiare e le dimensioni complessive del tempio sono tangibili; i dettagli (comprese le scanalature più frequenti del solito), diventando chiaramente visibili, mettono in risalto le proporzioni massicce e le dimensioni dell'edificio. Il contrasto di impressioni da punti di vista lontani e vicini contribuisce alla crescita man mano che si avvicina la sensazione di forza e imponenza dell'intera struttura. Questo metodo di confrontare diversi punti di vista è estremamente caratteristico dei principi dell'architettura classica. L'architetto greco dell'era classica ha sempre cercato di creare un'immagine architettonica orientata alla percezione umana, tenendo conto e organizzando il modo in cui lo spettatore si muove.

Tempio di Zeus ad Olimpia, costruito tra il 468 e il 456 a.C AVANTI CRISTO. architetto Libon, aveva valore di santuario panellenico ed era il tempio più grande di tutto il Poloponneso. Il tempio è quasi completamente distrutto, ma sulla base di scavi e descrizioni di autori antichi, il suo aspetto generale può essere ricostruito abbastanza accuratamente.

Era un classico periptero dorico (rapporto tra le colonne 6 e 13), costruito in calcare duro (roccia conchiglia), che permetteva di ottenere un'accuratezza e una purezza dei dettagli quasi inseguite. Le proporzioni del tempio si distinguevano per rigore e chiarezza. La loro severità era addolcita da un colorito festoso. Il tempio era decorato con grandi gruppi scultorei sui frontoni. Le metope del fregio esterno, come nella maggior parte dei templi dei primi classici, erano prive di decorazioni scultoree. 3a il colonnato esterno al di sopra dei portici del pronao e dell'opistodomo, sulle metope del fregio triglifo sono state collocate composizioni scultoree, sei per ogni fregio. Le trame di questi rilievi erano strettamente connesse con lo scopo pubblico del tempio, che era il centro di un vasto complesso architettonico Olympia - il centro sacro degli sport panellenici. Sui frontoni erano raffigurate la leggendaria corsa dei carri di Pelope ed Enomai e la battaglia dei Greci (Lapiti) con i centauri, sulle metope - le gesta di Ercole. All'interno del tempio dalla metà del V secolo. AVANTI CRISTO. c'era una statua di Zeus di Fidia, d'oro e d'avorio.

Così, nel tempio di Zeus ad Olimpia, è già stata incarnata la sintesi di architettura e scultura, caratteristica della Grecia classica, di cui si parlerà in dettaglio più avanti, descrivendo il Partenone, e furono finalmente approvati i principi dei classici dell'architettura.

Una parte molto importante dell'arte greca nel periodo classico era la pittura vascolare, in cui il realismo dei classici era la tua vivida espressione.

Il periodo di massimo splendore della città-stato fu anche il periodo di massimo splendore dell'artigianato artistico di vari tipi di arti applicate e decorative. La ceramica decorata con dipinti altamente artistici ha continuato a mantenere il posto di primo piano tra di loro.

La pittura vascolare era intrisa delle tradizioni dell'arte popolare con il suo senso del valore artistico di ogni cosa creata dal lavoro creativo di una persona. Sebbene i migliori vasi realizzati dai maggiori e più importanti artisti, per la maggior parte, fossero destinati a offerte di culto o servissero per decorare le feste festive, fu comunque un legame vivo e costante con l'arte popolare dei maestri ceramisti e dei maestri disegnatori che determinò la loro alta perfezione artistica.

Nel periodo dei primi classici, le tendenze realistiche dei pittori vascolare avanzati del periodo tardo arcaico si svilupparono rapidamente e profondamente, diventando dominanti durante gli anni delle guerre greco-persiane. La tecnica a figure rosse a quel tempo soppiantò completamente la tecnica a figure nere. Ha permesso di rappresentare realisticamente volume e movimento, costruire qualsiasi angolo, modellare in modo naturale e libero il corpo umano.

