Capela Sixtină: cutia prețioasă a Vaticanului. Totul despre Capela Sixtină care a pictat Vaticanul

Să analizăm toate aceste ciudățenii.

Deci, ce ascundea Michelangelo când a pictat tavanul Capelei Sixtine?

Una dintre cele mai bune fresce de pe tavanul capelei este „Creația lui Adam”.

Michelangelo. „Crearea lui Adam” (1511).
Fresca din tavanul Capelei Sixtine

Rezemat de brațul drept, trupul tânăr și frumos, dar neduhovnicizat încă, al primului bărbat se întinde pe pământ. Zburând înconjurat de o mulțime de îngeri fără aripi, Creatorul Oștirilor își întinde mâna dreaptă spre mâna stângă a lui Adam. Un alt moment - degetele lor se vor atinge, iar corpul lui Adam va prinde viață, câștigând un suflet. Când descriu această frescă, istoricii de artă notează de obicei că Hostile și îngerii, uniți într-un singur întreg, se potrivesc foarte bine în tablou, echilibrând partea stângă a frescei. Asta e tot.

Cu toate acestea, privind mai atent la ceea ce a creat artistul, vă dați seama brusc că Adam este reînviat de Domnul, înfățișat nu numai ca un bătrân cu barbă înconjurat de îngeri, ci și în imaginea unui creier uriaș, repetând în detaliu structura lui creierul uman.

Comparația unui fragment de frescă
„Crearea lui Adam”
cu o imagine a creierului uman

Orice biolog sau medic care cunoaște elementele de bază ale anatomiei ar trebui să înțeleagă acest lucru. Dar secol după secol a trecut și numai după o jumătate de mileniu planul lui Michelangelo ne-a fost dezvăluit. Maestrul a criptat în această frescă ideea că spiritualizarea a fost realizată de Mintea Supremă. De ce Michelangelo nu le-a dat nici măcar aluzii contemporanilor săi în timpul vieții sale ceea ce a descris de fapt? Explicația se sugerează de la sine. Artistul a putut studia structura creierului doar disecând cadavre. Iar pentru profanarea unui cadavru pe vremea lui Michelangelo a fost impusă pedeapsa cu moartea. Și dacă Buonarroti, în vârstă de șaptesprezece ani, ar fi fost prins în timp ce studia anatomie, disecând în secret cadavre în morga mănăstirii Santo Spirito din Florența, atunci chiar a doua zi propriul său cadav ar fi atârnat în fereastra care se deschidea pe a treia. etajul Palatului Signoriei, iar lumea nu ar fi văzut niciodată viitoarele capodopere Michelangelo. Au trecut aproape douăzeci de ani de la acele zile memorabile din 1492, când, disecând morții și realizând desene anatomice, artistul a studiat structura corpului uman, până la realizarea frescei „Crearea lui Adam” pe tavanul Capelei Sixtine. (1511). Dar, în ciuda unei perioade atât de lungi, corectitudinea cu care Michelangelo a descris circumvoluțiile și șanțurile creierului uman este izbitoare.

Asemănarea frescei „Creația lui Adam” cu creierul uman a fost observată pentru prima dată de medicul american Meshberger în 1990. Dar a ajuns la concluzia că marele maestru a descris structura internă a creierului. Pentru prima dată, am putut descoperi că Michelangelo a arătat suprafața exterioară a creierului într-o frescă și a înfățișat circumvoluțiile și șanțurile cu mare acuratețe.

Suprafața exterioară a creierului uman

Santul lateral care separă lobul frontal al creierului de lobul temporal este ușor de distins. Şanţurile temporale superior şi inferior delimitează circumvoluţia temporală mijlocie. Umărul drept al gazdelor este girusul frontal mijlociu. Profilul unuia dintre îngeri urmează fisura centrală, sau Rolandică, care este granița dintre lobii frontali și parietali ai creierului. Și, în sfârșit, capetele a doi îngeri din spatele creatorului nu sunt altceva decât circumvoluțiile supramarginale și unghiulare. În plus, este clar de ce Michelangelo nu a descris cerebelul. Cert este că artistul nu știa despre existența unei creșteri a durei mater (așa-numitul tentorium cerebel), care este înțepenită între creier și cerebel. Prin urmare, când Michelangelo a scos creierul de pe craniu în timpul autopsiei, a distrus cerebelul. Studenții la medicină fac adesea aceeași greșeală atunci când efectuează primele autopsii pe cadavre.

Prea multe asemănări în detaliile frescei cu circumvoluțiile și șanțurile creierului nu pot fi explicate prin simple coincidențe.

Dar asta nu este tot. Lui Michelangelo îi plăcea foarte mult să înfățișeze natura umană goală. În același timp, el a acordat o preferință clară frumuseții corpului masculin. Scriitorul american Irving Stone, care a scris un minunat roman biografic despre Michelangelo, își pune în gură următoarele cuvinte: „Eu cred că toată frumusețea, toată puterea trupească stă în om. Privește-l când este în mișcare, când sare, luptă, aruncă o suliță, ară, ridică o sarcină: toți mușchii, toate articulațiile care preiau încordarea și greutatea sunt distribuite în el cu o proporționalitate extraordinară. În ceea ce privește o femeie, în opinia mea, ea nu poate fi frumoasă și incitantă decât într-o stare de pace absolută.” Când un artist înfățișează femei, el desenează adesea mușchii masculini. Uită-te doar la Sibila cumeană din Capela Sixtină.

Michelangelo. „Sibila Cumae” (1510).
Fresca pe tavanul Capelei Sixtine

Michelangelo creează nuduri ale lui Bacchus, David, un grup de războinici pe cartonul „Bătălia de la Cascina”, sclavi pentru mormântul lui Iulius al II-lea, sculpturi în Capela Medici, multe figuri pe frescele Capelei Sixtine. El îl înfățișează chiar pe Hristos gol!

Michelangelo. „David” (1501–1504). Florenţa

Michelangelo. „Bătălia de la Kashin” (1542)

De exemplu, sculpturile „Răstignirea” (1494) din Biserica Santo Spirito din Florența și „Hristos Înviat” (1519–1520) din Biserica Santa Maria sopra Minerva din Roma Îl reprezintă pe Dumnezeu Fiul complet gol.

Michelangelo. „Răstignirea” (1494) în biserică
Santo Spirito din Florența

Michelangelo. „Hristos Înviat” (1519–1520)
în Biserica Santa Maria sopra Minevra din Roma.
Reproducere dintr-o carte publicată în 1977

Nu numai Hristos, ci și Maica Domnului, precum și toți sfinții din fresca Judecata de Apoi au fost înfățișați de Michelangelo fără haine. Mai târziu, când remarcabilul artist Paolo Veronese (1528–1588) a fost judecat de Inchiziție pentru libertățile lucrării sale „Sărbătoarea lui Simon Fariseul”, inculpatul, în apărare, s-a referit la „Judecata de Apoi”. Romain Rolland, în cartea sa despre viața lui Michelangelo, citează cuvintele lui Veronese la procesul său: „Recunosc că acest lucru este rău, dar repet ceea ce am spus deja: este de datoria mea să urmez exemplul profesorilor mei. Michelangelo în capela papală din Roma l-a înfățișat pe Mântuitorul, pe mama sa cea mai curată, pe Sf. Ioan, pe Sf. Petru și pe alți sfinți, și i-a prezentat pe toți goi, chiar și pe Sfânta Fecioară Maria, și în ipostaze care nu erau deloc canonice. .”

Bernard Berenson (1865–1959), membru al Academiei Americane de Arte și Litere, care și-a trăit cea mai mare parte a vieții în Italia, a scris despre opera lui Michelangelo: „Pasiunea lui era nudul, idealul lui era puterea. Umilința și răbdarea erau la fel de necunoscute lui Michelangelo ca și lui Dante, ca și geniilor creative din toate epocile. Chiar și trăind aceste sentimente, nu le-ar putea exprima, pentru că figurile lui goale sunt pline de putere, dar nu de slăbiciune, groază, dar nu frică, disperare, dar nu supunere.”

Pentru a înțelege originile viziunii despre lume a lui Michelangelo, este necesar să ne amintim că de la vârsta de 14 ani (în 1489–1492) a fost crescut la curtea ducelui Lorenzo de' Medici Magnificul, care a observat talentul băiatului și l-a apropiat de el însuși ca fiu adoptiv. Datorită acestui fapt, tânărul artist a fost înconjurat de lucrări de artă antică încă din copilărie și a fost prezent la dezbaterile filozofice ale Academiei Platonice Florentine. A fost foarte influențat de neoplatoniștii Marsilio Ficino (1433–1499), Giovanni Pico della Mirandola (1463–1494) și de alți reprezentanți de seamă ai academiei.

Portrete ale neoplatonicilor Marsilio Ficino, Angelo Poliziano, Cristoforo Landino și Demetrios Chalkondyles.
Detaliu al unei fresce de Domenico Ghirlandaio din Biserica Santa Maria Novella din Florența (1486–1490).

Ficino a reelaborat platonismul și învățăturile mistice ale antichității târzii și le-a interpretat în spiritul adaptării la principiile de bază ale creștinismului. Apologia sa pentru frumusețea pământească și demnitatea umană a contribuit la depășirea ascezei medievale și a influențat dezvoltarea artelor plastice și a literaturii. Pico a susținut că fiecare persoană combină principiile pământești, animale și divine. Raționamentul lui Ficino, Pico și alții a relevat cea mai importantă caracteristică a antropocentrismului umanist - tendința de a diviniza omul. Ficino, respingând asceza creștină, a interpretat erosul (dragostea) platonician ca un impuls creator, ca aspirație a personalității umane către perfecțiune, frumusețe suprasenzuală (Dynnik et al., 1957; Losev, 1960; Gorfunkel, 1970; Lavrinenko, Ratnikova, 1999). ).

Cu toate acestea, admirația pentru antichitate nu a înlocuit credința creștină a lui Michelangelo. Și toată viața lui două lumi ostile, lumea păgână și lumea creștină, au luptat pentru sufletul său.

Romain Rolland scrie: „Marele creator de forme minunat de frumoase, un om profund religios, Michelangelo a perceput frumusețea fizică ca pe ceva divin; un corp frumos este Dumnezeu însuși, care apare într-o cochilie corporală. Și, ca Moise înaintea tufișului aprins, Michelangelo s-a apropiat de această frumusețe cu uimire.”

Și, prin urmare, Michelangelo nu a văzut nimic condamnabil în reprezentarea organelor de reproducere. I-a admirat la fel cum a admirat alte părți ale corpului uman - cea mai perfectă, din punctul său de vedere, creatură, creată după chipul și asemănarea Domnului însuși. Dar această poziție era prea greu de apărat în secolul al XVI-lea! Maestrul de ceremonii al Papei Paul al III-lea, Biagio da Cesena, a vorbit despre Judecata de Apoi:

„Este o nerușinare completă să înfățișezi atât de mulți oameni goi într-un loc atât de sacru, care, fără rușine, își arată părțile intime; o astfel de lucrare este potrivită pentru băi și cârciumi și nu pentru capela papală”.

Michelangelo a plasat imediat Cesena în lumea interlopă sub forma unui Minos gol cu ​​urechi de măgar. Corpul lui Minos este împletit cu un șarpe uriaș, care îi mușcă organele genitale. Iar când maestrul de ceremonii i-a cerut papei să ordone artistului să scoată această imagine din frescă, Paul al III-lea i-a răspuns lui Cesena: „Dacă te-ar fi pus chiar și în purgatoriu, tot aș fi încercat să te salvez, dar te-a ascuns. în iad, iar puterea mea nu este în iad”.

Michelangelo. Fragment din frescă „Judecata de Apoi”

Dar când Paul al IV-lea a devenit pontif, norii s-au adunat peste „Judecata de Apoi”. A fost un moment în care fresca urma să fie complet distrusă. Din fericire, chestiunea s-a încheiat doar cu „îmbrăcarea” unor trupuri goale.

Un alt fapt binecunoscut: când în 1504 Michelangelo a terminat lucrările la sculptura unui David gol din Florența, acesta a trebuit să fie păzit pentru că David era ucis cu pietre de către orășeni. Goliciunea castă a lui David a revoltat modestia florentinilor. A existat o perioadă în care „părțile nemodeste” ale sculpturii erau acoperite cu foi de aur.

Au trecut secole, dar psihologia ipocriziei nu s-a schimbat. Recent, chiar și sculptura lui Hristos Înviat a fost „îmbrăcată”.

Michelangelo. „Hristos Înviat” (1519–1520)
în Biserica Santa Maria sopra Minerva din Roma.
Fotografie de autor. septembrie 2005

Michelangelo nu și-a permis niciodată să-l picteze pe Dumnezeu Tatăl gol. O asemenea blasfemie l-ar fi putut costa viața. Acum să aruncăm o privire atentă asupra frescei „Crearea stelelor și a plantelor”. Deci, de ce este reprezentată Hosts din spate și de ce materialul se potrivește atât de strâns în jurul unor părți ale corpului? Să urmărim liniile lui Michelangelo fără să terminăm nimic.