La visione artistica del mondo dei classici, basata su un profondo interesse per la vita circostante e per la persona reale, ha rapidamente ampliato la gamma di possibilità di un'immagine realistica, conclusa nella tecnica a figure rosse. Al posto della sagoma planare della pittura vascolare a figure nere, gli artisti iniziarono a costruire corpi tridimensionali, ripresi nelle svolte e negli scorci più diversi e vivaci. Questa trasmissione libera e convincente del movimento, lontana dal gioco convenzionale di macchie nere e linee graffiate su lacca nera, era completata dalla naturalezza ancora maggiore del colore rossastro dell'argilla, che ora veniva utilizzato per raffigurare figure umane, poiché era incomparabilmente più vicino all'idea di un corpo nudo abbronzato che laccato nero lucido. Le linee nere del disegno su uno sfondo chiaro di argilla ora trasmettono i muscoli ei dettagli del corpo, consentendo di riprodurre realisticamente la struttura del corpo umano e il suo movimento. Ciò ha dato un forte impulso allo sviluppo dell'arte del disegno.

I maestri della pittura vascolare a figure rosse hanno cercato non solo di rappresentare concretamente il corpo e il movimento di una persona, ma sono giunti a una nuova comprensione realistica della composizione, disegnando costantemente scene complesse di contenuto mitologico e quotidiano. Per certi aspetti, lo sviluppo della pittura vascolare superò quello della scultura. Ci sono molte scoperte realistiche nella pittura vascolare, simili alle scoperte della scultura nel secondo quarto del V secolo. aC, apparso già in l'anno scorso 6° sec. e nei primi decenni del V sec. aC, cioè nel periodo successivo alle riforme di Clistene e durante gli anni della guerra.

La composizione della pittura vascolare dei primi classici divenne sempre più completa e integrale, era naturalmente limitata dalla superficie interna di una ciotola piatta o dalla superficie laterale tra le anse del vaso. Nei limiti della superficie del vaso riservata alla composizione, i pittori di vasi con eccezionale libertà e osservazione hanno trasmesso le scene più diverse della vita quotidiana, nonché gli eventi eroici dei miti e dell'epopea omerica. Le trame mitiche tradizionali sono state ripensate, sature di nuovi motivi tratti dalla vita.

I maestri più importanti della pittura vascolare di questo periodo furono Eufronio, Duris e Briga, che lavorarono ad Atene. Tutti erano caratterizzati dal desiderio di naturalezza dell'immagine. Ma il grado di novità, cioè la liberazione dalla convenzionalità arcaica e la conquista della libertà realistica, non era lo stesso per loro.

Più di altri, il più anziano di questi maestri, Eufronio, era associato a modelli e ornamenti arcaici (attivo alla fine del VI secolo aC; in seguito divenne proprietario di un laboratorio dove lavoravano altri disegnatori).

Eufronio. Teseo ad Anfitrite. Dipinto di una kylix. Circa 500-490 anni. AVANTI CRISTO e. Parigi. Louvre.

Nei vasi dipinti da Eufronio, con l'immagine di Teseo ad Anfitrite o etere che giocano a kottab, il desiderio di scorci e movimenti troppo liberi e complessi, in assenza di un metodo di disegno realistico ancora sviluppato, portava alla piattezza condizionale di alcuni dettagli; Eufronio occupa anche molto spazio con elementi puramente decorativi: motivi sui vestiti, ecc.

Successivamente, nel primo quarto del V sec. AVANTI CRISTO. i maestri hanno imparato a trovare mezzi artistici per rappresentare il movimento che potessero, senza distruggere l'integrità della superficie del vaso, dare una sensazione di spazialità tridimensionale dell'immagine, e questo ha portato al superamento finale del principio arcaico di piattezza di l'immagine. È vero, la pittura vascolare per tutto il V sec. AVANTI CRISTO. operò principalmente con mezzi grafici di rappresentazione, senza perseguire compiti pittorici propri (ad esempio, la trasmissione della luce e dell'ombra). Per qualche tempo, dall'arcaico rimasero per qualche tempo solo elementi di eleganza, un sofisticato contorno lineare, che in una certa misura svolgeva ancora un ruolo puramente decorativo. Sono proprio questi echi dell'arte arcaica che si trovano in alcune delle opere di Duris, uno dei più notevoli disegnatori dei primi classici.

Duris Eoss con il corpo di Memnon. Dipinto di una kylix. Circa 490-480 anni. AVANTI CRISTO e. Parigi. Louvre.

Nei vasi, i cui disegni sono eseguiti da Duris, si avverte la dipendenza delle sue tecniche artistiche dalla natura della trama; più eleganza e ritmo ornamentale nei disegni su temi mitologici (“Eos con il corpo di Memnone”), più semplicità e libertà libera nei disegni su temi della vita quotidiana (“Scena scolastica”). Colpiscono la facilità e il virtuosismo della costruzione da parte dell'artista di qualsiasi posa complessa, qualsiasi gesto reale (ad esempio, nell'immagine di un insegnante seduto).

Brigantino. Conseguenze di una festa. Dipinto di una kylix. Intorno al 480 a.C e. Würzburg. Università.

Più vicino all'inizio del secondo quarto del V sec. AVANTI CRISTO. le composizioni che si prefiggono consapevolmente il compito di collegare organicamente un'immagine vitale naturale con la forma e la struttura ritmica di un vaso diventano più numerose e più perfette. I maestri della pittura vascolare iniziarono a rendersi conto sempre più chiaramente che la bellezza architettonica delle forme della nave non doveva mai essere distrutta dall'immagine, che la loro stretta connessione doveva servire al loro reciproco vantaggio. Questo è un disegno di Briga (480 a.C. circa) che adorna il fondo di una coppa di vino nel Museo di Würzburg. A proposito, il tema stesso dell'ultimo disegno è direttamente correlato allo scopo del vaso: una ragazza di buon cuore sostiene la testa china di un giovane che ha abusato del vino. Il proprietario della ciotola, scolandola, ha avuto modo di contemplare sul fondo questo giocoso richiamo alla necessità di conoscere la misura di tutte le cose. Le due figure in piedi sono perfettamente inscritte nel fondo tondo della coppa, e allo stesso tempo si distinguono per una costruzione estremamente ardita e semplice di una forma tridimensionale. Il profondo rispetto per il valore e la bellezza della vera vita umana ha permesso a Brigus di riempire di genuina grazia anche un tema così prosaico.

Brig era un audace precursore di nuovi percorsi e le sue scoperte giocarono un ruolo importante nello sviluppo dei principi realistici dei classici. Rispetto a Eufronio, Brig ha fatto un grande passo avanti nel suo lavoro. I suoi disegni, molto diversi per temi, genere e mitologia, non solo si distinguono per la loro vitale spontaneità e naturale semplicità, ma risolvono anche molti problemi della costruzione drammatica dell'azione. Il suo vaso, dedicato alla guerra di Troia, si distingue per il vero pathos dell'immagine della battaglia, che ha ricordato ai contemporanei di Briga gli eventi delle guerre greco-persiane.

Brigantino. Cattura di Troia. Dipinto di una kylix. Circa 490-480 anni. AVANTI CRISTO e. Parigi. Louvre.

La minore dipendenza dei pittori di vasi dalla tradizione arcaica vincolante e il loro legame diretto con l'artigianato artistico portarono al fatto che la natura realistica della cultura artistica dei primi classici si rifletteva nella pittura vascolare non solo prima, ma anche in un più ampio richiamo a vita quotidiana di quanto potrebbe essere il caso della scultura monumentale. Si può anche presumere che i maestri della scultura monumentale abbiano utilizzato l'esperienza dei principali maestri della pittura vascolare, che all'inizio del V secolo. AVANTI CRISTO. davanti agli scultori proprio nel campo del trasferimento dell'azione e del movimento di una persona.