Să întoarcem imaginea -

Michelangelo. Fragment de frescă
„Crearea de corpuri de iluminat și plante”

La urma urmei, fresca este pe tavan și poate fi privită din orice direcție. Este evident că artistul a pictat un imens organ reproducător masculin într-o stare de entuziasm. Imaginea are aproape un metru și jumătate lungime! Mai mult, din punct de vedere al anatomiei totul este prezentat extrem de precis. Medicii știu că la bărbați testiculul stâng este adesea coborât puțin mai jos decât cel drept, ceea ce este clar vizibil la examinarea scrotului: astfel testiculele sunt suspendate pe cordoanele spermatice. Puteți citi despre acest lucru în orice manual sau atlas de anatomie pentru școlile de medicină. Michelangelo, care cunoștea bine anatomia, înfățișează scrotul exact în acest fel în sculpturile „David” și „Hristos Înviat”. Structura organului genital este prezentată și în fresca „Crearea luminilor și a plantelor”: partea dreaptă a scrotului este ușor ridicată în comparație cu stânga. Coincidența chiar și a unor astfel de mici detalii nu lasă îndoieli cu privire la ceea ce a descris artistul.

V. D. Dazhina (1986), autorul unei serii de publicații despre Michelangelo, fără măcar să bănuiască ceea ce este de fapt înfățișat în fresca „Crearea luminilor și a plantelor”, a remarcat foarte exact că această compoziție picturală „uimește prin puterea tensiunea exprimată în ea, care a apărut ca urmare a depășirii inerției inerte a materiei.” Poate că nu există o modalitate mai bună de a o spune.

În plus, pe aceeași frescă vedem o imagine a organelor genitale feminine, care sunt situate chiar vizavi de organul genital masculin. Clitorisul, labiile mici și mari și fanta genitală sunt desenate clar.

Michelangelo. Frescă
„Crearea de corpuri de iluminat și plante”

Michelangelo. Fragment de frescă
„Crearea de corpuri de iluminat și plante”

Faptul că Michelangelo a criptat imagini uriașe ale organelor genitale este absolut clar. Ne-a dat prea multe indicii pentru asta, nu doar cu toată creativitatea lui, ci și cu simboluri specifice Capelei Sixtine. Acestea sunt imagini ale unui număr imens de figuri goale pe tavan și pe peretele altarului capelei și cu capul unui șarpe, indicând clar organul genital al lui Minos, așa cum a fost deja scris mai sus.

De ce exact creierul și organele genitale? Cert este că informațiile transmise de ființele inteligente către generațiile ulterioare pot fi de două tipuri principale:

1. Genetic, sau ereditar, al cărui transfer de la părinți la copii este asigurat de organele genitale. Penisul nu este altceva decât o „seringă” care injectează ADN în corpul viitoarei mame.

2. Neereditare - a cărei tranziție de la generație la generație este asigurată de creier, care creează informații noi sub formă de opere de artă, texte orale, scrise de mână și tipărite, iar acum și filme, baze de date computerizate etc.

Prin urmare, nu este de mirare că Michelangelo s-a concentrat în mod special asupra organelor genitale și a creierului.
Gândul marelui maestru este clar: mai întâi s-a creat principiul fecundator (genitale) și abia apoi a fost activat principiul spiritualizant (creierul care animă corpul uman).

Acum devine clar de ce Michelangelo a reacționat atât de calm când Daniele da Volterra, la ordinul papei, a desfigurat Judecata de Apoi cu draperii. Pur și simplu râdea în inimă de zgomotul șoricelului al orbilor care nu vedeau principalele simboluri pe frescele sale.
Michelangelo nu a fost niciodată în stare să-și dezvăluie secretul în timpul vieții sale. Sabia Inchiziției îi atârna deasupra capului. Să ne amintim că în 1540 s-a înființat la Roma Ordinul Iezuit, iar în 1542 a fost înființată congregația „Sfânta Inchiziție”. Dușmanul lui Michelangelo, Pietro Aretino, a întocmit un denunț în care îl acuza pe marele maestru de erezie. Iar ereticii au o cale directă către rug. Romain Rolland a descris această perioadă groaznică pentru artist astfel: „Au fost mulți oameni care s-au indignat cu voce tare de Judecata de Apoi”. Și, desigur, Aretino a strigat cel mai mult. A scris o scrisoare cea mai obrăzătoare, demnă de Tartuffe. Aretino, în esență, a amenințat că îl va denunța pe artist în fața Inchiziției, „căci este o crimă mai mică să nu te crezi pe tine însuți decât să încalci cu atâta îndrăzneală credința altora”. Această scrisoare ticăloasă a șantajistului, unde tot ce este mai sacru pentru Michelangelo - credința, prietenia, cinstea - a fost profanat și călcat în pământ, această scrisoare, pe care nu a putut să o citească fără râs disprețuitor și lacrimi de umilință, Michelangelo a lăsat-o fără răspuns. . Nu întâmplător a vorbit cu o ironie devastatoare despre unii dintre dușmanii săi: „Merită să te lupți cu ei, o astfel de victorie nu este o mare onoare!” Și chiar și atunci când au început să asculte judecata lui Aretino și Biagio despre Judecata de Apoi, artistul nu a făcut nimic pentru a opri calomnia.”

Ce ar putea face Michelangelo? Răspundeți doar cu arta dvs. El a criptat un alt simbol în „Judecata de Apoi” în imaginea Sfântului Bartolomeu. Despre aceasta, criticul de artă A. A. Guber spune următoarele: „...Pe pielea pe care Bartolomeu o ține în mâna stângă au găsit un autoportret al lui Michelangelo însuși, iar în Bartolomeu - o asemănare cu Pietro Aretino. Dacă este așa, atunci nu se poate decât să se minuneze de curajul lui Michelangelo: într-unul dintre cele mai proeminente locuri de pe peretele altarului, el și-a înfățișat principalul dușman, sub masca unui sfânt martir, cu un cuțit în mână, jupuindu-și pe al său. piele."

Michelangelo. Fragment din frescă „Judecata de Apoi”
pe peretele altarului Capelei Sixtine

Marele maestru se echilibra constant pe o lamă de ras. Dar tot nu l-au atins. Numai geniul l-a salvat pe Michelangelo de foc, otravă, laț și cuțit. La urma urmei, papii au trebuit să construiască catedrale și propriile morminte, să decoreze pereții și tavanele palatelor și capelelor cu fresce mari. Dar dacă ar cunoaște semnificația mesajului principal criptat, atunci nimic nu l-ar ajuta pe Michelangelo. Prin urmare, a fost nevoit să ia secretul cu el, bazându-se doar pe noi - descendenții.
Astfel, în opera marelui maestru am descoperit două tehnici care sunt acum bine cunoscute și adesea folosite de artiștii suprarealişti. Prima se numește „imagine dublă” (în engleză cunoscută sub numele de „viziune dublă”) sau „imagine ambiguă” - atunci când, după ce se uită la imagine, observatorul discerne brusc un al doilea sens, adesea ascuns. Michelangelo are această imagine ascunsă a creierului uman. O altă tehnică este mai complexă: pentru a vedea fundalul, imaginea trebuie rotită cu 180°, mai rar 90° sau alt unghi. Aceste picturi au fost numite „imagini cu susul în jos”. Am putut descoperi pentru prima dată exact o astfel de imagine pe fresca Capelei Sixtine „Crearea stelelor și a plantelor”. După cum am menționat deja, fresca datează din 1511. Nu cunosc nicio utilizare anterioară a imaginilor duble inversate. Aparent, Michelangelo este creatorul acestei noi metode în arta mondială.
Opera marelui florentin a fost atent studiată de clasicul suprarealismului Salvador Dali (1904–1989). Acest lucru este dovedit de cel puțin o serie de picturi ale lui Dali, inspirate din opera lui Michelangelo. Două dintre ele bazate pe Pietate și Creația lui Adam sunt prezentate mai jos ca exemplu:

Salvador Dali. „Pieta” (1982)

Salvador Dali. „Un personaj inspirat din figura lui Adam de pe tavanul Capelei Sixtine din Roma (1982)

Tehnica imaginilor duble este utilizată pe scară largă în lucrările lui Dali. Acestea sunt „Omul invizibil” și „Marele paranoic” și „Imagini care dispar” și faimoasa „Piață de sclavi cu aspectul bustului invizibil al lui Voltaire”. Iar pictura „Lebedele reflectate în elefanți” nu este altceva decât o imagine inversată.

Salvador Dali. „Omul invizibil” (1929)

Salvador Dali. „Marele paranoic” (1936)

Salvador Dali. „Imagini care dispar” (1938)

Salvador Dali. „Piața de sclavi cu apariția bustului invizibil al lui Voltaire” (1940)

Salvador Dali. „Lebedele reflectate în elefanți” (1937)

Ca exemple de imagini duble și imagini cu susul în jos, putem cita câteva mostre (Internetul este acum inundat de ele) postate pe site-ul http://gluk.blin.com.ua. Unele dintre ele au semnături foarte originale.

Desen al psihologilor americani E. J. Boring
și R.W. Leeper. „Soacra ambiguă” (1930).
Ce vezi: o tânără fermecătoare sau o bătrână cu un nas imens?

Corb sau pescar cu pește?

Întoarce imaginea rotită la 180˚.
Acest desen este cunoscut sub numele de „Frumusețe și alcool” sau „Înainte și după șase beri”

Cal-broasca. Imagine cu susul în jos.
Pentru a vedea broasca, trebuie să întoarceți imaginea, dar numai 90˚

Chipul unei fete sau flori și un fluture?

Chipul unei fete sau doi cai?

Peisaj sau copil în pântec?

Capul unui indian american sau al unui eschimos la intrarea într-o casă?

George cel Învingător.
Fata sau lupta cu sarpele?

„Dragostea unui clovn”

"Societate. Portret."

Soldat sau cal?
Întoarce imaginea rotită la 180˚

Bătrânul sau altcineva?

Vorbind despre imagini duble, nu putem să nu ne amintim de opera unui alt artist din secolul al XVI-lea - Giuseppe Arcimboldo (1527–1593). S-a născut la Milano, dar și-a petrecut cea mai mare parte a vieții la Praga, în slujba împăraților habsburgici. Începând cu 1563, Giuseppe a creat o serie de picturi neobișnuite care erau imagini duble. Acestea sunt portrete formate din fructe, flori, legume, pești, păsări, mamifere, cărți, obiecte de uz casnic etc.

Giuseppe Arcimboldo. „Vara” (1563)

Giuseppe Arcimboldo. „Pământ” (1570)

Arcimboldo a folosit și tehnica imaginilor inversate, dar aceasta a fost la mai bine de 50 de ani după o inovație similară în opera lui Michelangelo.

Giuseppe Arcimboldo. „Cook-Still Life” (1567)

Giuseppe Arcimboldo. „Cook-Still Life” (cu susul în jos)

Giuseppe Arcimboldo. „Ortolano”, sau „Grădinar-Natura moartă”, (1590). Cremona. Imagine cu susul în jos. Pentru a vedea grădinarul, trebuie să întoarceți imaginea la 180˚.

Giuseppe Arcimboldo. „Ortolano”, sau „Grădinar-Natura moartă”, (1590). Cremona. Imagine cu susul în jos. (cu susul în jos)

Salvador Dali l-a numit pe Giuseppe Arcimboldo precursorul suprarealismului. Sunt gata să argumentez că precursorul suprarealismului a fost de fapt marele Michelangelo. Înainte de Arcimboldo, a început să folosească imagini duble și primele imagini. Numai că, spre deosebire de Arcimboldo, el a investit un profund sens filozofic în dualitatea capodoperelor sale.

După ce a citit cele de mai sus, cititorul poate întreba: „Este posibil să găsim informații codificate în alte lucrări ale lui Michelangelo?” La urma urmei, este greu de imaginat că doar în Capela Sixtină maestrul a plasat simboluri secrete. Analizând opera strălucitului florentin, înțelegi că aproape fiecare dintre lucrările sale are propriul ei secret. Mai mult, multe sunt deja bine cunoscute de istoricii de artă. Luați în considerare sculptura „Pieta”

Michelangelo. „Pieta” (1499)

Maica Domnului ține în genunchi trupul lui Iisus, în vârstă de treizeci și trei de ani. Dar să aruncăm o privire la chipul Madonnei. Vom vedea că Michelangelo a înfățișat o mamă mai mică decât fiul ei! Când sculptorul a fost întrebat: "Cum poate fi?" răspunse Michelangelo „Virginitatea dă prospețime și tinerețe veșnică”. Tinerețea Maicii Domnului este un simbol al victoriei asupra timpului și asupra morții.

Sculptura lui David este perfect proporțională; cu toate acestea, privirea observatorului este atrasă spre mâna dreaptă, strângând o piatră care îl va învinge pe Goliat într-o clipă. Faptul este că Michelangelo a descris în mod specific mâna dreaptă la o scară mai mare în comparație cu alte părți ale corpului. Acesta este un simbol ascuns care nu lasă nicio îndoială: victoria este o concluzie dinainte! În plus, există o altă manipulare cu vârsta. Biblia spune că David era un băiat când s-a luptat cu Goliat. Este atât de mic încât trebuie să lupte cu inamicul fără haine, deoarece armura regelui Saul s-a dovedit a fi prea mare pentru el. Exact așa este înfățișat David de predecesorii lui Michelangelo. Priviți doar sculptura lui Donatello, al cărui erou este un tânăr cu un fizic destul de slab, iar cu pălăria lui, părul lung și silueta unui copil arată mai mult ca o fată. David lui Michelangelo este un bărbat adult (mult mai în vârstă decât David biblic) cu mușchi puternici. Seamănă mai mult cu Hercule sau Apollo. Și aceasta are propriul său sens: David uriașul al lui Michelangelo (înălțimea sculpturii 4,54 m) este un simbol al invincibilității Republicii Florentine.