Molto interessante è la raffigurazione della bottega dello scultore su una coppa di un ignoto maestro degli anni '80, pieno di profonda serietà e rispetto per il lavoro. È vero, qui viene mostrato un mestiere artistico, più rispettato per l'importanza dei suoi prodotti. Il lavoro dello scultore è descritto in modo molto dettagliato e preciso: i maestri lavorano intorno alla fornace per la fusione del bronzo, la statua finita viene montata, gli strumenti e i rilievi in ​​​​bronzo vengono appesi. Ma la situazione è data solo da questi oggetti - l'artista non raffigura le pareti su cui sono appesi: nella pittura vascolare, come nella scultura o nella pittura monumentale, l'ambiente che circondava una persona non era interessato all'artista, che mostrava solo persone - le loro azioni, la significatività espressiva, l'opportunità dei loro movimenti e azioni. Anche gli strumenti con cui una persona agisce ei frutti del suo lavoro sono stati mostrati solo per comprendere il significato dell'azione: le cose, come la natura, occupavano l'artista solo nel loro rapporto con l'uomo. Questo spiega l'assenza di paesaggio nella pittura vascolare greca, sia classica antica che alta. L'atteggiamento dell'uomo nei confronti della natura, delle sue forze e dei suoi fenomeni, è stato trasmesso attraverso l'immagine dell'uomo stesso, attraverso la sua reazione a un fenomeno naturale.

Pelik con una rondine. Fine VI - inizio V sec. AVANTI CRISTO e. Leningrado,. Museo dell'Ermitage.

Così, i testi della primavera in arrivo sono incarnati su un "vaso (pelika) con una rondine" a figure rosse (fine VI - inizio V secolo a.C.; Museo statale dell'Ermitage) a immagine di un ragazzo, giovane e adulto che ha visto il araldo della primavera: una rondine volante. Tre figure, diverse sia nella composizione che nelle posture, sono collegate da un'unica azione e formano un gruppo integro e vivo. Il sentimento comune che unisce queste persone che guardano la rondine è espresso nelle iscrizioni che accompagnano ogni figura e collegate in un breve dialogo. Il giovane che per primo ha visto la rondine dice: “Guarda, rondine”; il suo interlocutore anziano conferma: "Vero, lo giuro su Ercole"; esclama gioiosamente il ragazzo, concludendo la conversazione: "Eccolo - è già primavera!"

Nel secondo quarto del V sec. AVANTI CRISTO. La pittura vascolare greca acquista un'armonia rigorosa e chiara mai vista prima, ma allo stesso tempo, in una certa misura, perde quell'immediata nitidezza e luminosità che contraddistinguevano l'opera dei primi pittori di vasi dell'arte classica: Duris o Briga. Ma la pittura vascolare di questo periodo, così come la pittura monumentale, è più appropriata da considerare insieme all'arte dell'Età di Pericle, l'arte degli alti classici.

Nella parte settentrionale del Peloponneso, nella scuola Argos-Sicyon, la più significativa delle scuole doriche, la scultura del classico emergente sviluppò principalmente il compito di creare una figura umana in piedi con calma. Rielaborando profondamente le antiche tradizioni doriche alla luce di nuovi compiti artistici, il più grande maestro della scuola Agelad già all'inizio del V secolo. AVANTI CRISTO. ha cercato di risolvere il problema di animare una figura in piedi con calma. Il trasferimento del centro di gravità del corpo su una gamba ha permesso ad Agelad e ad altri maestri di questa scuola di ottenere una postura e un gesto naturali liberi della figura umana. Di grande importanza è stato anche lo sviluppo coerente da parte dei maestri Argos-Sicyon di un sistema di proporzioni ben congegnato, che rivela la vera bellezza del corpo umano perfetto.

La tendenza ionica, nello stesso desiderio di padroneggiare la vitale persuasività dell'immagine di una persona, è andata per la sua strada, secondo le sue antiche tradizioni. I maestri della direzione ionica hanno prestato molta attenzione all'immagine del corpo umano in movimento.

Tuttavia, la differenza tra queste due tendenze nel periodo classico non era significativa. I maestri avanzati di entrambe le direzioni, sebbene seguissero percorsi diversi, avevano un obiettivo comune: creare un'immagine realistica di una persona perfetta. Già nel VI sec. AVANTI CRISTO. La scuola attica sintetizzò gli aspetti migliori di entrambe le direzioni: entro la metà del V secolo. AVANTI CRISTO. approvò in modo più coerente i principi di base dell'arte realistica avanzata associata al periodo di massimo splendore di Atene e acquisì il significato del principale centro d'arte tutto ellenico. Città principale Attica - Atene - entro la metà del V secolo. AVANTI CRISTO. raccolse e unì le migliori forze artistiche dell'Ellade per creare monumenti e strutture architettoniche che lodassero la dignità e la bellezza dell'ateniese, e con essa l'intero popolo greco (o meglio, liberi cittadini delle politiche greche).

Una caratteristica importante della scultura greca del periodo classico era il suo inestricabile legame con la vita pubblica, che si rifletteva sia nella natura dell'immagine che nel suo posto nella piazza della città.

La scultura greca del periodo classico aveva un carattere pubblico, era proprietà dell'intero collettivo di liberi cittadini. È naturale, quindi, che lo sviluppo del ruolo sociale ed educativo dell'arte, la divulgazione in essa di un nuovo ideale estetico, si riflettesse in modo più completo nelle monumentali opere scultoree associate all'architettura o in piedi sulle piazze. Ma allo stesso tempo, proprio in tali opere si rifletteva con particolare chiarezza la profonda rottura dell'intero sistema di principi artistici, che accompagnava il passaggio dall'arcaico al classico. Le nuove idee sociali della democrazia vittoriosa entrarono in netto conflitto con la convenzionalità e l'astrazione della scultura arcaica.

Il carattere contraddittorio e transitorio di alcune opere scultoree dell'inizio del V sec. AVANTI CRISTO. spicca chiaramente nei gruppi frontonali del tempio di Atena Aphaia sull'isola di Egina (circa 490 a.C.).

Le sculture del frontone del tempio di Egina furono trovate all'inizio del XIX secolo. in una forma gravemente danneggiata e poi restaurata dal famoso scultore danese Thorvaldsen. Una delle opzioni più probabili per ricostruire la composizione dei frontoni è stata proposta dallo scienziato russo V. Malmberg. La composizione di entrambi i frontoni è stata costruita sulla base di una rigorosa simmetria speculare, che in una certa misura ha conferito ai gruppi scultorei dipinti, che si stagliavano sullo sfondo colorato dei frontoni, caratteristiche di ornamentalità.

Sul frontone occidentale era raffigurata la lotta dei Greci e dei Troiani per il corpo di Patroclo. Al centro c'era la figura di Atena, immobile, rigorosamente frontale, come schierata sul piano del frontone, impassibilmente calma e come invisibilmente presente nel mezzo della battaglia. La sua partecipazione alla lotta in corso è dimostrata solo dal fatto che il suo scudo è rivolto verso i Troiani ei suoi piedi sono rivolti nella stessa direzione. Solo da questi accenni simbolici si può intuire che Atena agisca come protettrice degli Elleni. Fatta eccezione per la figura di Paride con un elmo alto e ricurvo e con un arco tra le mani, sarebbe impossibile distinguere i greci dai loro nemici, quindi le figure si specchiano nella metà sinistra e nella metà destra del frontone.

Tuttavia, nelle figure dei guerrieri non c'è più una frontalità arcaica, i loro movimenti sono più reali, la struttura anatomica è più corretta di quanto fosse usuale nell'arte arcaica. Sebbene l'intero movimento si svolga rigorosamente lungo il piano del frontone, è abbastanza vitale e concreto in ogni singola figura. Ma sui volti dei guerrieri combattenti e persino dei feriti viene dato lo stesso condizionale "sorriso arcaico" - un chiaro segno di connessione e convenzionalità, scarsamente compatibile con l'immagine di eroi che combattono intensamente.