Donatello. "David"

Un alt secret se află în sculptura care îl înfățișează pe ducele Giuliano de' Medici (c. 1533), instalată în Capela Medici din Florența. A domnit doar pentru o perioadă scurtă de timp, dar a devenit „famos” pentru participarea sa la restaurarea sângeroasă a puterii Medici la Florența. Fața sculpturii nu are o asemănare portret cu adevăratul duce. Cu această tehnică, maestrul și-a demonstrat indiferența totală față de aspectul real al persoanei înfățișate, exprimându-și astfel indiferența față de el ca personaj din poveste. Când a fost subliniată lipsa de asemănare cu Michelangelo, el a declarat: „Nu seamănă cu el acum, dar peste o sută de ani toată lumea îl va imagina așa.”.

Michelangelo. „Giuliano de' Medici Duce de Nemours” (c. 1533) în Capela Medici. Florenţa

Am scris deja mai sus despre simbolurile frescei Judecății de Apoi: iată-l pe Biagio da Cesena în imaginea unui Minos gol, care își pierde bărbăția în fața ochilor privitorului, și ticălosul Aretino, care l-a jupuit pe artist însuși.
Și, în sfârșit, să luăm prima lucrare sculpturală a lui Michelangelo - relieful „Madona scărilor”. În prim plan stă Maica Domnului cu pruncul Iisus. În spatele ei se vede o scară, pe care stă în picioare băiatul Ioan (care în viitor va deveni Ioan Botezătorul), sprijinit de balustradă. Compoziția este construită în așa fel încât grinda balustradei, care amintește de baza crucii pe care va fi răstignit Isus, se sprijină pe palma Mariei. Mâna dreaptă a lui John, situată perpendicular pe balustradă, sporește asemănarea întregii structuri cu o cruce. Ideea simbolului este aceasta: Maria a luat asupra sa toată greutatea crucii, care va fi (și ea știe) instrumentul uciderii singurului ei Fiu. Această lucrare a fost creată în 1490. Aspirantul sculptor avea doar cincisprezece ani!

Michelangelo. „Madona scărilor” (c. 1490). Florenţa.

Iar ultimele cuvinte ale lui Michelangelo, în vârstă de optzeci și nouă de ani, pe patul de moarte au fost: „Ce păcat că ar trebui să mor când tocmai începusem să citesc silabe în profesia mea”.

Nu pot decât să adaug: „Ce păcat că numai cinci sute de ani mai târziu învățăm să citim silabă cu silabă ceea ce ne-a dat marele Maestru.”

Capela Sixtină este considerată pe bună dreptate perla Vaticanului. A fost pictat de cei mai buni artiști ai Renașterii, iar coroana creației se numește frescele de pe tavan create de Michelangelo. Puțini oameni știu că maestrul ura această lucrare, pentru că îi lua toată sănătatea. Acestea și alte fapte interesante despre crearea Capelei Sixtine sunt discutate în continuare în recenzie.

1. Capela Sixtină a fost inițial o cetate

2. Capela Sixtină urmează dimensiunile Templului lui Solomon

3. La pictura Capelei Sixtine au lucrat cei mai buni artiști

4. Michelangelo ura să picteze tavanul capelei

5. Crearea lui Adam

6. Judecata de Apoi

În timpul (22 de ani) care a trecut între prima și ultima lucrare a lui Michelangelo, în biserică au avut loc multe schimbări, și a venit vremea Reformei. „Judecata de Apoi” a stârnit nu numai admirație, ci și critici acerbe. Imaginile nud din frescă au fost considerate obscene.

Michelangelo, care se numea sculptor și nu pictor, nu a trebuit niciodată să realizeze o lucrare atât de mare folosind tehnica frescei - maestrul a finalizat-o în timp record.

YouTube enciclopedic

1 / 5

✪ Michelangelo, tavanul Capelei Sixtine

✪ Psihologia artei. Capela Sixtină. Partea I. Psihologia artei. Capela Sixtină. Partea I

✪ Creația lui Adam, Michelangelo Buonarroti

✪ Psihologia artei. Capela Sixtină. Partea a V-a. Psihologia artei. Capela Sixtină. Partea a V-a

✪ Psihologia artei. Capela Sixtină. Partea a II-a. Psihologia Artei. Capela Sixtină. Partea a II-a

Subtitrări

Ne aflăm în Capela Sixtină din Vatican, care este de mare importanță pentru catolicism. Papa însuși celebrează Liturghia aici, dar este probabil cel mai faimos pentru că este locul unde Colegiul Cardinalilor alege noul Papă. Întregul spațiu al acestei camere este bogat decorat. Podeaua este acoperită cu mozaicuri magnifice. Pereții sunt pictați cu fresce ale artiștilor din Renașterea timpurie. Peretele din spatele altarului a fost pictat de Michelangelo mai târziu în viața sa. Și, bineînțeles, tavanul. Toți vizitatorii ridică capetele și admiră această măreție în fascinație. Suntem aici seara. Este începutul lui iulie. Lumina incidentă este împrăștiată, dând figurilor de pe fresce un aspect neobișnuit de tridimensional. Arată ca niște sculpturi. Vă puteți imagina cum au arătat aceste picturi când Michelangelo le-a finalizat în 1512, după mulți ani de muncă. Cât de neobișnuiți și revoluționari păreau pe atunci. Michelangelo a fost în primul rând un sculptor și abia după curățarea relativ recentă a frescelor din straturi ni s-a arătat ca un colorist remarcabil. Dar tehnica sa de pictură seamănă încă cu sculptura sculpturală, realizată doar cu vopsele. El se distinge prin capacitatea sa extraordinară de a combina simultan puterea și grația în imaginile sale. Sunt masive, carismatice și creează un efect tactil, în timp ce toate se disting prin grație și frumusețe ideală. Să descriem această lucrare. Amenda. Poate cel mai important este ciclul de nouă scene din Cartea Genezei, situat în centrul tavanului. Ele sunt separate unele de altele prin rame arhitecturale, care sunt create doar cu o perie, dar în același timp arată foarte realiste. Nu seamănă deloc cu tablouri. Ciclul începe cu crearea lumii. Aici Dumnezeu separă lumina de întuneric. Îmi place scena asta. Aici Dumnezeu este chiar la începutul creației. Pe o parte a ei este lumină, iar pe cealaltă este întunericul nopții. Aceasta este împărțirea inițială a elementelor și ordonarea Universului. Acum trecem la crearea lui Adam și apoi a Evei. Aceasta este o separare a sexelor. Creația oamenilor, coroana creației divine. Și apoi căderea oamenilor. Într-un fel, aceasta este separarea binelui și a răului. Neascultarea față de Dumnezeu are ca rezultat expulzarea lui Adam și Eva din Paradis. Ultimele scene ale ciclului sunt episoade din viața lui Noe. Deci, toate aceste scene sunt preluate din prima carte a Bibliei, din Cartea Genezei, ceea ce este foarte interesant pentru că aceasta este o biserică catolică, dar nu vedem chipul lui Hristos, ci doar imagini ale evenimentelor din Vechiul Testament care a precedat venirea Lui. Dar prezența lui Hristos este încă simțită. Venirea lui Hristos este necesară nu numai din cauza căderii lui Adam și a Evei. Dacă te uiți cu atenție, de ambele părți ale scenelor centrale vom vedea profeți și sibile care au prezis venirea Mântuitorului neamului uman. Imaginea savilei libiene pe care o vedem în fața noastră este incredibil de frumoasă. Sibilele sunt ghicitori în cultura antică păgână, capabile să prevadă viitorul. Conform tradiției catolice, ei au prezis venirea lui Hristos. Aruncă o privire la Sibila libiană. Observați puterea corpului ei și grația care îi marchează mișcările. Există un sentiment de potențial în poziția ei, cu degetul stâng abia atingând solul. Se pare că ea se mișcă de fapt și ar putea fi pe cale să se ridice. Toate figurile se disting prin realism și dramatism, în special imaginea Sibilei libiene. Corpul ei este descris într-o ipostază aproape imposibilă. Michelangelo și-a conturat fiecare mușchi al spatelui și știm că șef a pozat pentru el când a creat această imagine. Sunt doar fascinat de schema de culori. Când am început să-l studiez pe Michelangelo, am vorbit doar despre liniile și formele sculpturilor sale, dar după ce am curățat cu atenție frescele Capelei Sixtine de diferite straturi, am văzut culorile originale în strălucirea, rafinamentul și rafinamentul lor. Vedem tonuri de violet, auriu, portocaliu, albastru și verde. Sibyl se întoarce. Se pare că ține în mâini o carte de profeții, iar fața ei este plină de încredere și cunoaștere. Ea înțelege cu toată claritatea că Hristos va veni cu siguranță. Pe elementele imaginilor arhitecturale care încadrează frescele centrale pe patru laturi, vedem figuri masculine goale. Cred că este important să înțelegem că Michelangelo nu a pictat doar fresce individuale, ci a creat o lucrare extrem de complexă, coerentă, formată din mai multe niveluri tematice. De exemplu, Sibila libiană pare să stea printre clădirile arhitecturale. Lângă ea sunt figuri de bronz. Mai departe pe antevolturi sunt reprezentate și alte figuri, care par să se dizolve într-o oarecare distanță iluzorie. Vedem apoi sculpturi în relief pe elemente arhitecturale de ambele părți ale ei, iar deasupra lor sunt figuri masculine goale. Era vremea renașterii sculpturii antice a Greciei și Romei antice, iar Michelangelo a fost la Roma, el a fost la Vatican. Aceasta este Înalta Renaștere. Este interesant de comparat optimismul, grația și noblețea care pătrund imaginile de pe tavan cu figurile cu aspect întunecat și sumbru pe care Michelangelo le-a creat zeci de ani mai târziu pe peretele din spate, unde este înfățișată scena Judecății de Apoi. Dreapta. Există o mare diferență între picturile pe tavan pe care Michelangelo le-a finalizat în 1512 și frescele ulterioare ale Judecății de Apoi. Reforma protestantă a început și biserica era sub amenințare. Lumea lui Michelangelo a fost distrusă, dar când ne uităm la tavan, vedem, dimpotrivă, optimismul și toată puterea intelectuală și emoțională caracteristică Înaltei Renașteri, care s-a inspirat din tradițiile artei antice pe care le-a recreat. A fost o perioadă de mare speranță care a umplut toate aceste cifre. Și nu uitați că foarte aproape, în același timp, Rafael picta fresce în palatul papal. Aceasta a fost o perioadă specială în Roma. Subtitrări de către comunitatea Amara.org

Istoria creației

Marea Capelă Papală, construită la Vatican între 1477 și 1480 de Papa Sixtus al IV-lea, a fost destinată găzduirii unor evenimente importante, inclusiv conclave. Pereții Capelei Sixtine au fost pictați de cei mai renumiți pictori de la sfârșitul secolului al XV-lea, inclusiv Botticelli, Ghirlandaio și Perugino, partea stângă a fost dedicată poveștii lui Moise, dreapta - scenelor din viața lui Hristos, partea inferioară. nivelul a fost decorat cu fresce înfățișând tapiserii care înfățișează regalii papale și steme ale familiei della Rovere. Bolta cilindrică a capelei a fost decorată după moda vremii sub cerul înstelat de către artistul Piermatteo d'Emilia. În mai 1504, pe bolta capelei a apărut o crăpătură, iar Sixtina a fost închisă timp de șase luni pentru reconstrucție. Bramante a consolidat peretele sudic al structurii, iar sub arcul acesteia au fost instalate tije. Tavanul crăpat al capelei a fost reparat cu cărămizi și mortar de var. Papa Iulius al II-lea, nepotul lui Sixtus, a dorit ca bolta capelei să fie redecorată.

În primăvara anului 1506, Michelangelo și papa au avut un dezacord major cu privire la proiectul grandios al mormântului papal, căruia maestrul i-a dedicat mult efort și cu care avea așteptări mari. Iulius al II-lea a refuzat să plătească marmura cumpărată de Michelangelo pentru statuile mormântului. Artistul furios a părăsit Roma și abia după apeluri repetate s-a întâlnit cu Papa și i-a cerut iertare. Cu toate acestea, nu s-a mai vorbit despre continuarea lucrărilor la mormânt. Potrivit lui Vasari, Bramante, un nedoritor al lui Michelangelo, temându-se că sculptorul nu va duce la bun sfârșit proiectul și va eclipsa pe toată lumea cu el, l-a convins pe Julius că era de rău augur să construiască un mormânt în timpul vieții sale. Bramante a propus să-i încredințeze pictura bolții capelei lui Michelangelo, probabil sperând că el, care nu pictase niciodată o frescă, nu va putea face față sarcinii. Potrivit unei alte versiuni, papa însuși a vrut să-i încredințeze lui Michelangelo lucrul în capelă, prietenul său, florentinul Piero di Jacopo Rosselli, i-a scris artistului despre acest lucru la 10 mai 1506. Bramante s-a îndoit de Michelangelo, deoarece nu avea suficientă experiență în astfel de lucrări, iar Rosselli a susținut onoarea compatriotului său. Această scrisoare respinge opinia răspândită printre biografii lui Michelangelo conform căreia Bramante a fost cel care a supus ideea papei, dorind să-și discrediteze rivalul.