Nei frontoni di Egina influiva anche l'inerzia incatenante dei vecchi canoni arcaici. L'unità compositiva è stata raggiunta con metodi decorativi esterni, il principio stesso di combinare architettura e scultura era qui, in sostanza, ancora arcaico.

Ercole dal frontone orientale del tempio di Atena-Aphaia sull'isola di Egina. Marmo. 490-480 d.C AVANTI CRISTO e. Monaco. Gliptoteca.

È vero, già nel frontone orientale del tempio di Egina (conservato molto peggio di quello occidentale) è stato fatto un indubbio passo avanti. Il confronto tra le figure di Ercole dal frontone orientale e Parigi - dal frontone occidentale mostra chiaramente grande libertà e veridicità nella raffigurazione di una persona da parte del maestro del frontone orientale. I movimenti delle figure qui sono meno subordinati al piano dello sfondo architettonico, più naturali e liberi. Particolarmente istruttivo è il confronto delle statue dei soldati feriti su entrambi i frontoni. Il maestro del frontone orientale ha già visto la discrepanza tra il "sorriso arcaico" e lo stato in cui si trova il guerriero.

Frontone occidentale del tempio di Atena Aphaia Ricostruzione.

Un guerriero ferito dal frontone orientale del tempio di Athena-Aphaia sull'isola di Egina. Marmo. Circa 490-480 anni. AVANTI CRISTO e. Monaco. Gliptoteca.

Il motivo del movimento del guerriero ferito viene ricreato in stretta conformità con la verità della vita. In una certa misura, lo scultore qui ha padroneggiato non solo il trasferimento di segni esterni di movimento, ma anche l'immagine attraverso questo movimento dello stato interno di una persona: le forze vitali lasciano lentamente il corpo atletico di un guerriero ferito, la mano con una spada , su cui si appoggia il guerriero sdraiato, si piega lentamente, le sue gambe scivolano lungo il terreno , non dando un sostegno più affidabile al corpo, il potente busto cade gradualmente sempre più in basso. Il ritmo del corpo inclinato è sottolineato in contrasto da uno scudo posto verticalmente.

Padroneggiare la ricchezza complessa e contraddittoria dei movimenti del corpo umano, che trasmette direttamente non solo lo stato fisico, ma anche mentale di una persona, è uno dei compiti più importanti. scultura classica. La statua di un guerriero ferito dal frontone orientale del tempio di Egina fu uno dei primi tentativi di risolvere questo problema.

La comparsa di opere scultoree dedicate a specifici eventi storici, che incarnavano chiaramente gli ideali sociali e morali della vittoriosa democrazia proprietaria di schiavi, fu di eccezionale importanza per la distruzione della vincolante convenzionalità dell'arte arcaica. Con il loro numero relativamente piccolo, erano un segno particolarmente eclatante della crescita del contenuto sociale, educativo, civico dell'arte, del suo orientamento realistico.

Il tema e la trama mitologici continuarono a dominare l'arte greca, ma il lato cult e fantasticamente favoloso del mito si ritirò nel secondo Alans, quasi scomparendo. Il lato etico del mito è ora venuto alla ribalta, la rivelazione in immagini mitologiche della forza e della bellezza dell'ideale etico ed estetico della moderna società greca, l'incarnazione figurativa dei compiti ideologici che la eccitano. Un ripensamento realistico delle immagini mitologiche, che ha portato al riflesso in esse delle idee moderne, è stato effettuato da artisti greci del periodo classico, proprio come i grandi tragici greci del V secolo. AVANTI CRISTO. - Eschilo e Sofocle.

In queste condizioni, la comparsa di singole opere d'arte, indirizzate direttamente ai fatti storia reale, pur assumendo a volte una connotazione mitologica, era profondamente logico. Così, Eschilo creò la tragedia "Persiani", dedicata all'eroica lotta dei Greci per la libertà.

Gli scultori Critias e Nesiotes creati all'inizio del 470 a.C. un gruppo bronzeo di Ammazzatiranni - Armonio e Aristogitone - al posto della scultura arcaica portata via dai Persiani, raffigurante gli stessi eroi. Per i greci del V sec. AVANTI CRISTO. immagini di Armodio e Aristogitone, che uccisero nel 514 a.C. il tiranno ateniese Ipparco e coloro che morirono contemporaneamente, furono un esempio del valore disinteressato di cittadini pronti a dare la vita per proteggere le libertà civili e le leggi della loro città natale ( In effetti, Armodio e Aristogitone erano guidati dagli interessi non del partito democratico, ma aristocratico di Atene nel VI secolo. aC, ma in questo caso è importante per noi come gli Ateniesi del V secolo immaginavano il loro ruolo sociale. AVANTI CRISTO.). La composizione del gruppo che non è sopravvissuta fino ad oggi può essere ripristinata da antiche copie marmoree romane.

In Harmodia e Aristogeiton, per la prima volta nella storia della scultura monumentale, il compito era quello di costruire un gruppo scultoreo unito da un'unica azione, un'unica trama. In effetti, ad esempio, la scultura arcaica "Cleobis and Biton" di Polymedes of Argos può essere considerata solo condizionatamente come un unico gruppo - in sostanza, si tratta solo di due statue di kouros in piedi una accanto all'altra, dove il rapporto dei personaggi non era raffigurato. Armodio e Aristogitone sono uniti da un'azione comune: colpiscono il nemico. Il movimento delle figure realizzate separatamente e poste ad angolo l'una rispetto all'altra converge in un punto in cui si trova un avversario immaginario. L'unica direzione del movimento e dei gesti delle figure (in particolare, la mano di Armonio alzata per colpire) crea la necessaria impressione dell'integrità artistica del gruppo, della sua completezza compositiva e della trama, anche se va sottolineato che questo movimento è generalmente interpretato molto schematicamente. Anche i volti dei personaggi erano privi di espressione.

Secondo le informazioni che ci sono pervenute nelle antiche fonti greche, i principali maestri che hanno determinato la svolta decisiva della scultura negli anni '70 -'60. 5° sec. AVANTI CRISTO. al realismo, furono Agelad, Pitagora regio, Calamis. In una certa misura, un'idea del loro lavoro può essere ricavata da copie romane di statue greche di questo periodo e, soprattutto, da un certo numero di statue greche autentiche sopravvissute del secondo quarto del V secolo. aC, realizzato da maestri ignoti. Il quadro generale dello sviluppo della scultura greca fino alla metà del V secolo. AVANTI CRISTO. può essere visto con sufficiente chiarezza.

Corridore. Statuetta in bronzo di Olimpia. Primo quarto del V sec. AVANTI CRISTO e. Tubinga. Università.

Il concetto di arte greca negli anni '70 -'60. 5° sec. AVANTI CRISTO. danno anche piccole figurine di bronzo che sono arrivate fino ai nostri giorni. Il loro significato è particolarmente grande perché gli originali greci in bronzo, con rare eccezioni, sono andati perduti e devono essere giudicati dalle copie marmoree romane tutt'altro che accurate e asciutte. Nel frattempo, è per il V sec. AVANTI CRISTO. caratteristico è l'uso diffuso del bronzo come materiale per sculture monumentali.