Michelangelo ar fi putut să se familiarizeze cu tehnica frescei în atelierul lui Ghirlandaio, unde a studiat în jurul anilor 1487-1488. În acea perioadă, Ghirlandaio lucra la frescele din Capela Tornabuoni din biserica florentină Santa Maria Novella. Cu toate acestea, de mulți ani Michelangelo nu a practicat-o, lucrând mai degrabă ca sculptor decât ca pictor. O singură dată a trebuit să participe la un fel de concurs cu Leonardo da Vinci: ambii artiști au fost însărcinați să picteze sala Marelui Sfat (Salonul celor Cinci Sute) a Palatului Signoria din Florența cu fresce. Cartonul pentru fresca Bătălia de la Cascina a lui Michelangelo a fost larg admirat și a servit ca instrument de predare pentru alți artiști timp de mulți ani. Cu toate acestea, Michelangelo nu a început niciodată să picteze Sala Marelui Sfat.

Cu toate acestea, Michelangelo s-a angajat să finalizeze comanda, vrând probabil să arate că nu se va retrage din dificultăți și nu se va teme de inevitabilele comparații cu marii maeștri florentini, alături de care s-a format ca artist. Totul indică faptul că Michelangelo a acceptat însărcinarea nu atât de reticentă și sugerează că a considerat acest ordin de la papă ca un mijloc de a-și dovedi priceperea. Acordul a fost încheiat la Roma între martie și aprilie 1508, iar la 10 mai a aceluiași an, Michelangelo a primit primul depozit, „pentru lucrarea pe care o încep astăzi”, era vorba despre desene pregătitoare, întrucât asistenții necesari pentru a lucra direct. pe frescă se cereau doar toamna.

Primele luni au fost ocupate cu elaborarea desenelor și cartonașe pregătitoare, construcția de schele și pregătirea suprafețelor pentru pictură, care a fost întreprinsă de maestrul Piero Rosselli. La 10 iunie 1508, lucrările la capelă începuseră deja, deoarece maestrul de ceremonii papal, Paris de Grassis, a consemnat că a avut loc o cădere de mortar de ipsos în timpul liturghiei.

Pentru a lucra la boltă, Michelangelo avea nevoie de schele care să nu interfereze cu slujbele din capelă. Prima schelă a fost proiectată de Bramante, care a propus agățarea punții folosind cabluri atașate de tavan. Dezavantajul acestei metode a fost că pentru schele era necesară perforarea în boltă, care ar putea distruge tavanul, iar după terminarea lucrării ar fi imposibilă repararea acestora.

Michelangelo a construit schele „zburătoare” - o pardoseală susținută de suporturi montate prin mai multe orificii mici din pereți, în apropierea vârfului ferestrelor. Acest tip de schele, o adaptare a unui design binecunoscut, a făcut posibilă lucrul imediat pe toată lățimea arcului. Deoarece pardoseala era susținută de grinzi care erau fixate în pereți, nu era nevoie de suporturi amplasate pe podea, care economiseau lemnul și nu interferau cu utilizarea capelei. Potrivit studentului și biografului lui Michelangelo, Ascanio Condivi, un paravan de material a fost întins sub schele pentru a preveni căderea vopselei și a mortarului. Sigilate grosier cu tencuială și găuri nevopsite la baza lunetelor, în care erau fixate grinzile, au supraviețuit până în zilele noastre. Nu sunt vizibile de jos din cauza proiecțiilor cornișei. Aceste orificii au fost din nou folosite pentru fixarea schelei la ultima restaurare a boltii capelei din 1980-1984, dar grinzile nu mai erau din lemn, ci din otel.

Contrar credinței populare că artistul a fost forțat să lucreze întins, Michelangelo a stat pe schelă cu capul dat pe spate. Iluminatul a adăugat dificultatea lucrării: lumina zilei care pătrundea prin ferestre și pardoseală era completată de lumina neomogenă a lumânărilor și lămpilor. După ce a lucrat mult timp în astfel de condiții, Michelangelo a putut citi doar mult timp ținând textul sus, deasupra capului. A supraviețuit o scrisoare către Giovanni da Pistoia, cu un sonet plin de umor care descrie chinul artistului, unde în margini s-a înfățișat în timp ce lucra în capelă. Câțiva ani petrecuți sub bolta capelei au avut un efect dăunător asupra sănătății lui Michelangelo: acesta suferea de artrită, scolioză și o infecție a urechii care s-a dezvoltat din cauza vopselei care i-a ajuns pe față.

În prima etapă a lucrării sale, Michelangelo a întâmpinat o problemă neașteptată. Intonaco, stratul de ipsos pe care se aplică vopselele în timp ce este încă umed, a început să mucegăească din cauza umidității ridicate caracteristică climatului Romei. Rapoartele lui Condivi și Vasari despre mucegaiul apărut pe frescele terminate au fost confirmate în timpul ultimei restaurări a bolții. Michelangelo a fost nevoit să doboare tabloul deteriorat și să continue să lucreze cu un mortar nou, mai rezistent la mucegai, cu mai mult nisip, sugerat de unul dintre asistenții săi, Jacopo l'Indaco. Din acel moment, noua compoziție a soluției pentru Intonaco a devenit larg răspândită în Italia.

Michelangelo a început lucrul la capătul îndepărtat al clădirii, vizavi de altar, de la ultima scenă a Beției lui Noe, îndreptându-se spre peretele altarului pe măsură ce pictura progresa. În primele trei episoade legate de Noe, figurile personajelor sunt mult mai mici, dar numărul lor este mai mare decât în ​​secțiunile dedicate istoriei creației lumii. Acest lucru se explică parțial prin tema în sine, legată de istoria omenirii, dar și prin faptul că planul artistului a suferit modificări în timpul lucrării: toate figurile din acea parte a tavanului, inclusiv profeții și Ignudi (băieți sclavi goi. ), sunt ceva mai mici decât în ​​secțiunile centrale. Pe măsură ce se îndreaptă spre peretele altarului, unde imaginile devin mai mari, Michelangelo atinge cea mai mare claritate arhitecturală a planului său. Scena, creată cronologic mai târziu decât toate celelalte, dar care este începutul întregului ciclu - „Separarea luminii de întuneric” - a fost scrisă literal „într-o suflare”, într-o zi de lucru. Artistul a făcut etapa inițială cu ajutorul unor asistenți, de exemplu, scena Potopului a fost pictată, printre alții, de Giuliano Bugiardani și Francesco Granacci. Raportul lui Vasari că într-o zi Michelangelo a venit la capelă înaintea tuturor și a încuiat ușa pentru ca nimeni să nu intre în timp ce lucra, este puțin probabil să fie adevărat. În timpul restaurării din 1980-1999, s-a descoperit că studenții l-au ajutat pe Michelangelo în crearea tuturor celor trei compoziții din povestea lui Noe. Artistul care pictează fresca nu a putut de unul singur să pregătească solul pentru pictură, să transfere desenul de pe cartonul pregătitor pe acesta sau să efectueze alte lucrări auxiliare. Michelangelo a fost probabil ajutat de mai multe persoane care au realizat imitații arhitecturale și figurine putti.

Conform Charles de Tolnay, întregul ciclu a fost creat în trei etape. Granițele stilistice convenționale ale picturii străbat bolta: prima etapă se termină cu „Sacrificiul lui Noe”, a doua cu „Creația Evei”. Presupunerea aceluiași Tolna că Michelangelo a finalizat mai întâi frescele tavanului, iar apoi, în ultimul an, lunetele și pânzele, pentru care trebuiau montate schele speciale, pare în prezent neplauzibilă. Potrivit lui Vasari, după „Crearea Evei” din 1 noiembrie 1509, schela a fost demontată pentru a fi montată în cealaltă jumătate a capelei, iar toată Roma a venit să vadă frescele care au fost dezvăluite. Aceasta a fost o oportunitate neprețuită pentru Michelangelo de a vedea compoziția de jos. Observând că panourile erau prea aglomerate, iar personajele erau ilizibile la o asemenea înălțime, a schimbat stilul de pictură: după Căderea și alungarea din ParadisȘi Creațiile Evei imaginile au devenit mai laconice, desenele au devenit mai îndrăznețe, figurile personajelor sunt mai mari, gesturile lor sunt mai simple și mai expresive. În ciuda faptului că schimbările în stilul artistului sunt evidente, luate împreună, toate scenele par armonioase. Unitatea de percepție este asigurată de o soluție coloristică folosind tonuri pure puternice, a cărei strălucire inițială a fost restabilită prin restaurarea finalizată în 1994.

În august 1510, din cauza lipsei de bani în vistieria papală, finanțarea proiectului a fost suspendată. Iulius al II-lea a părăsit Roma pentru a lua parte la ostilități: în septembrie, Michelangelo i-a scris tatălui său că papa este departe și nu a lăsat un ordin de plată pentru munca prestată și un avans pentru a doua parte. Câteva săptămâni mai târziu, artistul s-a dus la Bologna pentru a-l găsi pe papa, s-a întors la Roma abia în decembrie, fără să-l vadă pe Iulius;

Abia în iunie 1511 papa s-a întors la Roma și a forțat ca podeaua să fie demontată pentru a vedea rezultatul. Potrivit lui Paris de Grassis, între 14 și 15 august 1511, de sărbătoarea Adormirii Maicii Domnului, căreia îi este dedicată capela, papa a venit la capelă pentru a vedea pictura bolții. În ultimul an de lucru, Iulius al II-lea l-a forțat pe Michelangelo să grăbească finalizarea acesteia, artistul a lucrat într-un ritm frenetic. Frescele care completează ciclul sunt executate fără prea multe detalii, mai generalizate, dar nu mai puțin impresionante. În octombrie 1511, Michelangelo i-a scris tatălui său că pictura capelei a fost finalizată, iar papa a fost mulțumit de munca sa.

Frescele au fost complet finalizate în toamna anului 1512, potrivit aceluiași Vasari, papa credea că sunt prea puține culori albastre și aurii pe tavan, iar frescele păreau „sărace”. Michelangelo a răspuns la observația pontifului că bolta înfățișează oameni sfinți, iar aceștia nu erau bogați. Înregistrările Parisului de Grassis notează că la 31 octombrie 1512 a avut loc inaugurarea capelei.

Dezvoltarea programului de artă

Papa Iulius a vrut să vadă picturi cu grotescuri, care au devenit la modă după descoperirea unor grote romane antice de pe Dealul Esquilin. Proiectul original includea imagini cu Isus deasupra intrării principale și de-a lungul marginii tavanului în douăsprezece triunghiuri - apostolii (în versiunea finală, locurile lor au fost luate de profeți). Partea centrală urma să fie umplută cu desene geometrice. Michelangelo însuși a scris despre asta mult mai târziu, în 1523, într-o scrisoare către Gian Francesco Fattucci. Din proiectul original s-au păstrat două desene pregătitoare: unul, înfățișând fragmente din figurile apostolilor, se află în prezent la British Museum, celălalt, cu compoziții decorative pentru nișe - în.

Dintr-o scrisoare din 1523 se știe că Michelangelo a obținut de la papă ocazia de a extinde iconografia la cererea sa, declarând că frescele cu apostolii erau „un sărac”, deoarece apostolii înșiși erau săraci. Trebuie avut în vedere că această scrisoare a fost scrisă mulți ani mai târziu, când cei care puteau infirma sau confirma cuvintele lui muriseră deja.

Pentru noul program de frescă a fost aleasă o poveste despre „prima vârstă” a istoriei lumii - ante legem(înainte de darea Legii lui Moise). Nu există informații despre dacă artistul a fost încredințat în totalitate cu dezvoltarea programului de pictură, poate că a primit consultații de la teologi: franciscanul Marco Viggero și predicatorul Egidio da Vitebro; Noul program de pictare a bolții a făcut o legătură cu frescele de pe pereții laterali ai capelei – de la povestea lui Moise până la viața lui Hristos. Zona de lunete și triunghiuri de deasupra ferestrelor - zona inferioară a frescelor bolții - este dedicată temei omului pământesc și strămoșilor lui Hristos; zona de mijloc - profeți și sibile, care posedă cunoștințe speciale, înțelegere a divinității, care au prezis venirea Mântuitorului. Brâul central al bolții include nouă episoade din Cartea Genezei, de la povestea creării lumii până la beția lui Noe. Nouă scene, câte trei în fiecare grup, explorează temele Dumnezeului creator înainte de crearea omului, Dumnezeu și om în paradis și om alungat din paradis. Pe cele patru cofraje boltite din colturile capelei sunt prezentate povestiri din Vechiul Testament despre mantuirea poporului Israel. În versiunea finală, imaginile profeților, sibilele, Ignudi (gol) fac ecou figurile din primul proiect pentru mormântul Papei Iulius.