Uno degli innovatori più coerenti del periodo iniziale dei primi classici fu, a quanto pare, Pitagora Regio. L'obiettivo principale del suo lavoro era una rappresentazione realistica di una persona nel movimento naturale della vita. Quindi, secondo la descrizione degli antichi, è nota la sua statua "The Wounded Philoctetes", che colpì i contemporanei con una trasmissione veritiera dei movimenti umani. La statua “Giacinto” o (come si chiamava prima) “Eros Soranzo” (Museo Statale dell'Ermitage, copia romana) è attribuita a Pitagora Regius. Il maestro ha raffigurato il giovane nel momento in cui segue il volo del disco lanciato da Apollo; alzò la testa, il peso del corpo fu trasferito su una gamba. L'immagine di una persona in un movimento olistico e unificato è il principale compito artistico che l'artista si è prefissato, rifiutando risolutamente i principi arcaici di una statua rigorosamente frontale e immobile, sviluppando in modo coerente e profondo le caratteristiche del realismo accumulate nell'arte del tardo arcaico. Allo stesso tempo, i movimenti di "Hyacinth" sono ancora piuttosto acuti e spigolosi; alcune caratteristiche stilistiche, ad esempio nell'interpretazione dei capelli, sono direttamente adiacenti alle tradizioni arcaiche. In questa statua, nuovi compiti artistici sono fissati con audacia e nitidezza, ma non è stato ancora completamente creato un sistema armonioso e coerente di un nuovo linguaggio artistico corrispondente a questi compiti.

Vitalità realistica, fusione inscindibile dei principi filosofici ed estetici nell'immagine artistica, tipizzazione eroica dell'immagine persona reale- queste sono le caratteristiche principali dell'arte emergente dei classici. Il significato sociale ed educativo dell'arte dei primi classici era inestricabilmente e naturalmente fuso con il suo fascino artistico, era privo di qualsiasi elemento di deliberata moralizzazione. La nuova comprensione dei compiti dell'arte si rifletteva anche nella nuova comprensione dell'immagine dell'uomo, nei nuovi criteri di bellezza.

Auriga delfico. Bronzo. Intorno al 470 a.C e. Delfi. Museo.

La nascita di un nuovo ideale estetico si rivela particolarmente chiaramente nell'immagine del "Delphian Charioteer" (secondo quarto del V secolo a.C.). L'auriga di Delfi è una delle poche vere statue di bronzo dell'antica Grecia che sono pervenute fino a noi. Faceva parte di un grande gruppo scultoreo che non ci è pervenuto, realizzato da un maestro peloponnesiaco vicino a Pitagora Regio. Severa semplicità, calma grandezza di spirito si riversano in tutta la figura dell'auriga, vestito con abiti lunghi e in piedi in una posa rigorosamente immobile e allo stesso tempo naturale e vivace. Il realismo di questa statua risiede principalmente nel senso del significato e della bellezza di una persona, che permea l'intera figura. L'immagine del vincitore del concorso è data in modo generalizzato e semplice, e sebbene i singoli dettagli siano realizzati con grande cura, sono subordinati alla struttura generale rigorosa e chiara della statua. In The Delphic Charioteer, la nozione di scultura, caratteristica dei classici, era già espressa in una forma abbastanza definita, come rappresentazione armonica e vitalemente convincente dei tratti tipici di una persona perfetta, mostrata come dovrebbe essere ogni ellenico nato libero.

La stessa tipizzazione realistica dell'immagine di una persona è stata completamente trasferita dai maestri dei primi classici alle immagini degli dei. "Apollo da Pompei", che è una replica romana di una statua greca (del Peloponneso settentrionale) del secondo quarto del V secolo. AC, differisce dall'arcaico "Apollo" non solo per una modellazione incomparabilmente più realistica delle forme del corpo, ma anche per un principio completamente diverso della soluzione compositiva della figura. L'intero peso del corpo viene qui trasferito su una gamba sinistra, la gamba destra è leggermente spostata di lato e in avanti, le spalle sono leggermente ruotate rispetto ai fianchi, la testa è leggermente inclinata di lato; le mani di un bellissimo giovane, come qui è raffigurato il dio del sole e della poesia, sono date in un movimento libero e libero. A prima vista, questi cambiamenti apparentemente piccoli in quel periodo di accumulo di realistico