Probabil, la elaborarea programului iconografic s-a ținut cont de semnificația transeptului, care împarte spațiul în sacru și laic. În timp ce Michelangelo lucra la pictură, el era mai aproape de altarul de sub granița dintre scene CăderiȘi Creațiile Evei. Centrul bolții este ocupat de compoziție Crearea Evei- conform dogmei creştine, a doua Eva, cea „imaculată”, chemată să îndrepte faptele Evei păcătoase, este Fecioara Maria, care personifică şi biserica. Astfel, în capela cu hramul Fecioarei Maria se descoperă convergența Evei – Maria – Biserică.

Imitarea formei arhitecturale

Capela Sixtină este o clădire dreptunghiulară cu o lungime de 40,5 m și o lățime de 14 m. Înălțimea capelei este de 20 de metri. Pereții capelei sunt împărțiți pe trei niveluri orizontale, cu șase ferestre pe fiecare parte în rândul superior. Încă două ferestre, situate în peretele altarului, au fost sigilate când Michelangelo a pictat fresca „Judecata de Apoi”. Pânze mari susțin bolta. Sinusurile bolții, formate din pânzele de deasupra fiecărei ferestre, sunt îndreptate cu vârfurile spre boltă. Oarecum deasupra nivelului pânzelor, tavanul este rotunjit lin. Artistul Piermatteo d'Emilia a decorat tavanul cu un cer nocturn presărat cu stele, precum bolta Capelei Padova del Arena, pictată de Giotto. Pictura lui Michelangelo nu seamănă cu niciuna dintre picturile pe tavan care au fost realizate la sfârșitul secolului al XV-lea - începutul secolului al XVI-lea de către artiștii italieni. Pinturicchio (plafondurile corului Bisericii Santa Maria del Popolo și ale Bibliotecii Piccolomini), Perugino (Collegio del Cambio), Rafael (Stanza della Segnatura) - au conferit bolții un caracter plat, care a fost sporit de utilizarea pe scară largă a auririi. . Michelangelo avea de-a face cu o cameră de dimensiuni mai impresionante, ceea ce l-a obligat să ia o altă cale pentru a rezolva problema. Michelangelo a transformat arhitectura actuală a capelei folosind tehnici iluzionistice. În prezent, bolta tavanului dă impresia unei structuri arhitecturale grandioase, a cărei decorație bogată nu copleșește, ci creează impresia că este îndreptată în sus.

Pentru a spori expresivitatea arhitecturală, Michelangelo a spart suprafața monotonă în compartimente folosind elemente false (nervuri, cornișă, pilaștri) realizate prin tehnica trompe l'oeil, subliniind linia de îndoire a bolții. Zece nervuri de travertin, care traversează tavanul, îl împart în zone în care se desfășoară narațiunea principală a ciclului, creează o „grilă” în care fiecărui personaj i se atribuie un loc specific; Cornișa care ocolește tavanul, subliniind linia de conjugare a suprafețelor curbilinii și orizontale ale bolții, separă scenele biblice de figurile profeților, sibilelor și strămoșilor lui Hristos. Decorul bolții repetă imaginea unei ghinde - simbol al familiei della Rovere, căreia i-au aparținut Sixtus al IV-lea și Iulius al II-lea. Un alt motiv este scoica, unul dintre simbolurile Madonei, probabil că i-a fost dedicată o capelă în 1483. Majoritatea figurilor din această arhitectură iluzionistă au probabil doar semnificație decorativă. Acestea sunt perechi de putti „marmură” pe console care susțin nervurile; capete de piatră de berbeci în vârfurile bolților; figuri goale în ipostaze bizare, plasate între sinusuri și coaste ca niște suporturi de cărți vii; și putti mari ținând tăblițe cu nume de profeți și sibile. Deasupra cornișei, vizavi de micile panouri centrale, există scuturi rotunde, sau medalioane. Ei sunt susținuți de douăzeci de tineri goi, Ignudi, care stau pe socluri, sprijinite pe o cornișă falsă. Configurația capelei a împiedicat alegerea unui punct de vedere central căruia să fie subordonată întreaga imagine, așa că Michelangelo a pictat figurile frontal, indicând doar puțin curba tavanului. O unitate structurală ireproșabilă a fost realizată grație arhitecturii iluzionistice, clar calibrate, cu ritm accentuat, poziție în spațiu a personajelor, în special a celor care nu sunt implicați în scenele narative: Ignudiși profeți și sibile.

Tehnica picturii

Întrucât Michelangelo a lucrat în tehnica affresco, în fiecare zi era așezat un strat de tencuială într-o astfel de zonă încât artistul să poată înregistra într-o zi, rata zilnică a frescei se numea zi. Stratul de tencuială neacoperit cu vopsea a fost îndepărtat, marginile au fost tăiate oblic spre exterior, curățate și s-a tencuit o nouă giornata peste fragmentele deja finisate. Limitele sub formă de mici îngroșări (vultas) între giornate rămân întotdeauna ușor vizibile și fac posibilă studierea progresului procesului de pictură. Era o practică obișnuită ca artiștii să transfere pe tencuială un desen realizat pe carton în mărime naturală - multe fresce au încă mici perforații de-a lungul contururilor figurilor. În prima etapă a lucrării sale, Michelangelo a folosit metoda tradițională de a transfera desenul prin pulverizarea acestuia cu cărbune prin perforații în carton. În a doua parte a picturii, el a desenat un desen pe tencuială cu un stilou ascuțit. Aceste linii au fost bine studiate în timpul ultimei restaurări folosind iluminare laterală. Michelangelo, la aplicarea vopselei, uneori a depășit contururile dorite și a pictat adesea cu degetele, fără a apela la o pensulă. În imaginile strămoșilor lui Hristos de pe lunete nu există urme ale folosirii cartonului pregătitor: artistul a aplicat contururile desenului cu o pensulă direct pe intonaco. În unele zone ale suprafeței sunt vizibile schițe impulsive realizate de mâna lui, în altele - urme ale rețelei cu care a transferat desenul dintr-o schiță în miniatură. Michelangelo a pictat pe tencuială udă, folosind o tehnică de spălare pentru a acoperi zone largi cu culoare, apoi, după ce suprafața s-a uscat, a trecut din nou peste acele zone, adăugând nuanțe și detalii. Pentru a descrie suprafețele texturate, cum ar fi părul facial sau granulația lemnului, a folosit o perie largă cu peri rari.

Tema principală a ciclului este doctrina despre nevoia umanității de Mântuire, dată de Dumnezeu prin Isus. O metaforă vizuală a nevoii ca omenirea să fie în armonie cu Dumnezeu. Vechiul Testament (povestea lui Moise) și Noul Testament (povestea lui Hristos) sunt prezentate în frescele pereților capelei, create cu un sfert de secol înainte ca Michelangelo să înceapă lucrările la tavan. Încărcătura narativă principală este plasată în partea centrală a bolții, unde sunt situate nouă scene din Cartea Genezei - patru fragmente mari reprezintă episoade: Crearea de lumini și planete, Crearea lui Adam, Căderea și alungarea din Paradis, Potop. Aceste scene alternează cu panouri mai mici: Separarea luminii de întuneric, Separarea terenului de ape, Crearea Evei, Sacrificiul lui NoeȘi beția lui Noe. La colțurile panourilor mici sunt figuri de tineri goi, proporționați ideal, Ignudi, frumusețea trupurilor lor este lauda a ceea ce a creat Creatorul. Scenele principale sunt încadrate de figurile a doisprezece bărbați și femei - profeți și sibile. În lunetele de deasupra ferestrelor capelei se află numele strămoșilor lui Hristos, inscripțiile fiind însoțite de imaginile acestora. Și mai sus, în sinusurile triunghiulare ale bolților sunt reprezentate opt grupuri de oameni care nu sunt identificați cu anumite personaje biblice. Ciclul este completat de patru scene de salvare în cofrajele de colț ale bolții, fiecare ilustrând o poveste biblică dramatică: Judith și Holofernes, David și Goliat, Șarpe de aramă, pedeapsa lui Haman. Ciclul vorbește despre crearea de către Dumnezeu a Lumii frumoase și a omului, căderea omului în păcat și despărțirea lui de Dumnezeu. Istoria omului a continuat în păcat și rușine, pentru care a urmat pedeapsa - Marele Potop. Prin David și Avraam, strămoșii lui Isus Hristos, Dumnezeu a trimis salvatorul omenirii. Venirea Mântuitorului a fost prezisă de profeții lui Israel și de sibilele lumii antice. Diverse componente ale picturii sunt asociate cu această doctrină creștină. În mod tradițional, Vechiul Testament a fost perceput ca o paralelă cu Noul Testament. Episoadele și personajele Vechiului Testament erau de obicei asociate simbolic cu viața lui Isus sau cu cele mai importante sacramente ale creștinismului: botezul, Euharistia. De exemplu, Iona, adesea descris cu atributul său de pește mare, a fost asociat în mod obișnuit cu suferința lui Isus și cu chemarea lumii la pocăință. În același timp, pictura tavanului arată cu siguranță un angajament față de idealurile renascentiste, poate chiar o dorință de a reconcilia creștinismul cu filozofia umanismului. În secolul al XV-lea în Italia, și în special în Florența, unde exista o pasiune puternică pentru literatura clasică și învățăturile lui Platon, Socrate, combinația dintre filozofia antică și doctrinele creștine a fost o idee populară. În tinerețe, Michelangelo a fost educat la Academia Platonică, fondată de familia Medici din Florența. Era familiar cu lucrările sculpturale timpurii de inspirație umanistă, cum ar fi David de bronz al lui Donatello, la care David de marmură al lui Michelangelo, instalat în piața Palazzo Vecchio, casa de consiliu din Florența, a fost un răspuns. În frescele bolții Capelei Sixtine, Michelangelo a prezentat două căi - creștină și umanistă, care nu se contrazic. Iconografia picturii a avut diverse interpretări în trecut, dintre care unele sunt puse sub semnul întrebării de către cercetătorii moderni. Până acum, nu a fost posibilă identificarea completă a figurilor din lunetele și osiile bolților. Sursa scrisă, dacă există, a programului teologic al picturii nu a fost încă determinată. Rămâne întrebarea dacă artistul a dezvoltat în mod independent iconografia bolții, de asemenea, cercetătorii se întreabă în ce măsură starea spirituală și psihologică a lui Michelangelo a fost reflectată în această lucrare.

Nouă scene din Cartea Genezei

Secțiunea principală a ciclului este formată din nouă scene din Cartea Genezei, prima carte a Bibliei. Picturile sunt împărțite în trei grupuri de scene mari și mici alternând. Tema primului grup de imagini este creația de către Dumnezeu a Cerului și a Pământului. A doua este crearea primului bărbat și a primului femeie, Adam și Eva, căderea lor în păcat și izgonirea lor din Paradis. Al treilea sunt încercările care se abat asupra umanității. Aranjarea scenelor în cadrul celor trei grupe tematice este incompatibilă cu cronologia. Grupurile sunt construite după canoanele unui triptic medieval, când panoul central povestește evenimentul principal, iar picturile care îl încadrează completează povestea. Secvența episoadelor este structurată astfel încât privitorul care stă la intrarea în capelă începe să privească scenele de pe peretele altarului. Acest lucru este greu de observat atunci când ne uităm la o reproducere a picturii, dar devine evident când vizitați direct capela.

Crearea Cerului și a Pământului

Trei episoade ale Creației ilustrează primul capitol din Geneza. Ciclul începe în prima zi: Dumnezeu creează lumina și separă lumina de întuneric. Evenimentele din următoarea, a doua zi - separarea pământului de ape, cu încălcarea cronologiei, au fost incluse în a treia scenă. În fresca centrală a grupului, cea mai mare dintre cele trei, Creatorul este înfățișat de două ori. În a treia zi, Dumnezeu creează Pământul și vegetația, în a patra - luminarii (Soarele și Luna) pentru a controla noaptea și ziua, timpul și anotimpurile anului. Conform Cărții Genezei, în a cincea zi Dumnezeu a creat lumea animală, dar Michelangelo a omis această parte a narațiunii.

Cele trei scene, finalizate la ultima etapă a picturii, sunt cele mai dinamice dintre toate frescele de boltă. Despre primul episod, Vasari spune că „... Michelangelo l-a înfățișat pe Dumnezeu, în toată măreția sa, despărțind Lumina de Întuneric, felul în care se înalță cu brațele întinse, iar aceasta a arătat toată dragostea și priceperea lui”.

În mod tradițional, culoarea albastră a fost folosită pentru a reprezenta hainele lui Dumnezeu. Cu toate acestea, Iulius al II-lea a alocat o sumă insuficientă pentru achiziționarea de ultramarin, iar lapislazuliul mai puțin costisitor a fost folosit în pictura secco, ceea ce era inacceptabil pentru Michelangelo, care a lucrat în tehnica frescă pură. Artistul a ieșit din situație alegând o culoare roșiatică-liliac pentru hainele Creatorului, care nu apare aproape niciodată în restul ciclului.

Adam si Eva

Michelangelo a dedicat centrul tavanului poveștii lui Adam și Eva. În acest bloc de imagini, două fragmente mari flanchează unul mic. Primul episod din grupul central - Crearea lui Adam- una dintre cele mai cunoscute imagini din istoria picturii mondiale. Michelangelo a creat o iconografie complet nouă, alegând momentul în care Dumnezeu ajunge la Adam care se trezește, dându-i viață. Motivul central al compoziției sunt două mâini întinse. Mișcarea energetică a Creatorului, înconjurată de alaiul său, este subliniată de poziția neobișnuit de armonioasă a primului om de pe Pământ. Vasari, descriind fresca, a spus despre Adam că el dă impresia că este cu adevărat creat de Dumnezeu și nu pictat „cu pensula și după design uman”. Opiniile cercetătorilor diferă cu privire la cine reprezintă figura feminină în alaiul Creatorului. Unii sunt înclinați să o vadă pe Maria în ea, dar această presupunere este îndoielnică. Potrivit altora, aceasta este Eva, a cărei apariție a fost deja plănuită de Creator. Există, de asemenea, o ipoteză că imaginea înțelepciunii divine (Sophia), prezentă în timpul creării lumii de către Dumnezeu, este vorbită în Proverbele biblice (8:23, 27-31) și în „O City of God” (Cartea) a lui Augustin. IX, art. IV). Potrivit lui Leo Steinberg, în stânga jos în umbră se află Lucifer și Belzebul, care au refuzat să admită că Adam a fost coroana creației Creatorului. Potrivit aceluiași Steinberg, Creatorul se sprijină cu mâna stângă pe pruncul Hristos, însă această ipoteză nu este susținută de alți cercetători. Pliul dublu al mantiei, care acoperă întreaga suită divină, joacă rolul graniței dintre Hristos și Lucifer.

Tema scenei centrale, în care Dumnezeu o creează pe Eva din coasta Adamului adormit, a fost preluată din al doilea capitol al Cărții Genezei, care descrie o ordine ușor diferită a Creației. Michelangelo repetă compoziția reliefului „The Creation of Eve” de Jacopo della Querci, din cadrul ușilor Bazilicii San Petronio din Bologna. Artistul a studiat lucrările lui della Querci în tinerețe.

În imaginea finală a poveștii lui Adam și Evei, Michelangelo leagă două scene: Căderea și Alungarea din Paradis. În stânga se află Eva, care acceptă cu încredere fructul din mâna Şarpelui, iar Adam, alegând cu nerăbdare fructul pentru sine; în dreapta - un înger cu o sabie îi alungă din Paradis, într-o lume în care și-au pierdut tinerețea veșnică și nemurirea.

Povestea lui Noe

Ca și în primul triptic, succesiunea picturilor din povestea lui Noe (subiecte preluate din capitolele șase, șapte și noua din Geneza) este mai degrabă tematică decât cronologică. Primul panou cu jertfa lui Noe a fost considerat în mod eronat de Vasari ca fiind jertfa lui Cain și Abel. În mod tradițional, se crede că tema frescei este sacrificiul familiei lui Noe după evadarea cu succes din Marele Potop, care a distrus restul umanității.

Imaginea Potopului este esențială pentru povestea lui Noe. În timp ce oamenii disperați se îndreaptă spre o bucată de pământ neacoperită de apă, chivotul în care este salvată familia lui Noe este vizibilă în fundal. Acest panou are cel mai mare număr de personaje în comparație cu restul frescelor.

Scena finală beția lui Noe. După ce a aterizat pe uscat, Noe crește struguri. Noe care lucrează pământul este prezentat în fundal din stânga. După ce a făcut vinul, îl bea și adoarme gol. Fiul său cel mic, Ham, le arată în batjocură pe tatăl său celor doi frați ai săi, Sem și Iafet. Copiii mai mari îl acoperă cu respect pe Noe cu o mantie. Ham a fost blestemat de Noe, urmașii lui au trebuit să slujească descendenților lui Sem și Iafet. Trei imagini din povestea lui Noe simbolizează calea lungă parcursă de la creația divină la omul păcătos. Cu toate acestea, prin Sem și descendenții săi, israeliții, trebuie să vină mântuirea în lume.

Scuturi

Alături de mici scene biblice, susținute Ignudi există zece scuturi ceremoniale rotunde, uneori descrise ca imitație de bronz. Sunt cunoscute exemple de scuturi similare de la începutul secolului al XVI-lea, realizate din lemn, aurite și lăcuite. Fiecare dintre scuturile din capelă înfățișează un complot din Vechiul Testament sau din Cartea Macabeilor. Au fost selectate cele mai dificile episoade ale istoriei, singura excepție pare să fie luarea lui Ilie la cer într-un car de foc, la care a asistat profetul Elisei.

Subiectele scuturilor (medalioane):

• Avraam pe cale să-și sacrifice fiul Isaac
• Distrugerea idolul lui Bhaal
• Uciderea slujitorilor lui Baal
• Uciderea lui Urie
• Preotul Natan îl condamna pe regele David pentru crimă și adulter
• Moartea lui Absalom
• Ioab s-a apropiat de Abner să-l omoare
• Uciderea lui Joram
• Înălțarea lui Ilie
• Imaginea de pe medalion este parțial pierdută

În patru dintre cele mai elaborate cinci „medalioane”, spațiul este aglomerat cu figuri care se luptă, similare cu cele descrise în cartonul „Bătălia de la Cascina” a lui Michelangelo.

Utilizarea auririi pe scuturi, spre deosebire de pictura principală a tavanului, servește într-o oarecare măsură la conectarea bolții cu frescele de pe pereții capelei, unde aurul este folosit în desenul multor detalii, în special de către Perugino. Poate că Michelangelo s-a inspirat din medalioanele de pe arcul de triumf roman din povestirea lui Botticelli „Pedeapsa lui Korah, Dathan și Abyron”.

Profeți și Sibile

Pe pânzele bolților de pe ambele părți și la capetele capelei, Michelangelo a așezat cele mai mari figuri: douăsprezece personaje care personifică prevederea viitoarei Mântuiri: șapte profeți ai Israelului și cinci sibile ale lumii antice, numele lor apar pe tăblițe. sub piedestale. Profetul Iona este înfățișat deasupra altarului, profetul Zaharia este înfățișat la intrarea în capelă.

Dintre cei șapte profeți ai Israelului aleși de Michelangelo, sunt prezenți patru așa-numiți Profeți Majori: Isaia, Ieremia, Ezechiel și Daniel. Dintre cei doisprezece profeți minori, artistul a ales trei: Ioel, Zaharia și Iona. Deși profeții Ioel și Zaharia sunt considerați „nesemnificativi” din cauza numărului relativ mic de pagini pe care le ocupă în Biblie, fiecare dintre ei a rostit o profeție importantă.

Cuvintele lui Ioel: „...fiii tăi și fiicele tale vor profeți, bătrânii tăi vor visa, tinerii tăi vor avea viziuni” sunt esențiale pentru schema decorativă a ciclului de fresce a lui Michelangelo, unde bărbați și femei de toate vârstele sunt reprezentați printre cei. cu darul previziunii.

Zaharia a prezis: „Iată! Regele tău vine la tine, modest și călare pe un măgar”. Imaginea sa din capelă are un loc chiar deasupra ușii prin care Papa este purtat în procesiune în Duminica Floriilor, ziua în care s-a împlinit profeția lui Zaharia: Isus a intrat în Ierusalim pe un măgar și a fost declarat Rege.

Principala profeție a lui Iona este moartea Ninivei păgâne dacă locuitorii ei nu se pocăiesc. Cu toate acestea, acest lucru poate să nu explice plasarea imaginii sale în cel mai onorabil loc - deasupra altarului. Soarta lui Iona însuși anticipează direct suferința lui Hristos. Profetul, care nu a ascultat de Dumnezeu, a fost înghițit de o balenă și a petrecut trei zile și trei nopți în rugăciune în pântecele ei, iar după eliberarea sa, a împlinit voia Domnului, chemând la pocăință locuitorii Ninivei. Asemenea lui Iona în pântecele balenei, la fel Isus a petrecut trei zile și trei nopți pe pământ după ce a murit pe cruce. Pe bolta Capelei Sixtine, Iona, așezat lângă „peștele cel mare”, și-a îndreptat privirea către Dumnezeu, reprezentând astfel un semn al Învierii lui Hristos.

Sibilele erau profețe care trăiau în temple din întreaga lume antică. Se crede că Sibilele înfățișate de Michelangelo au prezis nașterea lui Hristos. Cuvintele Sibilei cumeane, de exemplu, citate de Virgil, care a anunțat un „nou vlăstar al Cerului” care va readuce „Epoca de Aur”, sunt interpretate ca prezic apariția lui Isus. Conform doctrinei creștine, Hristos a venit nu numai la evrei, ci și la păgâni. Implicația a fost că înainte de nașterea lui Hristos, Dumnezeu a pregătit lumea pentru sosirea lui. Când s-a născut Isus, nașterea lui era cunoscută de bogați și săraci, puternici și smeriți, evrei și neamuri. Cei Trei Magi („Magicieni”) biblici care au venit la pruncul Rege cu daruri prețioase erau reprezentanți ai popoarelor păgâne. Datorită interesului crescut pentru moștenirea lumii clasice păgâne, când oamenii de știință s-au întors de la studiul lucrărilor latine ale părinților bisericii medievale la lucrările autorilor antici, prezența personajelor din lumea păgână în Capela Sixtină este destul de firească.

Nu se știe de ce Michelangelo a plasat imagini ale acestor cinci ghicitori din zece sau douăsprezece sibile cunoscute. John O'Malley sugerează că alegerea sa bazat pe geografie: Sibilele reprezintă diferite părți ale Pământului - Africa, Asia, Grecia și Ionia.

Decaparea seifului

În fiecare dintre cele patru colțuri ale capelei, pe cofrajul curbat al bolții, Michelangelo a descris patru povești biblice care sunt asociate cu mântuirea poporului Israel de către Moise, Estera, David și Judith.

Frescele cofrajelor de boltă:

• pedeapsa lui Haman
• David și Goliat
• Judith și Holofernes

Primele două povești au fost considerate de teologii medievali și renascentişti în paralel cu Răstignirea lui Isus. În povestea lui șarpe de aramă Poporul Israel, care a cârtit împotriva lui Dumnezeu, este pedepsit cu o invazie de șerpi otrăvitori. Pentru a elibera poporul, Dumnezeu îl instruiește pe Moise să ridice un stâlp cu un șarpe de aramă. Michelangelo a ales o compoziție cu mai multe figuri, înfățișând o mulțime de oameni care mor din cauza mușcăturilor de șarpe, despărțiți de cei care au crezut și au fost mântuiți.

Panou pedeapsa lui Haman povestește despre descoperirea unei conspirații de către comandantul militar al regelui persan, care plănuia să distrugă poporul evreu („Cartea Esterei”). Compoziția panoului este construită pe principiul unui triptic: în centru se află scena principală - execuția lui Haman Regele, este încadrată de imagini ale revelației conspirației de către Estera și Artaxerxe care dă ordin.

Poveștile lui David și Judith au fost foarte populare în arta Renașterii, mai ales în rândul artiștilor florentini, deoarece tema răsturnării tiranilor era una foarte actuală în acest oraș-republică.

Ignudi

Tinerii nuzi înconjoară panouri mici din zona centrală principală a frescelor. Deși par a fi asociate cu arhitectura trompe l'oeil, semnificația lor nu se limitează la rolul decorativ sau la funcția heraldică atribuită lor de Vasari (întrucât unele dintre ele au ghirlande de frunze de stejar - o aluzie la stema della Rovere). ). Mai degrabă par a fi creaturi care se află, conform definiției lui Charles de Tolnay, „între uman și divin”. Michelangelo înzestrat Ignudi acea frumusețe care, după conceptele Renașterii, exprimată, printre altele, în celebra Oratio de hominis dignitate („Discurs despre demnitatea omului”) de Pico della Mirandola, atunci când este contemplată, generează exaltare și plasează omul, creat. după chipul și asemănarea lui Dumnezeu, în centrul Universului.

Strămoșii lui Hristos

Strămoșii lui Isus sunt așezați în lunete: conform Evangheliei după Matei, sunt patruzeci de generații în genealogia lui Hristos. Artistul s-a îndepărtat de tradiția iconografică medievală a „pomului lui Isai”, numit după Isaia, tatăl lui David. Era obișnuit, mai ales pe vitralii, să se înfățișeze un „copac”, a cărui rădăcină era Jesse mincinos. Figurile din lunette sunt aparent reprezentări ale unor familii, dar familii separate, atât la propriu - prin tăblițe cu numele strămoșilor lui Isus, cât și la figurat, reprezentând întregul spectru al emoțiilor umane. Dintre cele paisprezece lunete, cele două care au fost create probabil chiar la început, cu familiile lui Eleazar și Mathan și Iacov și Iosif, sunt cele mai detaliate.

Influențe stilistice. Predecesori și succesori

Michelangelo a fost moștenitorul tradițiilor marilor sculptori și pictori din Florența secolului al XV-lea. A studiat mai întâi sub îndrumarea lui Domenico Ghirlandaio, renumit pentru două mari cicluri de fresce din Capela Sassetti și Capela Tornabuoni, care a lucrat și în Capela Sixtină. În tinerețe, Michelangelo a fost influențat de doi dintre cei mai faimoși pictori de fresce florentini ai Renașterii timpurii, Giotto și Masaccio. Figurile lui Adam și Evei expulzați din Grădina Edenului, din fresca lui Masaccio din Biserica Santa Maria del Carmine (Capela Brancacci), au avut o influență puternică asupra reprezentărilor ulterioare ale nudului în general și, în special, asupra folosirii nudității. pentru a transmite emoția umană. Potrivit Helen Gardner, pentru Michelangelo, „corpul este manifestarea sufletului, a dispoziției și a caracterului”.

Michelangelo a fost aproape sigur influențat de opera lui Luca Signorelli, al cărui ciclu de fresce Sfârșitul lumiiîn Capela San Brizio a Catedralei din Orvieto (1499-1502) conține un număr mare de figuri nud în unghiuri complexe. La Bologna, Michelangelo a văzut reliefurile sculpturale ale lui Jacopo della Querci decorând ușile catedralei. ÎN Crearea Evei Michelangelo a repetat compoziția unuia dintre reliefurile lui della Querci. Cu toate acestea, părțile rămase ale ciclului, în special cultul Crearea lui Adam demonstrează „inovația fără precedent” a artistului. Conform definiției lui E. Cohn-Wiener, Michelangelo se îndepărtează decisiv de o imagine plată, creând o senzație de spațiu tridimensional, rupe de natura statică inerentă timpurii Renașterii, forțându-i pe eroii săi să se miște liber în ea.

Ciclul de fresce al lui Michelangelo din Capela Sixtină a avut o influență puternică asupra altor artiști chiar înainte de a fi finalizat. Vasari în „Viața lui Rafael” spune că Bramante, care avea cheile capelei, l-a lăsat pe Rafael să studieze frescele bolții în absența lui Michelangelo. Impresionat de profeții lui Michelangelo, Rafael s-a întors la fresca sa cu Isaia din biserica Sant'Agostino și, potrivit lui Vasari, deși era terminată, a pictat-o ​​din nou într-o manieră mai puternică. John O'Malley subliniază că Rafael a inclus mai devreme în „Școala din Atena” figura unui Heraclit chinuit, asemănător cu Ieremia din bolta capelei, dar cu chipul lui Michelangelo, sprijinit pe un bloc de marmură.

Soluțiile la problemele artistice găsite de Michelangelo în timp ce lucra la ciclu au fost dezvoltate în continuare în lucrările altor maeștri ai artei plastice: arhitectură iluzorie, imaginea anatomic corectă a corpului uman, construcția în perspectivă a spațiului, dinamica mișcărilor, culoare clară și puternică. . Gabriel Bartz și Eberhard König, vorbind despre Ignudi, nota: „Nu există altă imagine care să fi avut un efect atât de durabil asupra generațiilor următoare decât aceasta. De acum înainte, figuri similare au fost repetate în nenumărate lucrări decorative, în pictură de șevalet, fresce sau chiar sculptură.”

Michelangelo s-a întors la Capela Sixtină 25 de ani mai târziu pentru a picta „Judecata de Apoi” pe peretele altarului, reinterpretând povestea sfârșitului lumii. În această frescă colosală, în care personaje disperate sunt prinse într-un vârtej gigantic, al cărui centru este figura puternică a lui Hristos, nu mai există eroismul Renașterii, aceasta este povestea unui om frânt, deprimat, sfârșitul Iluzii renascentiste. Printre artiștii a căror opera a fost influențată semnificativ de Michelangelo se numără Pontormo, Andrea del Sarto, Rosso Fiorentino, Correggio, Tintoretto, Annibale Carracci, Paolo Veronese și El Greco.

Restaurarea frescelor capelei (1980-1999)

În 1543, a fost introdusă funcția oficială de „curățător” al frescelor Capelei Sixtine. În 1565, din cauza tasării, o parte din panou Sacrificiul lui Noe sfărâmat. Trei ani mai târziu, Domenico Carnevali a restaurat fragmentul deteriorat al frescei, această zonă devenise foarte întunecată în timp. Lucrări de restaurare au fost efectuate și în anii 1625, 1710, 1903-1905 și 1935-1936. Au existat încercări de curățare a frescelor de straturi de praf și funingine. În 1710-1713, unele zone care își pierduseră culoarea au fost repictate. În 1795, din cauza exploziei arsenalului din Castelul Sant'Angelo, o parte a unui panou s-a prăbușit Potop, a rămas nerestaurată. Pictura din tavan, întunecată de funingine, i-a făcut la un moment dat pe cunoscătorii de artă să vorbească despre „marele colorist” și artist „lumbru” Michelangelo, a cărui pictură și-a luat „monotonia de marmură” din sculptură. Totuși, așa cum a arătat restaurarea finalizată în 1994, soluția coloristică a ciclului cu culori strălucitoare și puternice a anticipat descoperirile celor mai buni maeștri ai manierismului. Sub straturile îndepărtate de restauratori, care au făcut pictura aproape monocromă, s-au dezvăluit adevăratele culori ale lui Michelangelo. Cu toate acestea, rezultatele lucrărilor efectuate asupra frescelor au fost percepute în mod ambiguu: criticii lor susțin că Michelangelo a elaborat detaliile picturii și umbrele uscate, iar această parte a scrisorii autorului a fost îndepărtată irevocabil împreună cu murdăria.

Ultima restaurare a frescelor Capelei Sixtine a avut loc din iunie 1980 până în decembrie 1999. Pereții și mai ales tavanul capelei erau acoperiți cu funingine de lumânare, lunetele au fost și ele influențate de gazele de eșapament și erau mult mai murdare decât restul picturii. Grupul de restauratori a fost format din doisprezece specialiști, printre care: Gianluigi Colalucci, Maurizio Rossi, Piergiorgio Bonetti, Bruno Baratti și alții. Înainte de începerea lucrărilor, în 1979, au fost efectuate cercetările necesare, testarea și căutarea unui solvent adecvat. Prima etapă, lucrările la frescele lunetelor, a fost finalizată în octombrie 1984. În etapa următoare, pictura din tavan a fost restaurată (terminată în decembrie 1989), apoi „Judecata de Apoi”. Frescele restaurate au fost sfințite de Papa Ioan Paul al II-lea la 8 aprilie 1994, în timpul unei slujbe solemne. În etapa finală, care s-a încheiat oficial pe 11 decembrie 1999, au fost restaurate frescele pereților capelei pictați de Botticelli, Ghirlandaio, Perugino și alți artiști.

În ianuarie 2007, Muzeele Vaticanului, unde tavanul Capelei Sixtine este cea mai atrăgătoare expoziție, au avut o medie de 10.000 de vizitatori pe zi. Vaticanul, temându-se că frescele nou restaurate vor fi deteriorate pentru a reduce numărul de vizitatori, a anunțat planuri de a scurta orele de vizită și de a crește taxele de intrare.

Note

1. , p. 20.
2. , p. 38-87.
3. , p. 92-148.
4. Zuffi S. Renașterea secolului XV. Quattrocento / Rep. ed. S. S. Baicharova, traducere din italiană de S. I. Kozlov. - Moscova: Omega, 2008. - P. 202. - 384 p. - (Epoci artistice). - 3000 de exemplare. - ISBN 978-5-465-01772-5.
5. , Cu. 8.
6. , p. 126.
7. , Cu. 8-9.
8. , p. 24.
9. Potrivit lui Vasari, el l-a nominalizat pe Rafael în locul lui însuși Ascanio Condivi vorbește și despre rezistența lui Michelangelo. Înainte de Michelangelo, pictura tavanelor era considerată o muncă minoră, cu prioritate scăzută.
10. , p. 147.
11. , p. 88.
12. , p. 88.
13. , p. 16.
14. , p. 220-259.
15. , Cu. 20.
16. , Cu. 32.
17. , p. 469-472.
18. , p. 55.
19. , Cu. 111.
20. , Cu. 18.
21. , p. 14.
22. , Cu. 19.
23. , p. 8.8.
24. , p. 89.
25. , Cu. 17.
26. Michelangelo: Schema pentru decorarea tavanului Capelei Sixtine (27.2.A)(Engleză) . Institutul de Arte din Detroit. Preluat la 28 aprilie 2015.

Clădirea gri, discretă, adiacentă Catedralei Sf. Petru arată destul de obișnuit, iar în aparență seamănă mai degrabă cu o fortăreață decât cu o clădire de biserică. Cu toate acestea, această clădire a fost cea care a servit drept biserică de origine a Papei, iar astăzi se ține acolo Conclavul - o ședință specială la care este ales cel mai înalt duhovnic - Papa.

Poveste

Istoria Capelei Sixtine datează din secolul al XV-lea. Pe locul actualei clădiri a bisericii se afla așa-numita Capela Mare, unde întreaga curte papală s-a adunat pentru a discuta probleme importante - pentru astfel de întâlniri s-au adunat aproximativ 200 de cardinali, care reprezenta diferite ordine religioase.

Dar Papa Sixtus al IV-lea credea că clădirea nu era suficient de sigură pentru astfel de evenimente. Au existat motive întemeiate pentru aceasta - la acea vreme exista o amenințare directă din partea sultanului turc Mehmed „Cuceritorul”, iar relațiile cu dinastia Florentină Medici cu greu puteau fi numite prietenoase. De aceea Papa a ordonat să fie demolată Capela Mare și să se construiască una nouă în locul ei., mai sigur.

Lucrări la construirea unei noi clădiri de biserică, al cărei autor a fost arhitectul Baccio Pontelli, a început în 1473, iar construcția a fost condusă de arhitect Giorgi de Dolci. Construcția capelei a fost finalizată în 1481, iar doi ani mai târziu - în 1483 - a avut loc sfințirea solemnă a capelei, care a primit numele de Papă Sixtus.

Consacrare programat pentru a coincide cu sărbătoarea Înălțării Maicii Domnului. Crearea unui cor special de bărbați a fost, de asemenea, programată pentru a coincide cu deschiderea. Nu toată lumea a primit dreptul de a cânta în acest cor - doar bărbați și numai de credință catolică au fost acceptați.

Inițial un cor de 24 de persoane, astăzi (numit oficial „Cappella musicale pontificia Sistina”) este format din 49 de persoane.

În dimensiunile sale, biserica a repetat exact dimensiunile Templului Vechiului Testament al lui Solomon - 40,9 metri lungime, 13,4 metri lățime, iar înălțimea clădirii a ajuns la 20 de metri.

Clădirea are trei etaje, trei niveluri. Cel de jos, cel mai puternic și cel mai fortificat, a servit drept suport pentru întreaga clădire și în același timp ca refugiu în cazul unui atac militar. Al doilea nivel este cel principal, aici se aflau sălile de întâlnire. Al treilea nivel a servit ca o patrulă: erau case de gardă și o galerie pentru plimbarea în jurul întregii clădiri.

Conform planului original nivelul superior era destinat să fie deschis, dar în timpul ploilor apa a inundat al doilea nivel, ceea ce a făcut ca frescele să se deterioreze, așa că în timp s-a decis construirea unui acoperiș peste galerie.

Numeroși enoriași și oaspeți ai orașului pot afla imediat despre rezultatele alegerilor: dacă alegerile au avut loc, fum alb din coșul de pe acoperișul capelei. Dacă rezultatele alegerilor sunt nesatisfăcătoare, fumul va fi negru.

Frescuri și decorațiuni, fotografii cu tablouri

Dacă privești clădirea din vedere de pasăre, arată ca o cutie simplă și fără pretenții. Dar ce bijuterii sunt în această cutie!

Când vizitatorii intră înăuntru, ei uită instantaneu de aspectul discret. Cine a pictat atât de priceput tavanele și bolțile Capelei Sixtine din Vatican?

În interior, clădirea are forma unui dreptunghi simplu. În mijloc se află o capelă separate printr-un paravan de marmură(autori: Andrea Bregno și Giovanni Dalmatta). Pereții sunt împărțiți în mai multe secțiuni prin rame orizontale. Secțiunea din mijloc conține fresce cu scene ale vieții biblice, iar secțiunea de sus conține portrete ale primilor treizeci de pontifici ai Bisericii Romano-Catolice.

După finalizarea construcției capelei, în 1481, Sixtus al IV-lea, de comun acord cu guvernul florentin, ia invitat pe cei mai cunoscuți artiști ai vremii la Vatican - Pietro Perugino, Sandro Botticelli, Cosimo Roselli, Luca Signorelli si alti maestri. Artiștii s-au confruntat cu sarcina de a picta pereții capelei.

A fost creat de maeștri 16 cele mai mari frescuri, înfățișând scene din Vechiul și Noul Testament. Fiecare dintre picturi conținea aproximativ 100 de caractere, descrise până la cel mai mic detaliu. Tema principală este viața lui Moise („Campanie prin Marea Roșie”, „Masacrul nevinovaților”) și viața lui Isus Hristos („Predica de pe munte”, „Cina cea de taină”, etc.).

Din păcate, doar 12 din 16 fresce au supraviețuit până în prezent.

Subsolul clădirii decorat cu tapiserii, care îndeplinea nu numai o funcție estetică - tapiseriile ascundeau intrarea în spațiile secrete sau de serviciu. Tapiseriile antice, realizate din desene de Raphael Santi, înfățișau scene din viața apostolilor.

Până în zilele noastre au supraviețuit doar 7 tapiserii, restul nu mai erau supuse refacerii. Tapiseriile care au supraviețuit sunt păstrate astăzi în muzeu, iar capela este decorată cu copii realizate cu pricepere.

Tavanul, conform ideii originale a Papei Sixtus al IV-lea, ar fi trebuit să înfățișeze cerul înstelat (proiectat de Pier-Matteo di Amelia). Dar în 1504, tencuiala umedă s-a prăbușit direct pe capetele pontifului și ale cardinalilor săi în timpul uneia dintre întâlnirile lor.

Papa Iulius al II-lea a ordonat să se întărească pereții capelei și să se refacă tavanele. Din fresca cu cerul înstelat nu mai rămâne nimic, cu excepția unui strat aspru de ipsos. Atunci pontiful a dorit ca bolta să fie pictată din nou. În acest scop, a fost invitat un maestru care a fost considerat un geniu al timpului său - Michelangelo.

Schema de pictare a bolții din tavan a Capelei Sixtine arată așa, chiar sub fotografia sa.

Opera lui Michelangelo Buonarroti și Judecata de Apoi

De ce a fost invitat Michelangelo Buonarotti să creeze decorațiunile interioare, istoricii de artă încă se întreabă - la urma urmei, Michelangelo este considerat un sculptor și nu un artist. Dar adevărul rămâne - aproape toate frescele de pe boltile capelei aparțin marelui pictor.

Papa Iulius al II-lea l-a invitat special pe Michelangelo să picteze pereții și tavanul. Dar întâlnirea are propria poveste de fundal. Iulius al II-lea a plănuit ca capela să-i servească mai târziu ca mormânt și tocmai această problemă a discutat inițial cu Michelangelo. Dar după ce Papa a refuzat să plătească pentru furnizarea de marmură pentru statui, Michelangelo a părăsit Roma. S-a întors după solicitările repetate ale Papei, începând lucrările la fresce, iar problema mormântului nu a mai fost pusă.

Lucrările de pictare a bolților capelei au durat aproape 5 ani, din 1508 până la sfârșitul anului 1512. Când ultima lovitură de vopsea a fost aplicată pe pereți, întreaga poveste biblică a apărut în fața tuturor, de la crearea lumii până la vremea marelui potop.

Acest ordin a devenit un fel de provocare pentru Maestru. Nu numai că cantitatea de muncă trebuia să fie colosală, dar avea propriile sale nuanțe. De exemplu, tavanul Capelei Sixtine este boltit și, prin urmare, figurile din pictura de poveste a lui Michelangelo trebuiau reprezentate astfel încât proporțiile să nu fie încălcate și să pară credibile. Total În pictura de pe tavan au fost numărate 343 de figuri este cel mai mare exemplu de pictură monumentală.

Apropo, datorită lui Michelangelo a fost creat un nou tip de schele suspendate, care sunt încă folosite până în zilele noastre în pictarea templelor. Schela este proiectată în așa fel încât să nu atingă pereții deja pictați și, în același timp, să nu interfereze cu progresul serviciilor din templu.

Dar opera lui Michelangelo nu s-a încheiat cu sfințirea capelei. În 1534, maestrul s-a întors aici din nou - pentru a lucra frescă „Judecata de Apoi” din ordinul pontifului (Clement, iar după moartea sa - Paul al III-lea). Fresca a fost finalizată în 1541.

Când lucra la frescă, maestrul a compromis cu canoanele vremii sale. Asa de, Isus este înfățișat fără barbă, îngerii sunt fără aripi, iar sfinții sunt înfățișați goi. Doar o descriere a picturii nu vă va permite să înțelegeți pe deplin ce a descris Michelangelo în „Judecata de Apoi” a Capelei Sixtine, așa că aruncați o privire la fotografia unui fragment din pictură.

Este de remarcat faptul că într-una dintre fresce, în special înfățișând „Martiriul Sfântului Bartolomeu”, Michelangelo i-a dat lui Bartolomeu propriile sale trăsături. Dar în rolul regelui Minos, care are urechi de măgar, Michelangelo l-a portretizat pe cel mai rău intenționat critic al operelor sale - Biagio di Ceseno.

Și această fotografie arată „Creația lui Adam” din Capela Sixtină, creată tot de Michelangelo.

Michelangelo (1475-1564) a fost sculptor, pictor și arhitect. Este considerat unul dintre cei mai mari artiști ai Renașterii italiene și poate din toate timpurile. Opera sa a demonstrat, nemaivăzută până acum, o combinație de perspicacitate psihologică, realism fizic și intensitate. Contemporanii lui i-au recunoscut talentul extraordinar, iar Michelangelo a primit comisii de la unii dintre cei mai bogați și mai puternici oameni ai timpului său, inclusiv papi și alții asociați cu Biserica Catolică. Picturile sale, în special cele care împodobesc Capela Sixtină, sunt păstrate cu grijă, astfel încât generațiile viitoare să aibă ocazia să le vadă și să aprecieze talentul lui Michelangelo.

Capela Sixtină (fosta biserică) a fost construită în cea mai sfântă parte a Italiei, Vaticanul, în anii 1473-1481. de arhitectul Giorgio de Dolci, comandat de Papa Sixtus al IV-lea, de unde provine numele său. Noi papi au fost întotdeauna și sunt aleși între zidurile ei. Astăzi Capela este un muzeu și un celebru monument al Renașterii.

În 1508, Papa Iulius al II-lea l-a chemat la Roma pe Michelangelo pentru a lucra la un proiect de pictură destul de costisitor și ambițios: să-i înfățișeze pe cei 12 apostoli pe tavanul Capelei Sixtine. În schimb, pe parcursul unui proiect de patru ani, Michelangelo a pictat 12 figuri în jurul părții centrale a tavanului: șapte profeți și cinci sibile, și a umplut centrul cu nouă scene din Cartea Genezei.

La 25 de ani de la finalizarea picturii pe tavan, în 1537 - 1541. Michelangelo a continuat să picteze Capela Sixtină și a pictat fresca la scară largă „Judecata de Apoi”. Ocupă tot peretele din spatele altarului. Fresca a fost comandată de Papa Clement al VII-lea, care a murit în timpul pregătirii pentru pictură. El a fost înlocuit de Paul al III-lea, care dorea ca tabloul să fie finalizat.

Cea mai faimoasă dintre picturile lui Michelangelo de pe tavanul Capelei Sixtine este Creația lui Adam. Pe ea, Dumnezeu și Adam își întind mâinile unul către celălalt. Acest gest pare foarte emoționant și nu poate lăsa literalmente indiferent pe orice cunoscător al picturii.

CREARE:

„Separarea luminii de întuneric”

Această frescă înfățișează gazde. Cu o singură mișcare puternică a mâinilor, el împrăștie norii, luptă cu haosul, străduindu-se să separe lumina și întunericul.

„Crearea Soarelui și a planetelor”

Fresca a fost pictată de Michelangelo Buonarroti în jurul anilor 1509–15. Dimensiunea sa este de 570 cm x 280 cm Fresca descrie evenimentele descrise în povestea biblică, Geneza, capitolul 1, versetele 14 până la 19 inclusiv.

„Separarea pământului de ape”

Fresca înfățișează evenimente descrise în Biblie, în Vechiul Testament, cartea Geneza, capitolul 1, versetele 1 - 5.

ADAM SI EVA:

„Crearea lui Adam”

Fresca a fost pictată de Michelangelo în jurul anului 1511. Fresca înfățișează momentul în care Dumnezeu, cu o mișcare a mâinii, pare să-i dea lui Adam energie vitală și reînvie corpul deja creat. Dimensiune frescă: 280 cm x 570 cm.

„Crearea Evei”

Fresca a fost pictată de Michelangelo Buonarroti în 1508 - 1512. Din coasta lui Adam adormit, Dumnezeu o creează pe Eva.

„Căderea și expulzarea din Paradis”

Fresca a fost pictată de Michelangelo Buonarroti în jurul anilor 1508 - 1512. Arborele cunoașterii, situat în centru, pare să împartă viața lui Adam și a Evei în înainte și după mâncarea fructului interzis.

POVESTEA LUI NOAH:

„Sacrificiul lui Noe”

Această frescă a fost pictată de Michelangelo în jurul anilor 1508 - 1512. Ea descrie povestea cum, după Marele Potop, recunoscător pentru mântuirea sa și mântuirea familiei sale, Noe face un sacrificiu lui Dumnezeu.

„Inundație globală”

Fresca a fost pictată de Michelangelo în jurul anilor 1508 - 1509. Dimensiunea sa este de 570 cm x 280 cm. Ne vorbește despre cum au încercat oamenii să scape de Potop, cum au reacționat la ceea ce se întâmpla și ce metode au folosit pentru a evita moartea.

„Beția lui Noe”

Fresca a fost pictată de Michelangelo în 1509. Dimensiunea sa este de 260 cm x 170 cm Fresca înfățișează evenimente din Cartea Genezei, capitolul 9, versetele 20 - 23.

SIBILĂ:

"Sibila libiană"

Sibilele în cultura antică erau numite ghicitori, profețe care preziceau viitorul și necazurile viitoare. Potrivit lui Varro (scriitor roman și polimat din secolul I î.Hr.), cuvântul Sibyl se traduce prin „voința lui Dumnezeu”.

„Sibila persană”

Sibila persană este înfățișată pe frescă sub forma unei femei în vârstă, aparent cu o vedere nu foarte bună, deoarece a adus cartea prea aproape de ochi. Vârsta ei înaintată este indicată și de îmbrăcămintea foarte acoperită. Sibyl pare să fie complet concentrată pe lectură și nu acordă nicio atenție la ceea ce se întâmplă în jurul ei.

"Sibila Cumae"

Profetesa este înfățișată pe frescă sub forma unei femei bătrâne, dar puternice, cu mușchii bine dezvoltați. Sibila cumeană este adesea menționată în literatura antică: în Satyriconul lui Petronius, Analele lui Tacit, Metamorfozele lui Ovidiu și Eneida lui Vergiliu. Mulți artiști au descris-o în picturile lor. Pe lângă Michelangelo, a mai fost pictat de Titian, Raphael, Giovanni Cerrini, Andrea del Castagno, Jan van Eyck și alții.

„Sibila eritreană”

În această frescă, Sibila este înfățișată ca o femeie tânără, destul de atrăgătoare și dezvoltată, citind, aparent, într-un timp târziu. Micuța putti folosește o lanternă pentru a-i aprinde o lampă.

„Sibila delfică”

Sibila delfică este o femeie mitică care a existat înainte de războiul troian (circa secolul al XI-lea î.Hr.). Este menționat în manuscrisul său, în poveștile pe care le-a auzit de la localnici, de către Pausanias (geograf și călător grec care a trăit în secolul al II-lea d.Hr.).

PROFETI:

„Profetul Ieremia”

Ieremia este al doilea dintre cei patru profeți ai Vechiului Testament, care a trăit în jurul anului 655 î.Hr. uh, autor a două cărți: „Plângerile lui Ieremia” și „Cartea profetului Ieremia”. În frescă, profetul întristat este cufundat în gânduri grele despre soarta poporului.

„Profetul Daniel”

Daniel este un profet biblic care a trăit în secolul al VII-lea î.Hr. El a avut darul de la Dumnezeu de a interpreta visele.

„Profetul Ezechiel”

Ezechiel este un mare profet al Vechiului Testament care a trăit în Ierusalim în jurul anului 622 î.Hr. e. Conform Bibliei, Cartea lui Ezechiel, el a făcut profeții îndreptate împotriva păgânilor și a evreilor, a mărturisit despre o viziune a slavei Domnului etc.

„Profetul Isaia”

Pentru creștini, profețiile lui Isaia despre nașterea și venirea viitoare a lui Mesia (Isaia 7:14, Isaia 9:6), precum și despre slujire (Isaia 61:1) sunt deosebit de valoroase. El a profețit și despre soarta Egiptului și a Israelului.

„Profetul Ioel”

Fresca îl înfățișează pe unul dintre cei 12 profeți minori - profetul Ioel, fiul lui Betuel, care, potrivit legendei, a trăit în orașul Bethar și a scris o carte de profeții.

„Profetul Iona”

Această frescă puțin neobișnuită îl înfățișează pe Iona, unul dintre cei șapte profeți din Vechiul Testament pictați de Michelangelo. În spatele lui este un pește mare. Aceasta este o referire la faptul că în cartea lui Iona, el este înghițit de o balenă.

„Profetul Zaharia”

Zaharia a fost unul dintre cei doisprezece profeți „minori”. În tradiția bisericească este tânăr, dar Michelangelo l-a pictat ca pe un bărbat în vârstă, cu părul cărunt, cu o barbă lungă.

„Judecata de Apoi”

Tema frescei: a doua venire a lui Isus Hristos și apocalipsa. Dimensiunea sa: 1200 cm x 1370 cm.